Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite une très Belle Année 2026 !

TOP 5 GENERAL SERIES 2025

1. Pluribus saison 1 (Apple TV +), de Vince Gilligan, 20 points
2. Stranger things saison 5 (Netflix), des frères Duffer, 19 points.
3. Des Vivants (France Télévisions), de Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade, 18 points.
4. Severance saison 2 (Apple TV +), de Dan Erikson et Ben Stiller, 17 points.
5. Mr Scorsese (Apple TV +), de Rebecca Miller, 13 points.
   

• EMMANUELLE ETIENNE

1/ PLURIBUS saison 1 – Apple TV +

Vince Gilligan prouve qu’il est le maître incontesté des showrunners. Il offre à l’actrice Rhea Seehorn (Better Call Saul) un rôle en or qui, on l’espère, lui permettra de remporter une kyrielle de prix.

2/ SEVERANCE saison 2 – Apple TV +

Après une attente interminable, la série est revenue avec une saison 2 qui ne fait que confirmer son statut d’œuvre culte. Son épisode final est un petit bijou de suspense et d’émotion.

3/ THE PITT saison 1 – HBO Max

La série portée par Noah Wyle (Urgences) est la bonne surprise de cette année. Une plongée en temps réel dans le monde hospitalier post COVID, bouleversante et surtout alarmante.

4/ STRANGER THINGS saison 5 – Netflix

La parfaite conclusion d’une série qui aura fait les grandes heures de la plateforme au logo rouge. Impossible de ne pas verser une petite larme au moment de dire adieu à cette bande de gamins devenus adultes.

5/  ÇA : BIENVENUE À DERRY – HBO Max

On n’attendait pas grand chose de ce préquel mais cette origin story du clown Pennywise a vraiment de quoi nous réjouir. Un récit qui tient la route, une mise en scène spectaculaire et une interprétation toujours aussi bluffante de Bill Skarsgård.

• XAVIER AFFRE

1 / Stranger Things, saison 5 (Frères Duffer) – Netflix

2 / Des vivants (Jean-Xavier de Lestrade) – France Télévisions

3 / Nismet (Philippe Faucon) – Arte

4 / Los Anos nuevos (Rodrigo Sorogoyen) – Arte

5 / Mr. Scorsese (Rebecca Miller) – Apple TV

6 / 37 secondes (Anne Landois, Sophie Kovess-Brun) – Arte

7 / Le Président foudroyé (Mike Makowsky) – Netflix

8 / De rockstar à tueur : Le cas Cantat (Jahn, Lartigue, de Bussierre, Dusfour) -Netflix

Mention spéciale : le 3ème épisode de la série Adolescence

• QUENTIN ELUAU

Encore une année séries qui nous marquera par certaines sorties.

En 2022, la première saison d’Andor figurait déjà dans mon top 3 ; cette année, la seconde saison s’empare sans aucun problème de la première place, tant je ne trouve rien à redire sur cette seconde et dernière saison. Severance confirme l’essai avec une saison 2 du même calibre que la première, et la première saison de The Studio a été une très bonne surprise.

Malheureusement, il nous manque toujours du temps pour regarder tout ce qui nous intéresse. Parmi les loupés, on retrouve entre autres The Pitt (vainqueur de plusieurs Emmy Awards), Only Murders in the Building (péché mignon), Pluribus (la nouvelle série de Vince Gilligan), mais aussi The Chair Company (créée et interprétée par Tim Robinson).

Hâte de voir ce que 2026 nous réserve.

1. Andor (Disney +)
2. Severance (Apple +)
3. The studio (Apple +)
4. Dan da dan (Netflix)
5. The mighty nein (Amazon Prime)
6. Peacemaker (HBO max)
7. Bref (Disney +)
8. The bear (Disney +)
9. Asterix et le combat des chefs (Netflix)
10. The Last of us (Amazon Prime)

• DAVID SPERANSKI

1. Pluribus saison 1 de Vince Gilligan (Apple TV +)

Vince Gilligan étant le créateur de Breaking Bad et de Better Call Saul, deux des séries les plus importantes de ces quinze dernières années, on guettait avec attention sa nouvelle création. Renouant avec la Science-Fiction des X-Files dont il a signé quelques-uns des meilleurs épisodes, Gilligan prouve qu’il reste toujours très inspiré, en écrivant une fiction entre La Nuit des morts-vivants et Le Prisonnier, une histoire souterrainement inspirée par le confinement (avec une héroïne qui survit presque toute seule, admirable Rhea Seehorn) et des tentations irrépressibles de revenir au monde d’avant ,

2. Des Vivants de Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade (France Télévisions)

Tout le monde se souvient du vendredi 13 novembre 2015, ce jour où la France a basculé dans l’horreur. Ce qu’on connaît moins, c’est l’histoire des survivants de l’attentat du Bataclan, une histoire d’amitié et de résilience qui n’occulte pas la gravité du traumatisme mais met l’accent sur l’espoir d’une autre vie, formidablement retranscrite et mise en scène par Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade, avec des acteurs tous impressionnants.

3. Silo saison 2 de Graham Yost (Apple TV +)

Rhea Seehorn parle parfois toute seule dans Pluribus. Rebecca Ferguson agit souvent toute seule dans Silo. Des femmes seules qui s’en sortent, telle est la thématique prégnante dans un certain nombre de séries de cette année. D’après la formidable saga éponyme de SF de Hugh Howey, Silo saison 2 suit le personnage de Juliette Nichols, mécanicienne de formation, qui s’est échappée du silo où 10 000 personnes sont confinées sans explication. La musique obsédante, l’atmosphère lancinante, l’interprétation remarquable de Rebecca Ferguson et de ses partenaires (étonnant Steve Zahn) font déjà de Silo la série un classique.

4. Mr Scorsese de Rebecca Miller (Apple TV +)

On croyait tout savoir de Martin Scorsese, son asthme, sa vocation pour la prêtrise, sa Passion au sens religieux du cinema, etc. Rebecca Miller, réalisatrice de talent et épouse de Daniel Day-Lewis, réussit pourtant à nous apprendre de nouvelles choses. Par son approche empathique, sa somme d’interviews de proches et d’amis, son excellent montage (image et musique) qui ne laisse pas de répit au spectateur, Mr Scorsese s’impose comme l’un des meilleurs documentaires jamais consacrés à un cinéaste.

5. Black Mirror saison 7 de Charlie Brooker (Netflix)

C’est la fin du contrat de Charlie Brooker pour Netflix. Cette dernière (?) saison de Black Mirror réserve son lot de surprises et de trouvailles inédites au sein de ces six nouveaux épisodes, dont l’excellent Des gens ordinaires, l’angoissant Bête noire, des rappels des précédentes saisons, Bandersnatch ou USS Callister. etc. Dans un monde où la technologie nous inquiète de plus en plus, Black Mirror demeure la meilleure série pour en prendre conscience.

6. Stranger things Saison 5 de Matt et Ross Duffer (Netflix)

C’est l’une des séries phares de Netflix, l’une des plus regardées dans le monde, l’une des séries cultes de la décennie. Elle a en effet couvert dix années de 2016 au 1er janvier 2026. Les acteurs, ados au départ, ont bien grandi (surtout Millie Bobby Brown). Oeuvre dédiée à la nostalgie des années 80 et à celles de Steven Spielberg, Stephen King et John Carpenter, elle s’achève, laissant un grand vide. Les années 2015-2025 resteront-elles comme celles de Stranger things?

7. The White Lotus saison 3 de Mike White (Amazon Prime)

Mike White a encore frappé fort dans sa satire des super-riches. Après un tour à Hawaï puis en Sicile, c’est la Thaïlande qui va révéler les moeurs parfois contestables des touristes, clients de la chaîne d’hôtels The White Lotus. Malgré des débuts un peu difficiles dans cette troisième saison, la série gagne à ce séjour en Asie un supplément d’âme et de spiritualité. L’épisode final parvient à lier toutes les intrigues avec une facilité remarquable.

8. Adolescence de Jack Thorne et Stephen Graham (Netflix)

Tout le monde connaît la série, notable et principale innovation de Netflix cette année, pour sa réalisation exceptionnelle, composée d’un seul plan-séquence par épisode, réalisation due à Philip Barantini. Mais au-delà ce tour de force un peu ostentatoire à la Sam Mendes dans 1917, la série exprime des constats très justes sur la violence des adolescents, le culte du masculinisme chez les incels, et la contamination des opinions par les réseaux sociaux.

9. Taylor Swift : The End of an Era de Don Argott et Sheena M. Joyce (Disney +)

Taylor Swift : The Eras tour, remarquable film de concert et expérience immersive, attendait un complément. C’est chose faite avec Taylor Swift : The End of an Era. Au-delà de l’aspect crépusculaire de la chose (le film captant une performance qui n’aura sans doute pas d’équivalent avant longtemps, sinon jamais), la série s’attache à montrer l’envers du décor, soit la vie de la plus grande pop star de notre époque, et surtout la manière dont elle parvient à gérer une tournée d’une envergure phénoménale, tout en menant de front sa vie privée, ses amitiés et son écriture continue de chansons.

10. De Rockstar à tueur : le cas Cantat de Anne-Sophie Jahn, Nicolas Lartigue, Zoé de Bussierre et Karine Dusfour (Netflix)

Cette série est un cas d’école, car illustrant une prise de conscience, un changement fondamental dans les mentalités. Prenant comme point de départ l’affaire Trintignant/Cantat, elle montre par divers témoignages et archives comment la France est passée d’une notion dépassée de crime passionnel à celle beaucoup plus pertinente de féminicide. Glaçant et instructif.

Mention spéciale : Severance saison 2 de Dan Erikson (Apple TV +).  Série-concept intrigante, servie par une réalisation souvent brillante de Ben Stiller, elle offre une satire sarcastique de la vie en entreprise et de la séparation souvent peu opérationnelle entre l’existence au bureau et l’intimité privée.

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Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

TOP GENERAL FILMS 2025

1. Sirāt d’Oliver Laxe, 60 points.
2. The Brutalist de Brady Corbet, 31 points.
3. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez, 26 points
4. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson, 24 points.
5. Résurrection de Bi Gan, 19 points.
6. L’Agent secret de Kleber Mendonça Filho, 18 points.
7. ex aequo Jeunesse (Retour au pays), de Wang Bing, L’Attachement de Carine Tardieu, Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche, 17 points.

10. Valeur sentimentale de Joachim Trier, 14 points.
11. Magellan de Lav Diaz, 13 points.
12. L’Engloutie de Louise Hémon, 12 points.
13. Le Rire et le couteau de Pedro Pinho, 11 points.

• HANNA HROMOVETSKA

Bien que 2025 ait été riche en sorties de réalisateurs consacrés — de Paul Thomas Anderson et Yórgos Lánthimos à Joachim Trier et Richard Linklater — j’ai préféré la vision fraîche, les idées audacieuses et les approches non conventionnelles proposées par des cinéastes qui s’apprêtent tout juste à s’inscrire dans l’histoire du cinéma. Ainsi, quatre films de mon top 5 de l’année sont des premiers films, chacun proposant des observations attentives sur le cinéma en tant que médium. Parallèlement, des réalisateurs qui n’ont pas encore atteint un large public, comme Brady Corbet et Oliver Laxe, ont signé des œuvres monumentales et réflexives qui méritent une attention accrue. L’impression générale laissée par l’année prouve que le cinéma est loin d’être mort et nous invite, par conséquent, à attendre avec intérêt ce qu’il nous réservera dans l’année à venir.

1. The Brutalist de Brady Corbet
2. On Falling de Laura Carreira
3. L’Engloutie de Louise Hémon
4. La Convocation de Halfdan Ullmann Tøndel
5. The Chronology of Water de Kristen Stewart
6. Sirāt d’Oliver Laxe
7. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson
8. Dangerous Animals Sean Byrne
9. Kika de Alexe Poukine
10. Jeunes mères de Jean-Pierre Dardenne et Luc Dardenne

• CLEMENCE LESACQ GOSSET

1. Sirāt d’Oliver Laxe
2. L’Attachement de Carine Tardieu
3. I love Peru de Raphaël Quenard et Hugo David
4. Eleanor the Great de Scarlett Johansson
5. Kneecap de Rich Peppiatt
6. A Normal family de Hur Jin-Ho
7. Partir un jour d’Amélie Bonnin
8. La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa
9. La Petite dernière de Hafsia Herzi
10. Les Filles désir de Princia Car

• Mention spéciale  : L’Engloutie de Louise Hémon

• MARGAUX BALLAND

2025 a révélé une constellation de films où l’individu s’est mesuré à des forces qui le dépassent : la violence des territoires ruraux (Le Clan des bêtes), la radicalité d’une quête spirituelle (Sirāt), la complexité des liens qui façonnent une place dans le monde (L’Attachement, La petite dernière). L’ensemble dessine une année où le genre sert de révélateur, qu’il s’agisse de sonder la brutalité (Dangerous Animals, Sinners) ou de questionner les zones grises de l’héroïsme (Evanouis). The Flats (documentaire) et Bird prolongent cette mise en tension du réel, en faisant de l’observation des corps et des espaces un révélateur de ce qui forge silencieusement une société. Entre luttes intimes, expériences partagées et fractures sociales, ces dix films partagent une même énergie : raconter des existences en transition, où chaque questionnement intérieur devient une clé de lecture du monde.

1. Le Clan des Bêtes de Christopher Andrews
2. Sirāt d’Oliver Laxe
3. L’Attachement de Carine Tardieu
4. The Flats d’Alessandra Celesia
5. Partir un jour d’Amélie Bonnin
6. Evanouis de Zach Cregger
7. Dangerous Animals Sean Byrne
8. Sinners de Ryan Coogler
9. Bird d’Andrea Arnold
10. La Petite dernière de Hafsia Herzi

• XAVIER AFFRE

1 / L’agent secret (Kleber Mendonça Filho)

Le meilleur film de l’année, le film le plus abouti de Kleber Mendonça Filho. Un film-somme, une œuvre puissante, romanesque et politique, d’une grande maîtrise.

2 / Résurrection (Bi Gan)

Un voyage au bout du rêve, un véritable poème visuel, qui brouille la perception de l’espace et du temps qui met le spectateur sous hypnose. Il constitue un plaisir de chaque instant.

3 / The Brutalist (Brady Corbet)

Film d’une impressionnante fluidité, d’une incroyable densité qui impose Brady Corbet comme un cinéaste de premier rang. Une fresque sur l’Amérique et ses démons, son mensonge et sa désillusion.

4 / Jeunesse (Les Tourments) et (Retour au pays) (Wang Bing)

Wang Bing a filmé, entre 2014 et 2019, 2 600 heures de rushes dans des ateliers à Zhili, non loin de Shanghai. Une fresque documentaire essentielle sur la jeunesse chinoise travaillant dans le textile, portrait remarquable d’une Chine capitaliste.

5 / La Chambre de Mariana (Emmanuel Finkiel)

Le cinéaste évoque une nouvelle fois la Shoah en adaptant Aharon Appelfeld. Interprété par Mélanie Thierry dans l’un des plus beaux rôles, La Chambre de Mariana est une très grande réussite.

6 / Une Bataille après l’autre (Paul Thomas Anderson)

Une leçon de cinéma signée Paul Thomas Anderson. Un film fou, ambitieux et d’une maitrise impressionnante, porté par un Leonardo DiCaprio impérial. Portrait passionnant de l’Amérique contemporaine.

7 / Mektoub my Love : Canto Due (Abdellatif Kechiche)

Le retour sur les écrans du cinéaste de La Vie d’Adèle. Kechiche réalise un 3^e volet sensuel et lumineux, passant d’un genre à un autre avec une belle aisance. Chronique de la banalité du quotidien portée par une formidable mise en scène.

8 / Bonjour la langue (Paul Vecchiali)

Ultime film de Paul Vecchiali mettant en scène la relation entre un père et son fils, clin d’œil à Godard et déclaration d’amour au cinéma, aux acteurs. L’un des plus beaux et des plus émouvants longs métrages d’un cinéaste trop peu connu.

9 / Fantôme utile (Ratchapoom Boonbunchachoke)

Un premier long métrage formidable, d’une grande originalité, qui renouvelle le film de fantôme par un scénario remarquablement écrit, une fable politique et burlesque d’une belle acuité. Découverte d’un cinéaste.

10 / Oui (Nadav Lapid)

Un véritable uppercut cinématographique, tant au niveau de la forme que du fond. Dans la lignée de ses récents derniers films, le cinéaste passe à la moulinette de sa caméra la société de son pays, jetant un regard sans concession sur Israël.

Mentions spéciales : L’invasion, La mer au loin, Imago, Kouté Vwa, L’Engloutie, The Neon People, Je n’avais que le néant, Les Linceuls, Les Feux sauvages, La Petite dernière

• KEVIN CORBEL

1. Résurrection de Bi Gan
2. La Voix de Hind Rajab de Kaouther Ben Hania
3. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez
4. Magellan de Lav Diaz
5. Valeur sentimentale de Joachim Trier
6. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson
7. L’Engloutie de Louise Hémon
8. Escape from the 21st Century de Yang Li
9. Sinners de Ryan Coogler
10. L’Amour c’est surcôté de Mourad Winter

• SEBASTIEN LAMOTHE

Honneur à un road-movie mystique – Sirāt  – parce que le cinéma est avant tout un voyage intérieur. Deux films brésiliens – L’agent secret et Je suis toujours là – dans ce top qui ont pour point commun de se dérouler à l’époque de la dictature militaire: besoin de faire resurgir le passé pour mieux appréhender l’avenir. Deux films aussi qui exaltent l’adolescence – Young hearts et Les enfants rouges – dans ce qu’elle a de plus brave et de plus rayonnante: une leçon pour le monde adulte. Deux films politiques qui se penchent sur un passé plus ou moins récent et prennent parti pour la liberté des peuples: le peuple congolais et la figure de proue de son indépendance, Patrice Lumumba – Soundtrack to a Coup d’Etat – un peuple palestinien menacé par la destruction et qui souffre sous le regard médusé du monde – Put your soul on your hand and walk. N’oublions pas un film de genre parmi tout cela qui ne détonne pas dans notre liste tant il apparaît novateur et efficace.

1. Sirāt d’Olivier Laxe
2. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez
3. L’agent secret de Kleber Mendonça Filho
4. The Brutalist de Brady Corbet
5. Je suis toujours là de Walter Salles
6. Young hearts de Anthony Schatteman
7. Put your soul on your hand and walk de Sepideh Farsi
8. Les enfants rouges de Lotfi Achour
9. Les maudites de Pedro Martin-Calero
10. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson

• PIERRE LARVOL

1. Arco de Ugo Bienvenu
2. Sirāt d’Oliver Laxe
3. Reflet dans un diamant mort de Bruno Forzani, Hélène Cattet
4. La trilogie d’Oslo / Désir de Dag Johan Haugerud
5. Magellan de Lav Diaz
6. Amélie et la métaphysique des tubes de Mailys Vallade, Liane-Cho Han
7. L’Amour qu’il nous reste de Hlynur Palmason
8. Miroirs no.3 de Christian Petzold
9. Substitution – Bring Her Back de Michael Philippou, Danny Philippou
10. Chime de Kiyoshi Kurosawa

Mentions : Toxic de Saulė Bliuvaitė, The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeldt, Wallace et Gromit : La palme de la vengeance de Nick Park, Merlin Crossingham 

• POULET POU

1. Jeunesse (Retour au pays), de Wang Bing

L’humour accompagne le tragique — excellent passage du nouvel époux qui débute en couture, et qui en prend pour son grade —, et le montage dit tout, avec une ellipse finale qui, même si elle est attendue, impressionne durablement le spectateur par sa brutalité.

2. Imago, de Déni Oumar Pitsaev

Splendides vues des horizons montagneux derrière lesquels s’étend la Tchétchénie natale, réflexion sur la liberté vs. la famille, et le poids voire la pesanteur des traditions — mémorables séquences ’’entre femmes’’ sur fond de muezzin fatigué, puis entre hommes avec flingue —, évocation des blessures jamais refermées de la séparation des parents, ainsi que du traumatisme de la guerre et de l’exil, questionnement sur le cinéma ’’du réel’’, il y a tellement de choses qui se passent dans le film.

3. Un Simple accident, de Jafar Panahi

C’est juste super. OK l’auteur n’interprète pas sa partition de notable bienveillant — ce n’est plus l’heure —, et il n’y a pas non plus les habituels jeux méta réalité/fiction. Ceux-ci sont remplacés à certains moments par un parfum théâtral délibéré, fait autant pour tordre l’apparence de réalisme que pour synthétiser les enjeux, et qui m’a convaincu.

4. La Voie du serpent, de Kiyoshi Kurosawa

Le faux réalisme de cette sombre histoire de vengeance est le vecteur de ce qu’il faut bien appeler, poésie.

5. Les Linceuls, de David Cronenberg

Il s’agit peut-être, petit a, du Cronenberg le plus autobiographique, petit b, du plus hitchcockien, pensez Sueurs froides et sa femme double donc, et Fenêtre sur cour et sa pulsion scopique.

6. La Voyageuse, de Hong Sang-soo

D’une conversation banale, d’une interprétation musicale hésitante, d’un monument aperçu au détour d’une promenade, surgit soudain un questionnement intime, presque obscène — dont les correspondances d’un élève à l’autre amusent le spectateur habitué au principe de variations du cinéma de Hong.

7. Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche

J’ai beaucoup aimé l’ensemble, je veux dire, la peinture de la finitude de notre jeunesse insouciante, et les péripéties over-the-top que réserve la conclusion du film pour étayer son propos.

8. Kontinental’25 de Radu Jude

Passion remake, ici celui d’Europe 51 de Rossellini. Plus ou moins, car contrairement à ce qui arrivait à Ingrid Bergman chez RR, de nos jours l’illumination est refusée à la bourgeoise confrontée à la misère du monde. 

9. Ce n’est qu’un au revoir, de Guillaume Brac

Votre humble serviteur qui a passé enfance et adolescence à déménager peut en témoigner, comme le pressentent les héros de ce beau portrait documentaire de bandes de copains sur le point de se défaire pour cause de fin du lycée, difficile de garder le contact quand on ne se voit plus, malgré les serments aussi intenses que les amitiés. Guillaume Brac observe ses gracieux sujets avec beaucoup d’amour et une juste distance.

10. A House of Dynamite, de Kathryn Bigelow

Ce qui motive la grande Kathryn est la description des procédures prévues pour faire face à la crise — leur rationalité, aussi bien que leur inefficacité et leur absurdité.

Mentions spéciales pour Frantz Fanon, Aimer perdre, Le Cinquième Plan de La Jetée, Histoires de la bonne vallée.

• THOMAS POUTEAU

1 — Sirāt d’Olivier Laxe : la seule fois de l’année où j’ai entendu, de concert, mon cœur et mes yeux exploser en même temps. Une envie complètement irrationnelle d’y retourner plusieurs fois par jour.

2 — Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez : un uppercut d’archives et de jazz où le sens et le son s’accordent à l’unisson. L’Histoire danse pendant que l’Occident magouille en coulisses.

3 — Julie se tait de Leonardo Van Dijl : un film qui comprend que le mutisme est parfois plus violent qu’un cri. Chaque plan est une gifle retenue, et c’est précisément pour ça que ça fait si mal.

4 — Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche : on ne l’attendait plus, et voilà qu’il revient de la plus belle des manières, offrant une ombre aussi brûlante que le soleil. Certes Kechiche, mais surtout sans doute les plus grands acteurs — actrices surtout — de l’année.

5 — Tardes de soledad d’Albert Serra : le soleil, le sang, la mort : Serra transforme l’arène en mausolée existentiel. On regarde l’homme face au néant, et le néant gagne toujours — avec élégance.

6 — Le Rire et le couteau de Pedro Pinho : un film qui regarde l’humanité de biais, à hauteur de corps fatigués et de désirs mal rangés. Chaque scène semble improviser sa cruauté avec élégance, laissant derrière elle une sensation trouble : celle d’avoir été séduit par quelque chose de profondément inconfortable.

7 — Kika d’Alexe Poukine : un mélange des genres comme la recette de la soupe à l’oignon de ma grand-mère. C’est subversif, ça titille les zygomatiques et, en même temps, profondément tragique.

8 — Harvest de Athina Rachel Tsangari : un monde rural filmé comme une fin du monde en costume d’époque. Chaque image sent la terre, la peur et la disparition imminente. Sans doute la meilleure scène d’ouverture de l’année.

9 — Put your soul on your hand and walk de Sepideh Farsi : un film qui te regarde droit dans l’âme et te demande ce que tu fais de ton corps. Radical, inconfortable, incandescent — il nous rappelle qu’en faisant taire une voix, Israël a rendu un sourire immortel.

10 — Black Dog de Hu Guan : même la Joconde au Louvre n’a pas un sens du cadre comparable à celui de Hu Guan. Un chien, un homme, une Chine toute azimut, en ruines morales : un film sec, tendu, d’une précision politique qui mord plus fort que n’importe quel discours.

Bonus : L’Aventura ; À bicyclette ; Eddington ; L’Evangile de la révolution ; Résurrection.

• DAVID SPERANSKI

1. La Trilogie d’Oslo : Rêves de Dag Johan Haugerud 

Renouant avec les cycles cinématographiques qui avaient été initiés par Eric Rohmer (Six contes moraux, Comédies et proverbes, Contes des quatre saisons) et Krzysztof Kieślowski (Le Décalogue, Trois Couleurs), Dag Johan Haugerud signe cette année une Trilogie d’Oslo qui fait date et écho à une autre Trilogie d’Oslo, celle de Joachim Trier (Nouvelle donne, Oslo 31 août, Julie (en douze chapitres) ). Ours d’or au Festival de Berlin cette année, décerné par le jury de Todd Haynes (Carol, Loin du Paradis), Rêves est sans doute le volet le plus poétique, vibrant et brillant de la Trilogie, déclenchant de multiples et profondes interrogations sur la fiction et la création, le mensonge et la vérité, l’amour, la sexualité et le genre. D’où son importance fondamentale.

2. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson

A la fois blockbuster grand public, comédie d’action, acte politique plus qu’engagé contre le suprémacisme blanc et la présidence trumpiste, et bien évidemment prolongement des thématiques de son oeuvre devenue monumentale en quelques années, Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson prend tous les risques et réussit sur tous les tableaux. Un pari d’une insolence et d’une audace rares dans le cinéma américain contemporain.

3. Valeur sentimentale de Joachim Trier

L’art, la famille, le conflit. Dans les années 60 et 70, Bergman exprimait ces thèmes de manière extrêmement violente (Cris et Chuchotements, L’Heure du Loup). Aujourd’hui, dans notre ère post-#MeToo, Joachim Trier possède sa propre manière d’exposer et de résoudre ces problèmes de manière souterraine et apparemment apaisée, ce qui fait de Valeur sentimentale une oeuvre a priori classique et unanimiste mais traversée par de profonds soubresauts et d’insondables vertiges.

4. Sirāt d’Olivier Laxe

Talent pourtant remarqué avec Mimosas et Viendra le feu, Oliver Laxe accomplit un pas de géant (qu’il est réellement dans la vie) avec Sirāt, une oeuvre qui capte l’air du temps comme rarement, un air où fusionnent spiritualité, techno et visions apocalyptiques. A la fois intimiste et spectaculaire, un film de chevet pour mieux appréhender notre époque dysfonctionnelle.

5. Le Rire et le couteau de Pedro Pinho

C’était le film le plus long du Festival de Cannes de cette année. Mais il n’a fait reculer que les âmes peu téméraires. Car, embrassant dans un même mouvement la politique, l’économie et la sexualité, le film semble condenser dans ses 3h37 la dilatation rivettienne du temps, la sensorialité atmosphérique d’un Albert Serra, le marivaudage transgenré d’un Almodóvar et le caractère labyrinthique du collectif El Pampero. En effet, d’un tel film, on ne sort pas indemne.

6. The Brutalist de Brady Corbet

Fresque viscontienne ou coppolienne, s’étalant sur quinze voire quarante ans, The Brutalist s’impose par son ambition peu commune de décrire le sort des immigrés juifs aux Etats-Unis et sa direction d’acteurs déjà exemplaire (Adrien Brody, Guy Pearce, Felicity Jones, Raffey Cassidy, tous exceptionnels). Jeune cinéaste (seulement trois films), ex-comédien chez Haneke ou Lars von Trier, Brady Corbet peut aller très loin s’il parvient à maîtriser et canaliser son ambition dans une forme esthétique achevée.

7. Avatar : de Feu et de Cendres de James Cameron

C’était il y a trois ans, à l’époque de la sortie d’Avatar : la voie de l’eau. James Cameron confirmait qu’il était le seul cinéaste à pouvoir nous faire débourser quelques euros supplémentaires de manière justifiée pour des lunettes 3D. Trois ans plus tard, avec toujours la même maestria de mise en scène, James est toujours le seul à nous faire embarquer pour Pandora, afin de nous montrer comment une famille survit et se renforce à travers les épreuves, et comment la jeune génération finit par trouver son identité et son indépendance. Dire qu’il faudra attendre quatre ans pour connaître la suite…

8. La Voyageuse de Hong Sang-soo

On croit que tous les Hong Sang-soo se ressemblent. En apparence, c’est vrai : discussions quasi-philosophiques, démonstrations d’ivresse à table, des situations qui se répètent sans qu’on puisse réellement démêler la part de poésie, celle de symbolique et celle du réel. Pourtant rien n’est plus faux, surtout quand Isabelle Huppert est là. Elle semble réguler les choses alors qu’en fait elle les dérègle, pour le plus grand bien de la fiction.

9. Mektoub My Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche

Huit ans qu’on attendait la suite des aventures d’Amin, Ophélie, Tony, Céline…Rien que pour cela, ce deuxième volet, après l’Intermezzo escamoté, représente déjà un petit miracle. C’est une sorte de jumeau sombre du Canto Uno. La lumière de Sète brille encore mais ne va pas tarder à assombrir la tournure des destins : les agneaux meurent, l’avenir ne ressemble plus à un été permanent, constitué de danses effrénées et de séances de bronzage sur la plage.

10. Mickey 17 de Bong Joon-ho

Carton en France, dépassant le million d’entrées, faisant juste un peu moins que Parasite, ce film traîne une mauvaise réputation de satire du trumpisme et de notre époque en général. Pourtant, il n’est pas difficile de deviner qu’il sera rapidement réhabilité, une fois que l’après-Parasite se sera dissipé, condamnant forcément son successeur à une réception moins favorable. Comme pour Une Bataille après l’autre, on peut penser à l’esprit jubilatoire de certains Kubrick (Docteur Folamour, Orange mécanique, Full Metal Jacket).

Mentions spéciales : Magellan, The Chronology of Water, Kika, Alpha, Un Parfait inconnu, The Phoenician Scheme, Franz K., L’Epreuve du feu, Sorry, baby, Eddington.  

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Cette évolution du langage cinématographique est à décorréler d’une certaine idée du progrès, d’une connexion plus directe entre le messager, l’artiste et son destinataire, le spectateur. Trop souvent, certains cinéastes ont fait du médium un simple objet de divertissement, un jouet clinquant au langage criard, détourné de toute sincérité. Les exemples dans l’industrie contemporaine sont pléthoriques, ils ne sont pas nouveaux, mais pluricontinentaux, sans discrimination aucune. L’incompréhension peut être totale, la nullité aussi. Passons. Car une autre idée du cinéma persiste, fragile et essentielle : celle d’un art qui cherche encore à dire vrai, à se renouveler par l’intérieur de sa forme. 

Fait surprenant, le Festival de Cannes 2023 a révélé trois œuvres qui semblent traversées par un même souffle, une même idée de la grammaire cinématographique : Les Filles d’Olfa (Kaouther Ben Hania, 5 juillet 2023), Little Girl Blue (Mona Achache, 15 novembre 2023) et La Mère de tous les mensonges (Asmae El Moudir, 28 février 2024).

Ces trois films ont d’abord en commun d’être réalisés et écrits par trois femmes. Si cela n’est plus aussi exceptionnel actuellement — tant mieux — il est tout de même bon de le notifier. Trois femmes, scénaristes et réalisatrices, qui partagent également des origines maghrébines. Kaouther Ben Hania est Tunisienne, Mona Achache Franco-marocaine et Asmae El Moudir Marocaine. Autre lien, évident : la figure féminine inscrite dès leur titre — les filles, la petite fille, la mère — comme si chacune racontait la transmission d’un même fil, reliant les générations entre elles. À ce jeu des points communs, ajoutons leur nature documentaire, leur économie fragile, leur inventivité, leur propension à détricoter des nœuds familiaux et à exorciser, par le cinéma, un passé traumatique. 

Dans Les Filles d’Olfa, Kaouther Ben Hania brosse le portrait d’une mère tunisienne qui voit sa vie recouverte d’une ombre terrifiante le jour où ses deux filles aînées disparaissent. Pour combler leur absence, la réalisatrice convoque des actrices professionnelles, créant un dispositif de cinéma atypique où l’absence devient matière de cinéma. Ici, l’incarnation des sœurs disparues par des actrices. Là, dans Little Girl Blue, Mona Achache tente de percer le mystère du suicide de sa mère, Carole Achache. Pour ce faire, la réalisatrice utilise un procédé qui rappelle le précédent, non pas l’incarnation, mais la réincarnation de sa mère par l’actrice Marion Cotillard. Enfin, La Mère de tous les mensonges d’Asmae El Moudir reconstitue, avec les habitants de son quartier, une histoire sanglante de l’ère hassanienne. Dans un décor miniature fabriqué par son père, des poupées rejouent les traumatismes d’un peuple. 

Ces trois films s’écrivent au présent de leur propre création. Ils racontent, chacun à leur manière, un film en train de se faire : un processus de guérison, une catharsis en gestation. Dans Little Girl Blue, nous assistons à la rencontre de Mona Achache avec Marion Cotillard, l’actrice qui ne joue pas. Pas encore. Pas tout à fait mais la caméra tourne déjà. Pas dupe. Du bureau où elles se font face, Mona Achache extirpe des vêtements, une paire de chaussures, une paire de lunettes, un collier à perles, une perruque. Sous nos yeux, Marion Cotillard se transforme, prend les traits de Carole Achache, mère morte qui réapparaît à l’écran. On oublie la femme Cotillard, on oublie l’actrice qui s’efface. Les fantômes sont convoqués, la vérité discutée. Cette forme et ce langage intermédiaire, hybride, proche du making-of, met également en lumière ces femmes qui préparent des scènes en s’interrogeant sur leurs doutes, sur leurs motivations, sur les ressorts profonds qui sont les leurs ainsi que ceux des personnages qu’elles campent. Une scène qui semble anodine dit tout du projet : 

Marion Cotillard boit sur un divan. 

MONA ACHACHE — Ma mère faisait beaucoup de bruit quand elle buvait son thé le matin. 

Silence. 

MARION COTILLARD, surprise — Ah ! Mais je croyais qu’on faisait une petite pause là. 

Silence gêné. 

MONA ACHACHE — Non. 

Marion Cotillard boit bruyamment en aspirant. 

MONA ACHACHE — Après elle gardait la gorgée et après elle avale. 

Marion Cotillard recommence.

MONA ACHACHE — Je détestais ce bruit. 

MARION COTILLARD — Bah pourquoi le reproduire ? 

Le dispositif se révèle : la caméra tourne pendant que le jeu hésite entre le “pour de vrai” et le “pour le film”. Cotillard, Achache, la mère, la fille : toutes les frontières se dissolvent. 

Ces trois cinéastes construisent ainsi des contre-fictions, des films qui ne rejouent pas le réel, mais le recréent sous nos yeux. Héritières de Jean Rouch, de Godard et de Pierre Perrault, elles abolissent la frontière entre tournage et récit, allant jusqu’à apparaître dans leurs films respectifs. Ces trois documentaires semblent être les documentaires d’une fiction que les personnages se jouent à eux-mêmes.

Parce qu’il s’agit d’un cinéma minoritaire, au sens d’un cinéma venant des minorités — cinéma du monde, cinéma des femmes, cinéma documentaire — il tend à remettre en question son dispositif et à interroger ses propres moyens d’expression, précisément pour se les réapproprier. Ce déplacement formel n’est pas un geste d’avant-garde abstraite : il constitue l’une des manières pour ces films de reconquérir la possibilité même de dire leur histoire.

Gilles Deleuze, dans L’Image-temps, éclaire ce mouvement à partir de l’œuvre de Pierre Perrault. Il distingue la fiction — qui prétend au vrai — de la fabulation.

« Ce qui s’oppose à la fiction, ce n’est pas le réel, ce n’est pas la vérité qui est toujours celle des maîtres ou des colonisateurs, c’est la fonction fabulatrice des pauvres, en tant qu’elle donne au faux la puissance qui en fait une mémoire, une légende, un monstre. […] Ce que le cinéma doit saisir, c’est le devenir du personnage réel quand il se met lui-même à fictionner, quand il entre « en flagrant délit de légender », et contribue ainsi à l’invention de son peuple. »

Ainsi, poursuivant la pensée de Deleuze, il s’agit moins d’un cinéma de la vérité que
de la vérité du cinéma. C’est exactement ce que mettent en œuvre Les Filles d’Olfa,
Little Girl Blue et La Mère de tous les mensonges. Tous trois sont des documentaires
— souvent considérés comme le parent pauvre du cinéma en termes de production
— réalisés par des femmes, confrontées elles-mêmes à la difficulté d’obtenir des
postes de responsabilité ou de produire des films à budgets conséquents. D’où leur
présence à toutes les étapes du geste cinématographique : scénarisation,
réalisation, parfois interprétation. D’où la nécessité, aussi, de repenser les règles
pour les rendre habitables.

Ces trois œuvres témoignent d’un même élan : redonner au réel sa dimension de
création. À l’instar des premiers cinéastes qui, en découvrant un nouvel outil, ont dû
en inventer la langue, ces réalisatrices minoritaires réactivent aujourd’hui une
dynamique fondatrice : un alphabet qui redonne au réel la puissance de naître. Ainsi,
elles transforment le témoignage en invention, la douleur en geste, le souvenir en
mise en scène. En cela, elles inventent une langue commune — une maïeutique
cinématographique, où le cinéma ne représente plus la vie mais l’aide à naître à
nouveau. Voilà une libération de nos imaginaires, afin de ne plus considérer l’histoire
comme un fardeau, mais comme matière à création, et les blessures non comme
des souffrances, mais comme le meilleur appui d’une émancipation.

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En vérité, Cannes avait déjà accueilli lors des années précédentes post-confinement les plus grands noms possibles à l’heure actuelle : Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Paul Schrader, Marco Bellochio, Nanni Moretti, David Cronenberg, George Miller, Ken Loach, Wim Wenders. Cette année, après avoir visionné 2909 films (record absolu du nombre de films candidats à la compétition), il fallait changer de braquet et renoncer en partie à cette politique des signatures, celle que les journalistes déplorent en la qualifiant de régime de faveur accordé aux « habitués ». Frémaux et son équipe se sont sans doute aperçus cette année que les meilleurs films n’étaient plus signés par les plus grands noms, ce qui était déjà le cas depuis un moment. Qui aurait parié en effet sur Justine Triet en 2023 ou Sean Baker en 2024? Mais cette fois-ci, il n’était plus question pour Frémaux de planter un arbre gigantesque, style Coppola, pour cacher la forêt verdoyante de nouveaux talents. C’est donc sinon une politique de nouveaux auteurs, une politique des films, quels qu’en soient les auteurs, qui se trouve mise en avant.

Dans cette compétition, hormis les frères Dardenne qui font figure de vétérans, alors qu’ils n’ont que 25 ans d’ancienneté en Sélection Officielle, les plus âgés sont Mario Martone (65 ans), Jafar Panahi (64) et Richard Linklater (64) qui, sans leur faire injure, ne sont pas les cinéastes les plus identifiés par le grand public, pour employer un euphémisme. Derrière Sergei Loznitsa, Kelly Reichardt et Dominik Moll, se situant autour des 60 ans, on tombe sur des cinéastes de 55 ans dans la fleur de l’âge, Wes Anderson, Lynne Ramsay et Kleber Mendonça Filho. Par conséquent, tout le reste, soit la moitié de la sélection se trouve entre 35 et 55 ans, le plus jeune étant Saeed Roustaee.

Dans cette sélection, apparaissent donc en première ligne pour représenter leur pays, en l’absence des têtes de pont habituelles (Moretti, Bellochio, Kore-eda, Kawase), des cinéastes qu’on n’attendait pas forcément à pareille fête, Mario Martone ou Chie Hayakawa. L’effet est trop manifeste pour ne pas être totalement volontaire. Cette année, un tiers des entrants sur les 21 films de la compétition, connaissent ainsi leur première sélection. Si Iris Knobloch, la présidente du Festival de Cannes, voulait obtenir confirmation que Cannes sert prioritairement à révéler de jeunes talents, Frémaux lui a par avance donné raison, en mettant clairement cette édition du Festival sous le signe du renouvellement.

De même, Iris Knobloch, en tant que femme, est particulièrement attentive à la part des femmes réalisatrices dans la Sélection Officielle. Comme les femmes représentent 32% des 2 909 films visionnés (versus 68% pour les hommes), il ne saurait être question que la compétition ne reflète pas cet état de fait. C’est chose faite : avec 7 femmes réalisatrices, la compétition retrouve l’étiage de 2023, après une baisse significative en 2024 (4 femmes seulement retenues), ce qui représente exactement un tiers du nombre total des films (21).

Dans les thématiques traitées, Iris Knobloch souhaitait également que cette édition reflète l’ouverture et la diversité du monde, offrant une terre de lumière et d’accueil, voire d’asile aux cinéastes. C’est bien le cas. Les thématiques se divisent environ en quatre groupes approximativement équilibrés, certains étant néanmoins plus prépondérants que d’autres.

Dans le premier groupe, on retrouve ce qu’il est convenu d’appeler une réflexion sur un monde à la dérive, présentant des personnes de classe moyenne ou parfois marginales, voire déclassées (Sirat d’Oliver Laxe, Un simple accident de Jafar Panahi, Les Aigles de la République de Tarik Saleh). La description de communautés plus ou moins fracturées appelle à l’évidence un commentaire social et aussi politique, du moins de manière sous-jacente. Le retour dans le passé (les purges staliniennes de Deux procureurs de Sergei Loznitsa) permet un éclairage assez cruel sur le présent (la réalité actuelle de la Russie).

Dans le deuxième groupe, figurent ce qu’on pourrait qualifier de descriptions d’artistes au travail ou dans leur existence, qu’ils soient écrivains ou cinéastes, fictifs ou réels (Fuori de Mario Martone sur l’écrivaine Goliarda Sapienza, Nouvelle Vague de Richard Linklater sur le tournage mythique d’A bout de souffle de Jean-Luc Godard, l’un des films qui firent basculer le cinéma dans la modernité depuis 1960, Valeur sentimentale de Joachim Trier, sur un cinéaste fictif qui connut par le passé son heure de gloire, avec Renate Reinsve et Elle Fanning).

Le troisième groupe, rejoignant les préoccupations d’Iris Knobloch sur la place des femmes dans la société, rassemble tous les films qui traitent de la condition féminine, un groupe qu’on pourrait intituler Fille, femme, mère. C’est à l’évidence le groupe le plus prolifique de films, contenant les oeuvres écrites et réalisées par des femmes, avec un point de vue féminin, voire féministe, (La Petite dernière de Hafsia Herzi, Renoir de Chie Hayagawa, Die, my love de Lynne Ramsay, Sound of falling de Mascha Schilinski, Romería de Carla Simón) mais aussi les films réalisés par des hommes, plaçant au centre de l’équation le prisme féminin (Jeunes mères des frères Dardenne, Woman and child de Saeed Roustaee). Il faut remarquer que la maternité se trouve souvent questionnée et parfois malmenée (Die, my love, par exemple, sur le syndrome de dépression post-natale). Si l’on rajoute les films des autres sections de la Sélection Officielle, mis en scène par des actrices (Scarlett Johansson, Kristen Stewart, Joséphine Japy, Romane Bohringer), voire le film de Sébastien Lelio sur les féministes chiliennes, La Hola, force est de constater que cette année, le regard féminin sera à nouveau au centre du Festival de Cannes.

Enfin, le quatrième groupe concerne les films de genre. Le tabou est définitivement levé depuis la projection extrêmement marquante de The Substance (et la Palme de Titane). Le genre a définitivement acquis ses lettres de noblesse au Festival. Cette dénomination polysémique peut recouvrir plusieurs catégories de films : le thriller-film policier, plus ou moins hérité des grandes heures des années 70 (Agent secret de Kleber Mendonça Filho, Dossier 137 de Dominik Moll, The Mastermind de Kelly Reichardt), le western (Eddington d’Ari Aster, avec Joaquin Phoenix et Emma Stone, trouvant des échos de l’Amérique d’aujourd’hui dans une campagne d’élection municipale), le film fantastique ou d’horreur (Alpha de Julia Ducournau, avec Golshifiteh Farahani et Tahar Rahim, poursuivant sans crainte dans la voie d’un cinéma mutant) et enfin le film d’espionnage (The Phoenician Scheme de Wes Anderson, mais le film andersonien ne serait-il pas un genre à lui tout seul, avec ses règles et ses figures de style extrêmement spécifiques?) Evidemment, les frontières sont poreuses entre les différents groupes : par exemple, Eddington est à la fois un film de genre et un commentaire sur l’Amérique allant à la dérive ; Jeunes mères est en même temps un film sur la sororité féminine et une description assez clinique d’un monde en voie de désindustrialisation et en proie à la précarité sociale.

Cette synthèse, bien que sommaire, donne ainsi un rapide aperçu de l’éventail des thèmes diversifiés parcourus par les films de la compétition. Mais l’essentiel réside surtout dans la confiance accordée par Frémaux et son équipe à de talents jeunes ou peu connus, une confiance qui inspire une foi grandissante en l’avenir, dont beaucoup de politiques feraient bien de s’inspirer. Il faut espérer qu’ils ne se soient pas trompés sur le talent des cinéastes retenus. Nous serons là pour en juger. Mais en tout cas, le pari lancé par Frémaux est beau, mérite d’être souligné et apprécié à sa juste valeur : 2025, année cannoise des découvertes et du renouvellement.

Compétition

Film d’ouverture

PARTIR UN JOUR de Amélie BONNIN | 1er film – Hors Compétition

THE PHOENICIAN SCHEME de Wes ANDERSON

EDDINGTON de Ari ASTER

JEUNES MÈRES de Jean-Pierre et Luc DARDENNE

ALPHA de Julia DUCOURNAU

RENOIR de HAYAKAWA Chie

THE HISTORY OF SOUND de Oliver HERMANUS

LA PETITE DERNIÈRE de Hafsia HERZI

SIRAT de Oliver LAXE

NOUVELLE VAGUE de Richard LINKLATER

DEUX PROCUREURS de Sergei LOZNITSA

FUORI de Mario MARTONE

O AGENTE SECRETO de Kleber MENDONÇA FILHO
(L’AGENT SECRET)

DOSSIER 137 de Dominik MOLL

UN SIMPLE ACCIDENT de Jafar PANAHI

DIE MY LOVE de Lynne RAMSAY

THE MASTERMIND de Kelly REICHARDT

WOMAN AND CHILD de Saeed ROUSTAEE

LES AIGLES DE LA RÉPUBLIQUE de Tarik SALEH

SOUND OF FALLING de Mascha SCHILINSKI

ROMERÍA de Carla SIMÓN

SENTIMENTAL VALUE de Joachim TRIER

Un Certain Regard

LOVE ME TENDER de Anna CAZENAVE CAMBET

LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO de Diego CÉSPEDES | 1er film
(THE MYSTERIOUS GAZE OF THE FLAMINGO)

MÉTÉORS de Hubert CHARUEL

MY FATHER’S SHADOW de Akinola DAVIES JR | 1er film

L’INCONNU DE LA GRANDE ARCHE de Stéphane DEMOUSTIER

URCHIN de Harris DICKINSON | 1er film

HOMEBOUND de Neeraj GHAYWAN

A PALE VIEW OF HILLS de ISHIKAWA Kei

ELEANOR THE GREAT de Scarlett JOHANSSON | 1er film

KARAVAN de Zuzana KIRCHNEROVA | 1er film

PILLION de Harry LIGHTON | 1er film

UN POETA de Simón MESA SOTO

AISHA CAN’T FLY AWAY de Morad MOSTAFA | 1er film

ONCE UPON A TIME IN GAZA de Arab et Tarzan NASSER

O RISO E A FACA de Pedro PINHO
(I ONLY REST IN THE STORM)

THE PLAGUE de Charlie POLINGER | 1er film

PROMIS LE CIEL de Erige SEHIRI

LE CITTÀ DI PIANURA de Francesco SOSSAI
(UN DERNIER POUR LA ROUTE)

THE CHRONOLOGY OF WATER de Kristen STEWART | 1er film

TESTA O CROCE? de Matteo ZOPPIS, Alessio RIGO DE RIGHI
(HEADS OR TAILS?)

Hors Compétition

LA VENUE DE L’AVENIR de Cédric KLAPISCH

LA FEMME LA PLUS RICHE DU MONDE de Thierry KLIFA

HIGHEST 2 LOWEST de Spike LEE

MISSION: IMPOSSIBLE – THE FINAL RECKONING de Christopher MCQUARRIE

VIE PRIVÉE de Rebecca ZLOTOWSKI

Séances de minuit

LE ROI SOLEIL de Vincent Maël CARDONA

HONEY DON’T de Ethan COEN

DALLOWAY de Yann GOZLAN

EXIT 8 de KAWAMURA Genki

SONS OF THE NEON NIGHT de MAK Juno

Cannes Première

AMRUM de Fatih AKIN

SPLITSVILLE de Michael Angelo COVINO

MAGALHÃES de Lav DIAZ

LOVE ON TRIAL de Kōji FUKADA

LA OLA de Sebastián LELIO
(LA VAGUE)

CONNEMARA de Alex LUTZ

ÁSTIN SEM EFTIR ER de Hlynur PÁLMASON

ORWELL : 2+2=5 de Raoul PECK

DAS VERSCHWINDEN DES JOSEF MENGELE de Kirill SEREBRENNIKOV
(LA DISPARITION DE JOSEF MENGELE)

Séances Spéciales

ARCO de Ugo BIENVENU | 1er film

DITES-LUI QUE JE L’AIME de Romane BOHRINGER

MARCEL ET MONSIEUR PAGNOL de Sylvain CHOMET

BONO: STORIES OF SURRENDER de Andrew Dominik

QUI BRILLE AU COMBAT de Joséphine JAPY | 1er film

MAMA de Or SINAI | 1er film

AMÉLIE ET LA MÉTAPHYSIQUE DES TUBES de Maïlys VALLADE et Liane-Cho HAN | 1er film

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Cette année, contrairement à l’année dernière qui bénéficiait d’un favori évident, Oppenheimer de Christopher Nolan, au moins cinq films sur les dix nommés pouvaient prétendre à la récompense suprême, l’Oscar du meilleur film : Emilia Pérez, The Brutalist, Conclave, Anora, Un Parfait inconnu. Chaque semaine ou presque, depuis l’ouverture de la période pré-Oscars, via la cérémonie des Golden Globes, un film différent prenait la tête de la course, en tant que nouveau favori potentiel. Nous vécûmes la polémique désormais fameuse sur les tweets de Karla Sofía Gascón, – prétexte de blagues ne prêtant guère à conséquences de Conan O’Brian, l’animateur de la soirée des Oscars -, celle sur l’utilisation de l’IA pour perfectionner l’accent hongrois des acteurs de The Brutalist, etc. Finalement, suite à la chute inéluctable d’Emilia Pérez, le duel entre les trois favoris tourna court assez rapidement, dès qu’Anora s’empara de l’Oscar du scénario original. Conclave, le souffle aussi court que celui du Pape François, abandonna la course dès l’obtention de l’Oscar de la meilleure adaptation, laissant The Brutalist jouer le rôle du seul challenger d’Anora. Pourtant le film de Brady Corbet, en dépit de ses trois récompenses (meilleure photographie, meilleure musique, meilleur acteur), ne fut jamais en position de menacer l’hégémonie d’Anora.

Le film de Sean Baker réussit ainsi une performance rare, remporter à la fois la Palme d’or et l’Oscar du meilleur film, ce qui n’a été accompli que trois fois auparavant par les films suivants, Le Poison de Billy Wilder (mais le Grand Prix, ancien nom de la Palme d’or, a été décerné en 1946 à 11 films), Marty de Delbert Mann (film très anodin ayant mal vieilli) et surtout Parasite de Bong Joon-ho en 2020. Depuis 2020, on assiste donc à un rapprochement de plus en plus évident entre Cannes et Hollywood, l’accueil des films à Cannes pavant une voie royale pour de possibles Oscars. Sean Baker accomplit surtout une prouesse exceptionnelle, en véritable homme-orchestre du cinéma, en remportant quatre Oscars à lui tout seul, comme scénariste, monteur, réalisateur et producteur. Sur 6 nominations, Anora en a transformé 5, le contraire absolu d’Emilia Perez (de 13 nominations à 2 prix) ou The Brutalist (de 10 nominations à 3 prix), manière de montrer de façon lapidaire que le nombre de nominations n’est pas forcément significatif.

Malgré les 4 Oscars glanés par la représentation française (2 pour Emilia Pérez, 1 pour The Substance pour ses coiffures et maquillages, 1 pour Flow, coproduction française, Oscar du meilleur film d’animation), la moisson s’avère bien moins prometteuse que prévu. Emilia Pérez, plombé par les tweets de Karla Sofía Gascón, une diffusion limitée aux Etats-Unis sur la plateforme Netflix, et une polémique supplémentaire sur la représentation soi-disant caricaturale du Mexique, sauve l’honneur avec deux récompenses (meilleur second rôle féminin pour Zoe Saldaña et meilleure chanson). Aurait-il fait beaucoup mieux sans ce qui, objectivement, jouait contre son succès? On ne le saura jamais. Seule Camille semble avoir mis du baume au coeur de tous les supporters du film, en entonnant un joyeux « oouh oouh« , clin d’oeil à Sympathy for the Devil des Rolling Stones, en se voyant remettre le prix de la meilleure chanson par un Mick Jagger toujours fringant, en dépit de ses 80 ans, Elle poursuivit en chantant a capella un mélancolique et vibrant « Emilia, Emilia« , qui émut sans nul doute les admirateurs du film.

Les principales surprises concernent malheureusement d’un côté l’Oscar du meilleur film international, échappant à Emilia Pérez et célébrant le beau et émouvant film brésilien, Je suis toujours là, de Walter Salles ; et surtout de l’autre, The Substance : Coralie Fargeat passe ainsi à côté de l’Oscar du scénario original qui couronne Anora et plus étonnant encore, pour l’Oscar de la meilleure actrice, Demi Moore, la grande favorite, se voit supplanter dans une sorte de remake live de The Substance par Mikey Madison, sa rivale plus jeune d’une quarantaine d’années. Les Oscars se sont montrés décidément bien cruels en faisant ainsi confirmer par la vie le message du film sur le jeunisme imposé. Pourtant, si l’on considère les lauréates des quinze dernières années, une dizaine relève davantage de l’âge mûr (Cate Blanchett, Michelle Yeoh, Frances McDormand, Jessica Chastain, Sandra Bullock, Renee Zellweger, Meryl Streep, Julianne Moore, Olivia Colman) que des jeunes pousses (Jennifer Lawrence, Brie Larson, Emma Stone). Demi Moore a en fait surtout manqué de chance en tombant sur l’année où Anora était porté par une vague irrésistible. Faisant contre mauvaise fortune bon coeur, elle n’a pas cillé, continuant à applaudir vaillamment, et n’a pas souhaité afficher sa déception qui devait être pourtant immense. On espère qu’elle s’en remettra.

Si l’on s’intéresse aux méandres du destin, l’on constatera que la déroute d’Emilia Pérez a empêché pour la 22ème année consécutive la France de remporter l’Oscar du meilleur film international. Tous les signaux étaient pourtant au vert mais la malédiction du signe indien qui frappe la France n’a pas été vaincue. De plus, Fernanda Torres, l’actrice remarquable de Je suis toujours là, a été nommée 27 ans plus tard dans la même catégorie, celle de la meilleure actrice, que sa mère, Fernanda Montenegro et comme elle, a perdu face à une jeune actrice (Mikey Madison, en lieu et place de Gwyneth Paltrow). Enfin, étrangement, Demi Moore qui a connu le plus haut pic commercial de sa carrière avec Striptease, en devenant l’actrice la mieux payée d’Hollywood, est battue cette année par une actrice interprétant, paradoxe du destin, une…strip-teaseuse.

Les préjugés ont la vie dure. On croyait l’Académie des Oscars coincée et puritaine, davantage encline à privilégier des oeuvres « respectables » comme Conclave, plutôt que des films affranchis des contraintes de la morale bien-pensante. Or en 1970, l’Académie avait déjà couronné Macadam Cowboy qui traitait de la prostitution homosexuelle. Le fait de célébrer Anora permet à Hollywood de s’aligner (définitivement?) sur le cinéma indépendant et les films à petit budget (par exemple, 6 millions de dollars pour Anora) et de prendre la défense inattendue des travailleuses du sexe. Ce n’est pas le dernier paradoxe d’une Académie toujours prête à évoluer et à se renouveler. « Longue vie au cinéma indépendant! « , comme s’est exclamé Sean Baker.

Le palmarès de la 97e édition des Oscars :

Meilleur film

Anora – Alex Coco, Samantha Quan et Sean Baker (producteurs) – VAINQUEUR

The Brutalist – Nick Gordon, Brian Young, Andrew Morrison, D.J. Gugenheim et Brady Corbet (producteurs)

Un Parfait Inconnu – Fred Berger, James Mangold et Alex Heineman (producteurs)

Conclave – Tessa Ross, Juliette Howell et Michael A. Jackman (producteurs)

Dune, deuxième partie – Mary Parent, Cale Boyter, Tanya Lapointe et Denis Villeneuve (producteurs)

Emilia Pérez – Pascal Caucheteux et Jacques Audiard (producteurs)

I’m Still Here – Maria Carlota Bruno et Rodrigo Teixeira (producteurs)

Nickel Boys – Dede Gardner, Jeremy Kleiner et Joslyn Barnes (producteurs)

The Substance – Coralie Fargeat et Tim Bevan & Eric Fellner (producteurs)

Wicked – Marc Platt (producteur)

Meilleure actrice

Mikey Madison – Anora – VAINQUEUR

Cynthia Erivo – Wicked

Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez

Demi Moore – The Substance

Fernanda Torres – I’m Still Here

Meilleur réalisateur

Sean Baker – Anora – VAINQUEUR

Brady Corbet – The Brutalist

James Mangold – Un Parfait Inconnu

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Coralie Fargeat – The Substance

Meilleur acteur

Adrien Brody – The Brutalist – VAINQUEUR

Timothée Chalamet – Un Parfait Inconnu

Colman Domingo – Sing Sing

Ralph Fiennes – Conclave

Sebastian Stan – The Apprentice

Meilleure musique de film

The Brutalist – Daniel Blumberg – VAINQUEUR

Emilia Pérez – Clément Ducol et Camille

Conclave – Volker Bertelmann

Wicked – John Powell et Stephen Schwartz

Le Robot Sauvage – Kris Bowers

Meilleur film international

I’m Still Here – Brésil – VAINQUEUR

La Jeune Femme à l’aiguille – Danemark

Emilia Pérez – France

Les Graines du figuier sauvage – Iran

Flow – Lettonie

Meilleure photographie

The Brutalist – Lol Crawley – VAINQUEUR

Dune, deuxième partie – Greig Fraser

Emilia Pérez – Paul Guilhaume

Maria – Ed Lachman

Nosferatu – Jarin Blaschke

Meilleur court métrage (prises de vues réelles)

I’m Not A Robot – Victoria Warmerdam et Trent – VAINQUEUR

A Lien – Sam Cutler-Kreutz et David Cutler-Kreutz

Anuja – Adam J. Graves et Suchitra Mattai

The Last Ranger – Cindy Lee et Darwin Shaw

The Man Who Could Not Remain Silent – Nebojša Slijepčević et Danijel Pek

Meilleurs effets visuels

Dune, deuxième partie – Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe et Gerd Nefzer – VAINQUEUR

Alien : Romulus – Eric Barba, Nelson Sepulveda-Fauser, Daniel Macarin et Shane Mahan

Better Man – Luke Millar, David Clayton, Keith Herft et Peter Stubbs

La Planète des singes : Le Nouveau Royaume – Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story et Rodney Burke

Wicked – Pablo Helman, Jonathan Fawkner, David Shirk et Paul Corbould

Meilleur mixage de son

Dune, deuxième partie – Gareth John, Richard King, Ron Bartlett et Doug Hemphill – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey et David Giammarco

Emilia Pérez – Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz et Niels Barletta

Wicked – Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson et John Marquis

Le Robot sauvage – Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo et Leff Lefferts

Meilleur film documentaire

No Other Land – Basel Adra, Rachel Szor, Hamdan Ballal et Yuval Abraham VAINQUEUR

Black Box – Shiori Ito, Eric Nyari et Hanna Aqvilin

Porcelain War – Brendan Bellomo, Slava Leontyev, Aniela Sidorska et Paula DuPre’ Pesmen

Soundtrack to a Coup d’État – Johan Grimonprez, Daan Milius et Rémi Grellety

Sugarcane – Julian Brave NoiseCat, Emily Kassie et Kellen Quinn

Meilleur court métrage documentaire

The Only Girl in the Orchestra – Molly O’Brien et Lisa Remington – VAINQUEUR

Death by numbers – Kim A. Snyder et Janique L. Robillard

I am Ready, Warden – Smriti Mundhra et Maya Gnyp

Incident – Bill Morrison et Jamie Kalven

Instruments of a beating heart – Ema Ryan Yamazaki et Eric Nyari

Meilleure chanson originale

El Mal – Emilia Pérez – VAINQUEUR

The Journey – The Six Triple Eight

Like A Bird – Sing Sing

Mi Camino – Emilia Pérez

Never Too Late – Elton John : Never Too Late

Meilleurs décors

Wicked – Nathan Crowley et Lee Sandales – VAINQUEUR

The Brutalist – Judy Becker et Patricia Cuccia

Conclave – Suzie Davies et Cynthia Sleiter

Dune, deuxième partie – Patrice Vermette et Shane Vieau

Nosferatu – Craig Lathrop et Beatrice Brentnerová

Meilleure actrice dans un second rôle

Zoe Saldaña – Emilia Pérez – VAINQUEUR

Monica Barbaro – Un Parfait Inconnu

Ariana Grande – Wicked

Felicity Jones – The Brutalist

Isabella Rossellini – Conclave

Meilleur montage

Anora – Sean Baker – VAINQUEUR

The Brutalist – David Jancso

Conclave – Nick Emerson

Emilia Pérez – Juliette Welfling

Wicked – Myron Kerstein

Meilleurs maquillages et coiffures

The Substance – Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon et Marilyne Scarselli – VAINQUEUR

A Different Man – Mike Marino, David Presto et Crystal Jurado

Emila Pérez – Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier et Jean-Christophe Spadaccini

Nosferatu – David White, Traci Loader et Suzanne StokesMunton

Wicked – Frances Hannon, Laura Blount et Sarah Nuth

Meilleur scénario adapté

Conclave – Peter Straughan – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – James Mangold et Jay Cocks

Emilia Pérez – Jacques Audiard avec Thomas Bidegain, Léa Mysius et Nicolas Livecchi

Nickel Boys – RaMell Ross et Joslyn Barnes

Sing Sing – Clint Bentley et Greg Kwedar

Meilleur scénario original

Anora – Sean Baker – VAINQUEUR

The Brutalist – Brady Corbet et Mona Fastvold

A Real Pain – Jesse Eisenberg

September 5 – Moritz Binder et Tim Fehlbaum, coécrit par Alex David

The Substance – Coralie Fargeat

Meilleure création de costumes

Wicked – Paul Tazewell – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – Arianne Phillips

Conclave – Lisy Christl

Gladiator 2 – Janty Yates et Dave Crossman

Nosferatu – Linda Muir

Meilleur court métrage d’animation

In The Shadow of the Cypress – Shirin Sohani et Hossein Molayemi – VAINQUEUR

Beautiful Men – Nicolas Keppens et Brecht Van Elslande

Magic Candies – Daisuke Nishio et Takashi Washio

Wander to Wonder – Nina Gantz et Stienette Bosklopper

Beurk ! – Loïc Espuche et Juliette Marquet

Meilleur film d’animation

Flow – Gints Zilbalodis, Matīss Kaža, Ron Dyens et Gregory Zalcman – VAINQUEUR

Vice-versa 2 – Kelsey Mann et Mark Nielsen

Mémoires d’un escargot – Adam Elliot et Liz Kearney

Wallace et Gromit : La palme de la vengeance – Nick Park, Merlin Crossingham et Richard Beek

Le Robot Sauvage – Chris Sanders et Jeff Hermann

Meilleur acteur dans un second rôle

Kieran Culkin – A Real Pain – VAINQUEUR

Yura Borisov – Anora

Edward Norton – Un Parfait Inconnu

Guy Pearce – The Brutalist

Jeremy Strong – The Apprentice

L’article Oscars 2025 : analyse et décryptage. L’art et la vie est apparu en premier sur MovieRama.

La bonne idée fut déjà de commencer tôt, avec un quart d’heure d’avance sur l’horaire habituel. En entrant à travers le public de l’Olympia, Jean-Pascal Zadi donna le ton convivial, humoristique et néanmoins engagé de la soirée, stigmatisant du côté de l’équipe d’Emilia Pérez qui collectionnait le meilleur en tout, « les meilleurs tweets » de Karla Sofía Gascón ou saluant Catherine Deneuve en affirmant que si on l’élisait présidente, le monde irait certainement beaucoup mieux. Deneuve, royale, telle la regrettée Elisabeth II, n’était pas en reste en dédiant cette soirée à l’Ukraine. Le ton était donné, le cinéma ne comptait pas oublier les fracas du monde mais allait bien plutôt les refléter.

L’ensemble des prix allait ainsi dans ce sens : à commencer par Abou Sangaré qui, en recevant son César de la meilleure révélation masculine, pour L’Histoire de Souleymane, a remercié le cinéma et la France pour lui avoir redonné sa dignité d’être humain. Deux films allaient d’ailleurs dominer largement la cérémonie, sur fond de sujets sociétaux : Emilia Pérez (la transsexualité, la différence, le genre) et L’Histoire de Souleymane (les sans-papiers et leur exploitation injuste). Les autres films allaient hériter de la part congrue : les blockbusters Le Comte de Monte-Cristo (meilleurs costumes et décors) et L’Amour ouf (meilleur second rôle pour Alain Chabat). Certains autres sont repartis tout simplement bredouille, En Fanfare et Miséricorde (le grand favori de la critique). Le film de Boris Lojkine alla même si loin dans sa récolte de récompenses, quatre César dont ceux du meilleur montage, du meilleur scénario original et du meilleur second rôle féminin pour la formidable Nina Meurisse, inoubliable en enquêtrice de l’OFPRA, que l’on crut un instant qu’il allait pouvoir souffler sur le fil la victoire finale. Mais l’élan du film se brisa face aux durs pépins de la réalité, comme Souleymane confessant sa véritable histoire à l’enquêtrice, à partir de la remise du César de la meilleure photographie. A partir de là, Jacques Audiard n’avait plus qu’à dérouler pour remporter, après celui de la meilleure adaptation, devant les scénaristes du Comte de Monte-Cristo, les César les plus importants (meilleure réalisation et film) et devenir le détenteur du record du plus grand nombre de César (13) depuis l’invention de la cérémonie. Il efface ainsi définitivement des tablettes un certain Roman Polanski qui en était resté à dix. Emilia Pérez, en dépit des polémiques, affiche finalement un total de 7 César, après sa moisson aux European Film Awards et aux Golden Globes, paraissant réenclencher sa marche triomphale.

La gravité était pourtant de mise ce soir, comme en témoigne le discours lu de Jonathan Glazer, victorieux dans la catégorie du meilleur film étranger avec La Zone d’intérêt, discours qu’il est important de citer en intégralité : « Le fait que tant de personnes soient venues voir le film est extraordinaire. Le fait qu’il soit autant d’actualité est alarmant.  Aujourd’hui la Shoah et la sécurité juive sont utilisées pour justifier les massacres et les nettoyages ethniques à Gaza. Les massacres du 7 octobre et la prise d’otages en Israël – il s’agit dans un cas comme dans l’autre d’actes de terreur contre des innocents  – ont été rendus possibles par la déshumanisation des personnes qui se trouvent de l’autre côté de nos murs. C’est la zone d’intérêt », Le témoignage engagé de Costa-Gavras, César d’honneur, bien plus à l’aise qu’aux côtés de Bonnaud et Rauger, sur sa réalité de cinéaste immigré et les migrants, était du même ressort. Les fracas et la violence du monde s’invitaient à la table des César et rendaient extrêmement humbles.

Pourtant il y eut des moments authentiques de légèreté : les remerciements lunaires d’Alain Chabat, le triomphe dans les catégories du meilleur premier film et de la meilleure révélation féminine de Vingt Dieux, l’épatant film de Louise Courvoisier, Camille perdant ses escarpins sur la scène des César, le fantastique numéro de Franck Dubosc, vainqueur dans la catégorie de ceux qui n’ont jamais gagné un seul César, faisant éclater de rire Julia Roberts, cette même Julia remerciant Catherine Deneuve d’exister et d’avoir rendu le monde meilleur, Justine Triet rendant un bel hommage ressenti à l’infiniment regretté David Lynch, l’éloge de la gentillesse par un Karim Leklou tout chamboulé d’avoir reçu le César du meilleur acteur pour Le Roman de Jim, ou encore le ravissement contenu de Hafsia Herzi, l’une de nos comédiennes préférées, devant son César très mérité de la meilleure actrice (Borgo).

Tout cela était bien résumé par l’exhortation de Vincent Macaigne à crier et applaudir pour apporter un peu de légèreté à ce monde déchiré, une insoutenable légèreté qui constitue toute la noblesse infinie des artistes, petits ou grands.

Palmarès :

Meilleur film : Emilia Pérez de Jacques Audiard

Meilleure actrice : Hafsia Herzi (Borgo)

Meilleur acteur : Karim Leklou (Le Roman de Jim)

Meilleure réalisation : Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Meilleure actrice dans un second rôle : Nina Meurisse (L’Histoire de Souleymane) 

Meilleur acteur dans un second rôle : Alain Chabat (L’Amour ouf) 

Meilleure révélation féminine : Maïwene Barthèlemy (Vingt Dieux)

Meilleure révélation masculine : Abou Sangaré (L’Histoire de Souleymane)

Meilleur premier film : Vingt Dieux, de Louise Courvoisier 

Meilleur film étranger : La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Meilleur montage : Xavier Sirven (L’Histoire de Souleymane) 

Meilleure photographie : Paul Guilhaume (Emilia Pérez)

Meilleur scénario original : Boris Lojkine et Delphine Agut (L’Histoire de Souleymane)

Meilleure adaptation : Jacques Audiard (Emilia Pérez) 

Meilleure musique originale : Clément Ducol et Camille (Emilia Pérez)

Meilleur son : Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Cyril Holtz et Niels Barletta (Emilia Pérez)

Meilleurs costumes : Thierry Delettre (Le Comte de Monte-Cristo) 

Meilleurs décors : Stéphane Taillasson (Le Comte de Monte-Cristo)

Meilleurs effets visuels : Cédric Fayolle (Emilia Pérez) 

Meilleur film de court métrage d’animation : Beurk !, de Loïc Espuche

Meilleur film de court métrage documentaire : Les Fiancées du Sud, d’Elena Lopez Riera

Meilleur film de court métrage de fiction : L’homme qui ne se taisait pas, de Nebojša Slijepčević 

Meilleur film d’animation : Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau, de Gints Zilbalodis

Meilleur film documentaire : La Ferme des Bertrand, de Gilles Perret

L’article César 2025 : analyse et décryptage. Le cinéma, reflet et antidote du fracas du monde est apparu en premier sur MovieRama.

Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

TOP GENERAL FILMS 2024

1. The Substance de Coralie Fargeat, 30 points.
2. Anora de Sean Baker, 24 points.
3. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer, 22 points
4. Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof, 21 points.
5. Le Mal n’existe pas de Ryusuke Hamaguchi, 20 points.
6. Los Delincuentes de Rodrigo Moreno, 15 points.
7. L’Histoire de Souleymane de Boris Lojkine, 14 points.
8. In water de Hong Sang-soo, 13 points.

9. Ex aequo All we imagine as light de Payal Kapadia, 12 points.
Flow de Gints Zilbalodis, Furiosa : une Saga Mad Max de George Miller, Jeunesse (Le Printemps) de Wang Bing, Miséricorde d’Alain Guiraudie, Pauvres créatures de Yorgos Lanthimos

15. Dahomey de Mati Diop, 11 points

• XAVIER AFFRE

1. Le Mal n’existe pas (Ryūsuke Hamaguchi)

Le plus beau film de l’année, sublimement mis en scène. A la fois fable écologiste, thriller psychologique et métaphysique déroutant. La plus belle expérience au cinéma en 2024.

2. All We Imagine as Light (Payal Kapadia)

L’un des plus beaux films de la compétition cannoise cette année. Un long métrage fascinant, hypnotique et sensoriel suivant le chemin de 3 femmes en quête d’émancipation. Bouleversant.

3. La Bête (Bertrand Bonello)

Bertrand Bonello confirme son statut de cinéaste français passionnant et exigeant avec ce long métrage expérimental, sous le patronage de David Lynch, et explore l’amour ainsi que la fin de l’humanité.

4. Miséricorde (Alain Guiraudie)

Un conte noir, mêlant tragédie et burlesque, légèreté et gravité, humour et mélancolie, désirs et mystères. Cinéaste qui occupe une place à part dans le paysage cinématographique français.

5. Los Delincuentes (Rodrigo Moreno)

La proposition la plus excitante de l’année. Une œuvre qui commence comme un polar avant de se transformer en fable philosophique sur la liberté.  

6. May December (Todd Haynes)

Une œuvre magistrale. La relation ambiguë et vénéneuse entre 2 femmes prend la forme d’une satire de la bourgeoisie américaine grinçante et glaçante.

7. Dahomey (Mati Diop)

Un documentaire politique et poétique essentiel, à la lisière du fantastique qui questionne la place de l’art et surtout les méfaits de la colonisation. Puissant et remarquable.

8. Septembre sans attendre (Jonás Trueba)

Une comédie de séparation (ou de remariage) finement ciselée, il y a du Rohmer et du Allen (en grande forme) dans ce film qui finit par être bouleversant.

9. Jeunesse (Le Printemps) (Wang Bing)

Observation de la jeunesse chinoise au travail dans les ateliers de textile par l’un des plus grands documentaristes actuels. Wang Bing y réussit à capter de la plus belle des manières le souffle de la vie.

10. Grand Tour (Miguel Gomes)

Autre grand film cannois de cette année. Un voyage fantasmagorique (et exigeant) en Asie d’une beauté époustouflante. Il confirme le talent et la singularité de Miguel Gomes.

Mentions spéciales :

• In Water (Hong Sangsoo), parce que nouveau long métrage du génial cinéaste coréen…
• Les Graines du figuier sauvage (M. Rasoulof), « mal » récompensé à Cannes ; la forme et le fond réunis dans un grand film
• Ma vie Ma gueule (Sophie Fillières), dernier long métrage de la cinéaste, grand rôle pour Agnès Jaoui, film bouleversant…
• La Zone d’intérêt (Jonathan Glazer), film glaçant sur la banalité du mal, un geste fort et radical…
• Juré n°2 (Clint Eastwood), parce que « Papy fait de la résistance » à 94 ans…
• Le cinéma corse : Le Royaume, A son image, Eat the Night – grande année pour le 7^e art insulaire, puissant et maitrisé…

• KEVIN CORBEL

Une belle année cinématographique qui reste tout de même en dessous des pépites de 2023 (Anatomie d’une chute, Les Feuilles mortes, Babylon ou encore L’Innocence), mais qui a le mérite de proposer un catalogue de longs métrages de qualité, que ce soit chez les films d’auteur, les blockbusters ou même du côté du cinéma documentaire. On peut retenir de mon classement une certaine appétence pour le cinéma politique, surtout concernant les films du podium. Lier cinéma et politique n’est pas nouveau mais semble être particulièrement de mise en 2024, année ô combien politique pour l’Occident. Nul doute que les problématiques diverses qui traversent nos sociétés sauront se diffuser dans l’imaginaire de nos cinéastes préférés pour que les années qui suivent reflètent aussi les tensions, luttes et espoirs d’une époque.

1 – À son image, de Thierry de Peretti

2 – Les Graines du figuier sauvage, de Mohammad Rasoulof

3 – Riverboom, de Claude Baechtold

4 – Challengers, de Luca Guadagnino

5 – La Vie de ma mère, de Julien Carpentier

6 – Anora, de Sean Baker

7 – Furiosa, de George Miller

8 – Civil War, d’Alex Garland

9 – Dune: Deuxième partie, de Denis Villeneuve

10 – La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Mentions honorables :

– Vampire humaniste recherche suicidaire consentant, d’Ariane Louis-Seize

– May December, de Todd Haynes

• QUENTIN ELUAU

Pour moi, 2024 fut une année mitigée pour le cinéma. Plusieurs films vus mais est-ce qu’ils méritent une place ici ? Je retiens tout de même quelques visionnages qui m’ont accroché du début à la fin (The Substance, Furiosa ou Dune : 2ème partie), ou encore ceux qui me reviennent à l’esprit au moment de rédiger ces lignes. Espérons que 2025 soit plus riche encore en découvertes et films marquants. J’attends avec impatience : Mickey 17, 28 ans plus tard ou encore Un parfait inconnu pour n’en citer que quelques uns.

1) The Substance de Coralie Fargeat

2) Furiosa : une saga Mad Max de George Miller

3) Le Comte de Monte-Cristo de Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière

4) Dune : 2ème Partie de Denis Villeneuve

5) Smile 2 de Parker Finn

6) L’amour Ouf de Gilles Lellouche

7) Le robot sauvage de Chris Sanders

8) Les pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse

9) Longlegs de Osgood Perkins

10) La nuit se traîne de Michiel Blanchart

Mentions : Un p’tit truc en plus, Deadpool et Wolverine, Here et Conclave.

• SEBASTIEN LAMOTHE

La réalité de notre civilisation occidentale capitaliste mondialisée est celle d’une domination des classes possédantes sur les plus pauvres, les damnés de la Terre, les opprimés, les morts de faim, les plus pauvres et tous ceux qui n’obéissent pas à la morale dominante qui les écrase. Honneur donc au cinéma de combat, de la résistance à l’autorité, au cinéma de la révolte –comme Jean-Baptiste Thoret le disait de Koji Wakamatsu – qui nous décrit la lutte des individus pour échapper à leur condition, qu’il s’agisse de l’immigré en quête d’un pays où il pourra échapper à sa condition misérable et vivre (L’histoire de Souleymane, Moi capitaine), de femmes courageuses luttant contre un régime théocratique autoritaire (Les graines du figuier sauvage, Tatami) – on constate que les femmes sont au premier rang de la lutte au Moyen Orient, peut-être parce qu’elles sont plus que quiconque oppressées par le régime en place – d’autres femmes faisant face à l’atavisme archaïque du mariage forcé (All we imagine as light), d’un jeune homme affrontant le régime violent et corrompu de l’armée (Heroico), ou d’un adolescent cherchant à échapper au déterminisme social dont il est victime en traçant son chemin personnel dans la vie (Leurs enfants après eux). Et vive la Révolution!

1. L’Histoire de Souleymane de Boris Lojkine (France)
2. Heroico de David Zonana (Mexique)
3. Les graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof (Iran)
4. Moi capitaine de Matteo Garrone (Italie)
5. Leurs enfants après eux de Ludovic et Zoran Boukherma (France)
6. Anora de Sean Baker (Etats-Unis)
7. Tatami de Zar Amir Ebrahimi (Géorgie)
8. All we imagine as light de Payal Kapadia (Inde)
9. Emilia Pérez de Jacques Audiard (France)
10. Memory de Michel Franco (Mexique)

• PIERRE LARVOL

1. The Substance de Coralie Fargeat
2. Flow de Gints Zilbalodis
3. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer
4. Dahomey de Mati Diop
5. Le Roman de Jim des frères Larrieu
6. In Water de Hong Sang-soo
7. La Plus précieuse des marchandises de Michel Hazanavicius
8. Juré n° 2 de Clint Eastwood
9. Riddle of fire de Weston Razooli
10. Leni Riefenstahl, la lumière et les ombres d’Andres Veiel

Mentions spéciales :

• Les Pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse
• Alien : Romulus de Fede Alvarez
• Smile 2 de Parker Finn
• Le Robot Sauvage de Chris Sanders

• POULET POU

1. Jeunesse (Le Printemps), de Wang Bing

Drague et jeux, amitiés et amours, chamailleries et blagues éclairent et humanisent le quotidien harassant — et donnent peut-être aux héroïnes et héros le surcroît d’énergie pour négocier âprement un salaire un (tout petit) peu meilleur, avant de rentrer enfin à la maison.

2. Walk up, de Hong Sang-soo

Walk Up est davantage centré sur les personnages d’âge mûr — celui où les conflits sont gommés, car on est passé maître dans l’art du compromis, mais aussi celui où on a abandonné pour de l’argent une part de ses idéaux, où on se fatigue plus vite, et où on se demande si on ne préférerait pas être seul et dormir.

3. In Water, de Hong Sang-soo

C’est de plus en plus beau jusqu’à la dernière image — que l’affiche reprend, du reste —, où notre héros, tel Snoopy romancier dans certains strips des Peanuts, lie les différentes parties qui semblaient n’avoir rien à voir dans un tout cohérent.

4. Une Famille, de Christine Angot

Beau film émouvant, qui parmi ses nombreuses qualités a celle de ne jamais chercher à se rendre sympathique.

5. La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Les dispositifs, c’est parfois très bien, cf. La Zone d’intérêt, film qui passe d’ailleurs son temps à aller à l’encontre des règles qu’il fait mine de s’être fixées, puisqu’on n’arrête pas de sortir de la villa des Höss, y compris pour accompagner une résistante polonaise. Je dis, très bien, du reste n’oublions pas non plus que tout cela, en plus d’être affreusement compliqué, est surtout parfaitement subjectif. Je dirais même plus, la réussite d’un dispositif ne se juge-t-elle pas à la capacité qu’il a à se faire oublier.

6. Juré n° 2, de Clint Eastwood

Eastwood goes full Fritz Lang. En tant que buñuelo-langien, votre humble serviteur ne peut que trouver ce film-de-procès-expérience-des-limites-de-la-morale super, et ne peut non plus pas résister au plaisir de vous infliger la blague, Pas besoin de voir le 1 pour kiffer. Tous les acteurs y compris le jeune premier Nicholas Hoult sont top, mention spéciale à Toni Collette dont le jeu tout en mimiques m’a beaucoup plu.

7. Le Roman de Jim, des frères Larrieu

Tout le monde — y compris la mauvaise mère Dosch — est bon, c’est-à-dire que chacun tente de faire au mieux avec ce qu’il a, les contingences, son intelligence, sa sensibilité, sa morale. J’ai déjà eu cette impression de repos agréable qu’engendre la bienveillance des personnages devant les films de Weerasethakul, ou La Féline de Tourneur, par exemple. Bienveillance et capacité à trouver les mots justes (les dialogues sont beaux), qui n’empêchent pas le drame, mais l’atténuent — sans que les émotions du spectateur s’en trouvent diminuées, au contraire.

8. Ma vie, ma gueule de Sophie Fillières

L’art a ceci de plus fort que la mort qu’il donne à ceux qui restent l’impression que le disparu leur cause encore, et pour longtemps. Certains réussissent particulièrement leur sortie, question de timing et d’image marquante, pensez Bowie David et son armoire normande là, Fillières Sophie et son ferry-boat ici.

9. Le Mal n’existe pas, de Ryusuke Hamaguchi

Le tchékhovisme du récit est emballé dans une forme harmonieuse, lumière et couleurs hivernales de la montagne japonaise, rythme pondéré, plans-séquences un peu techniques — je ne résiste pas au plaisir de m’en remémorer quelques-uns.

10. Les Graines du Figuier sauvage, de Mohammad Rasoulof

Les Graines, après un début d’apparence froidement réaliste, dans la lignée de l’édifiant Diable n’existe pas, prennent pour dénoncer l’odieux patriarcat iranien une tangente inattendue, et de plus en plus terrifico-grotesque. Le mélange fonctionne plutôt, soit sur le mode glaçant — éprouvante scène dite de l’extraction de la chevrotine —, soit sur un mode rire très jaune, à partir des cascades en bagnole de fonction, et jusqu’à la fin.

Mentions spéciales pour Miséricorde d’Alain Guiraudie et Le Deuxième acte de Quentin Dupieux.

• THOMAS POUTEAU

1 – Anora (Sean Baker) :
Par deux années consécutives, le jury du Festival de Cannes semble détenir les clés du bon goût. Anora est une explosion de vie, un diamant temporel poli par plusieurs rythmes,
une course folle qui brille dans son détail de la condition des prolétaires. Le seul film de
l’année qui m’a fait racheter trois tickets dans la même journée, et dévorer la filmographie de son réalisateur.
2 – Los Delincuentes (Rodrigo Moreno) :
L’année passée, il fallait déjà regarder de l’autre côté de l’Atlantique, pas aux Etats-Unis
mais en Argentine pour trouver une inventivité de la narration avec Trenque Lauquen. Une
nouvelle fois, avec Los Delincuentes, les limites sont franchies. C’est entraînant, lancinant,
magique. Un des plus beaux braquages de ces dernières années.
3 – Le Mal n’existe pas (Ryûsuke Hamaguchi) :
Chez Hamaguchi, il s’agit souvent de déployer des mondes. Des dizaines s’offrent à nous,
compactés seulement en une expérience, là entre les plis des hommes et de leur
environnement. Entre le ciel et la terre, des images venues d’on ne sait où.
4 – Septembre sans attendre (Jonas Trueba) :
Après les trois premiers films cités, la maîtrise du temps semble être la matrice du septième art. Ici, chez Trueba, la séparation n’est qu’une excuse pour ressusciter l’amour qui se mêle à la vie qui, eux-mêmes, se mêlent au cinéma. Tout se confond, nous aussi.
5 – Pauvres créatures (Yorgos Lanthimos) :
Le scientifique grec réitère son goût pour l’expérience en implantant un cerveau d’enfant
dans un corps d’adulte. Cette fable rappelle à bien des égards un art que cultivait l’autrice
italienne Goliarda Sapienza : l’art de la joie.
6 – Miséricorde (Alain Guiraudie) :
Guiraudie atteste une nouvelle fois son talent à croquer des dialogues et des situations
rocambolesques en mêlant un trouble, indéfini et infini avec des questions morales posées par l’Église depuis des siècles.
7 – L’histoire de Souleymane (Boris Lojkine) :
Le cinéma, c’est la fête de la matière. Ici, un corps affecté par les multiples courses répétées pour quelques pécules de monnaie. Souleymane est le dernier rouage d’un capitalisme ubérisant. Une histoire frontale, dans la jungle de Paris, qui met au jour l’hypocrisie d’une institution française qui invite au mensonge.
8 – Flow (Gints Zilbalodis) :
Entre animation et documentaire, Flow fait naviguer un chat et d’autres animaux qui se
retrouvent pris par la montée des eaux. Cette relecture du Déluge est une fable
foncièrement angoissante où le vivre-ensemble devient un impératif de survie.
9 – Memory (Michel Franco)
Certains croyaient Franco sauvé de ce qu’ils appellent son misanthropisme. Au-delà des
raccourcis gênants et imprécis que cela engendre, soulignons que Franco est toujours fidèle à lui-même et toujours aussi proche de ces âmes humaines. Une magnifique rencontre entre deux êtres cabossés par la vie, filmés avec autant de précision, pour accumuler deux troubles, deux tragédies qui mettent à nu une émotion confuse.
10 – La Bête (Bertrand Bonello)
On ne pouvait se quitter sans souligner l’un des gestes les plus dingues de cette année,
avec un monstre difforme, le nouveau long-métrage de Bertrand Bonello. Un même couple, sur trois époques différentes, une scène sous l’eau qui inonde encore l’esprit.

Mentions spéciales au cinéma corse (Le Royaume, À son image, Borgo) qui a été
l’enchantement du cinéma français de cette année – la découverte d’un grand réalisateur, la confirmation d’un autre et le travail remarquable de Stéphane Demoustier qui nous fait dire, une nouvelle fois, que Hafsia Herzi est un ravissement. Cent mille milliards, c’est bien le prix d’un film précieux de Virgil Vernier qui vaut largement cette mise. Pour terminer, une pensée à toutes ces chaudes larmes versées devant La Mémoire éternelle.

• DAVID SPERANSKI

1. The Substance de Coralie Fargeat

Parce qu’aucun film n’a autant fait bouger les lignes cette année.

2. The Outrun de Nora Fingscheidt

Parce que, en mélangeant passé, présent et avenir, on retrouve l’identité d’un être.

3. Good one de India Donaldson

Parce que, dans la nature, on est confronté à sa propre vérité.

4. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer

Parce que la conscience de bourreau est toujours difficile à assumer.

5. Pauvres créatures de Yorgos Lanthimos

Parce que, sur cette terre, voir le monde avec les yeux d’un enfant révèle son absurdité.

6. Emilia Pérez de Jacques Audiard

Parce que mélanger comédie musicale transgenre et guerre des cartels est improbable.

7. Anora de Sean Baker

Parce qu’une strip-teaseuse a droit à la dignité, à l’honneur et au respect.

8. Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof

Parce que femme, vie, liberté.

9. Grand Tour de Miguel Gomes

Parce qu’un Portugais a peut-être réalisé l’un des meilleurs films sur l’Asie.

10. Juré n° 2 de Clint Eastwood

Parce que la vérité n’est pas toujours juste.

Mentions spéciales :

Los Delincuentes de Rodrigo Moreno

Priscilla de Sofia Coppola

Apolonia, Apolonia de Léa Glob

Kinds of Kindness de Yorgos Lanthimos

Une langue universelle de Matthew Rankin

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Aujourd’hui la Trilogie Retour vers le Futur est devenue un classique et sans doute l’ensemble de films grâce auquel Robert Zemeckis restera dans l’histoire du cinéma, bien plus que pour Forrest Gump pourtant oscarisé, car cette trilogie de films n’a pas pris une ride, manifestant le même niveau d’inventivité, de cocasserie et d’hilarité jubilatoire qu’au premier jour et s’inscrivant très profondément dans l’inconscient collectif.

« Tu es en retard ! Le temps ne signifie rien pour toi ? » (Doc Brown, Retour vers le futur).

Ce qui frappe aujourd’hui, en revoyant la trilogie, au-delà de la nostalgie très forte pour les années 80, voire pour les années 50 et des éléments de fétichisme comme la DeLorean ou le skateboard de Marty McFly, c’est le côté prophétique, quasiment visionnaire de ces films, en particulier le premier et le second. Dans le premier Retour vers le Futur, Il n’est pas interdit de voir en Goldie Wilson, l’employé noir de cafétéria en 1955, devenu maire de Hill Valley trente ans plus tard, à force de travail et d’études, une préfiguration de Barack Obama qui a très certainement vu ces films et y a peut-être perçu un encouragement, alors que l’idée d’un président noir des États-Unis était inconcevable dans les années 80. Dans Retour vers le Futur II, il est impossible en voyant les tours Biff élevées dans la réalité alternative de 1985 engendrée par l’utilisation de l’almanach sportif par Biff Tannen, le grand ennemi des McFly, de ne pas y voir plus qu’une allusion directe aux tours Trump. Quand on sait que Trump est désormais l’homme le plus puissant du monde, cela fait rétrospectivement froid dans le dos. Ronald Reagan, cité nommément dans une des répliques du premier film de la trilogie, avait pressenti cette dimension politique et visionnaire et lui a dans une certaine mesure rendu hommage en citant explicitement le film dans son Discours de l’État de l’Union en 1986 : « Là où on va, il n’y a pas besoin de routes. »

Si Retour vers le Futur est un classique absolu, on passe sans doute au chef-d’œuvre avec Retour vers le Futur II qui réussit l’exploit d’être plus court, plus dense et plus virtuose.

Pourtant le chemin a été semé d’embûches pour Zemeckis et son coscénariste et producteur Bob Gale. Dans une réalité alternative, Retour vers le Futur a bien failli s’appeler L’Homme de Pluton et Marty McFly aurait pu être interprété par Eric Stoltz. Dans cette hypothèse, il aurait fini oublié parmi des tonnes de DTV et cet article n’existerait même pas. Si Gale et Zemeckis ont pu mener à bien leur projet, c’est surtout grâce à Steven Spielberg qui a pesé de tout son poids pour le maintien du titre originel et a insisté pour remplacer le réfrigérateur prévu pour le voyage dans le temps par une DeLorean infiniment plus fantasmatique.

Sur le fond, Retour vers le Futur reste indépassable, même et surtout aujourd’hui, car tout repose sur une idée géniale de Bob Gale : et si en ayant le même âge que ses parents, on faisait connaissance avec eux jeunes, pensée qui a traversé tout adolescent par rapport à ses parents. De là s’ensuit le paradoxe temporel du grand-père (un voyageur temporel se projette dans le passé et tue son grand-père avant même que ce dernier ait eu des enfants. De ce fait il n’a donc jamais pu venir au monde. Mais, dans ce cas, comment a-t-il pu effectuer son voyage et tuer son grand-père ?) : dans le premier volet, Marty empêche ses parents de se rencontrer. Doc ordonne alors à Marty, sous peine d’ailleurs qu’il n’existe plus dans cette réalité modifiée, de rétablir la situation en provoquant un flirt entre ses parents au bal.

Cette situation présente une inversion intéressante du complexe d’Œdipe : contrairement à la figure tragique grecque de Sophocle, Marty ne veut pas tuer son père et faire l’amour à sa mère, mais au contraire promouvoir son père, George McFly, et repousser les avances de sa mère Lorraine, afin qu’il puisse naître. Cependant, même, ce faisant, quand Marty aura fait se réunir son père et sa mère, il reviendra en 1985 dans une réalité modifiée car de modeste employé, George McFly sera passé au statut d’écrivain reconnu. Marty aura modifié les choses en bien dans sa famille mais il les aura quand même modifiées.

Retour vers le Futur II allie la dimension expérimentale des œuvres d’Alain Resnais première manière et l’aspect fun des productions de divertissement estampillées Spielberg.

Si Retour vers le Futur est un classique absolu, on passe sans doute au chef-d’œuvre avec Retour vers le Futur II qui réussit l’exploit d’être plus court (1h44 contre 1h51), plus dense (trois réalités différentes au lieu de deux) et plus virtuose (les personnages se retrouvant souvent dans les situations temporelles où ils apparaissent déjà). En effet, alors que Retour vers le Futur se contente d’explorer la réalité temporelle de 1955, Retour vers le Futur II, faisant flèche de tout bois, passe la surmultipliée, en présentant la réalité de 2015, la réalité alternative de 1985 (énorme clin d’œil à La Vie est belle de Frank Capra) où Biff Tannen est devenu ultra-puissant et la vie est devenue un enfer à Hill Valley, et un retour à la situation de 1955, pour tenter de récupérer l’almanach à l’origine de la richesse malhonnête de Biff. Parfaitement équilibré, le film attribue une demi-heure à chaque partie et atteint des sommets de folie en faisant interpréter à Michael J. Fox les trois rôles de sa famille de 2015 ou en inscrivant le retour de ses personnages dans les situations de 1955, les faisant apparaître en double exemplaire.

Il est ironique de penser que l’orientation de cette suite est principalement dû au caprice financier de Crispin Glover, l’interprète de George McFly, qui a demandé une augmentation de salaire indécente par rapport à ses collègues, ce qui a obligé Gale et Zemeckis de se passer de ses services. D’où le filmage de George McFly, la tête à l’envers en 2015 et sa mort dans la réalité alternative de 1985. Grâce à ce refus, Gale et Zemeckis ont été contraints de redoubler d’inventivité, en créant un monde sans George McFly ou en utilisant les prises du premier film pour le retour en 1955. A eux seuls, les passages du hoverboard en 2015 ou la récupération de l’almanach dans le bureau du proviseur ou dans la voiture de Biff sont des morceaux de bravoure inégalables.

Robert Zemeckis a réussi un classique absolu qui enthousiasmera longtemps les spectateurs du monde entier, en défiant le temps.

D’une certaine manière, Retour vers le Futur II allie la dimension expérimentale des œuvres d’Alain Resnais première manière (Marienbad, Providence, Je t’aime, je t’aime) et l’aspect fun des productions de divertissement estampillées Spielberg.

Il n’en est pas de même avec le troisième volet qui est clairement le film de trop. On aurait pu espérer un volet encore plus délirant avec des personnages allant une deuxième ou troisième fois dans les réalités de 1955 ou 2015, et croisant deux autres exemplaires d’eux-mêmes. Il n’en a rien été : Retour vers le Futur III explore l’univers du western américain et se contente d’une sage exploitation des recettes du premier volet, en y greffant une histoire d’amour un peu superflue entre le Doc et une charmante institutrice, fan de Jules Verne. On retiendra néanmoins quelques éléments amusants, la parodie des westerns de Sergio Leone (Marty McFly se baptise Clint Eastwood) et surtout l’acceptation d’une certaine maturité, le personnage de Marty apprenant enfin à se contrôler lorsqu’une personne, pour le provoquer, le traite de mauviette.

Car, même si Retour vers le futur III, sans être raté, est très largement décevant et superflu, la boucle est bouclée. Le temps est comme Héraclite ou Nietzsche le proclamaient, un éternel retour : dans les trois volets, Biff Tannen se retrouvera dans du fumier ; Marty se fera traiter de mauviette ; il se réveillera également de ce qu’il croit être un cauchemar et apercevra à chaque fois sa mère dans l’obscurité qui le réconfortera. En s’inspirant pour le style de mise en scène des classiques hollywoodiens, Frank Capra et Billy Wilder, Robert Zemeckis a réussi un classique absolu qui enthousiasmera longtemps les spectateurs du monde entier, en défiant le temps.

L’article La Trilogie Retour vers le futur : une merveilleuse histoire du temps est apparu en premier sur MovieRama.

Vingt-cinq ans déjà de cinéma…Depuis 2000 jusqu’à 2024, nous avons atteint le quart du XXIème siècle. 25 ans de cinéma, des images innombrables et inoubliables que les listes de nos rédacteurs tentent de refléter sans jamais pouvoir les épuiser. 25 ans de souvenirs, d’enthousiasmes et de passions irrépressibles, de déceptions aussi fortes que les plus grandes épiphanies, d’espoirs toujours vivaces dans l’avenir du cinéma. Lors de ces 25 ans, le cinéma a traversé la crainte du terrorisme, le spectre de la pandémie, ainsi que la concurrence des plateformes et des séries et pourtant il est toujours là, aussi prodigue et prolixe, aussi généreux en émotions et en sensations fortes. Pour célébrer ce quart de siècle, la rédaction de MovieRama a souhaité trier ce qui lui semblait le plus important lors de ces 25 ans, ce qui lui a paru le plus marquant. Découvrez notre classement général des meilleurs films du XXIème siècle ainsi que ceux individuels de nos rédacteurs où vous trouverez des milliers de raisons de vous enthousiasmer et de vous passionner, en vous souvenant ainsi des belles choses que le cinéma vous a apportées lors de ces dernières décennies.

TOP GENERAL FILMS DU XXIEME SIECLE 2000-2024

1, Mulholland Drive de David Lynch, 32 points

2. Melancholia de Lars Von Trier, 22 points

3. Le Voyage de Chihiro de Hayao Miyazaki, 16 points

Ex aequo Después de Lucia de Michel Franco.

5. Two Lovers de James Gray, 14 points

6. In the mood for love de Wong Kar-wai, 12 points

7. Her de Spike Jonze, 11 points

Ex aequo Mektoub my love Canto uno d’Abdellatif Kechiche

Ex aequo Parle avec elle de Pedro Almodóvar

Ex aequo Parasite de Bong Joon-ho  

Ex aequo The Tree of Life de Terrence Malick

Ex aequo Zodiac de David Fincher  

TOP GENERAL CINEASTES DU XXIEME SIECLE 2000-2024

1. David Lynch, cité 5 fois, 32 points
2. Pedro Almodóvar, cité 4 fois, 22 points
3. Lars Von Trier, cité 3 fois, 22 points
4. Michael Haneke, cité 3 fois, 16 points
5. David Fincher, cité 3 fois, 16 points
6. Bong Joon-ho, cité 3 fois, 13 points
7. Abdellatif Kechiche, cité 3 fois, 12 points
8. Hong Sang-soo, cité 2 fois, 12 points

N.B. : en cas d’ex aequo, les cinéastes sont départagés par le nombre de citations puis de premières places.

• EMILIE OLLIVIER

1) Samia de Philippe Faucon (2001)

Un cinéaste et un chef-d’oeuvre méconnus du grand public voire des cinéphiles. On est au plus proche de Pialat (sans les systématismes que l’on pouvait reprocher à ce dernier, immense génie au demeurant).

La mise en scène, la lumière et les acteurs débutants ou amateurs de Samia sont bluffants. Confirmation que Faucon est grand après le stupéfiant Sabine (1992) au synopsis pourtant périlleux.

2) Después de Lucia de Michel Franco (2012)

Dans cette œuvre majeure en tout points, Michel Franco cesse d’être une agaçante et pâle copie d’Haneke (la forme mais jamais le fond).

Ici il livre un film pour une fois sensible (plus que son maître) et non gratuit.

La jeune actrice est exceptionnelle.

3) The Arbor de Clio Barnard (2010)

The Arbor confirme que le documentaire est bien un genre cinématographique à part entière qui peut prendre des parti-pris artistiques forts :

– acteurs qui parlent en synchronisation labiale avec la voix des vrais protagonistes

– Mise en scène avec aussi des acteurs et une photographie magnifique des souvenirs des personnes dont il est question

– mélange d’extraits d’archives réelles qui s’insèrent de manière fluide

Une œuvre qui marque au fer rouge et nous laisse sans voix.

4) Melancholia de Lars Von Trier (2011)

Le meilleur film jamais fait sur la fin du monde (et la fin d’un monde psychique, celui du personnage principal).

Les image d’introduction et de fin sont les plus belles et inventives jamais tournées au cinéma et rendent encore plus sublime (fait pourtant impossible théoriquement) la musique de Mahler.

Tout comme Franco, Lars Von Trier n’est jamais meilleur que lorsqu’il laisse poindre de la sensibilité au lieu d’avoir pour seul but de malmener le spectateur (même si l’œuvre de LVT est globalement largement supérieure au cinéaste mexicain).

5) White bird de Gregg Araki (2014)

Même si l’éternel adolescent Araki se permet un écart gigantesque avec le roman qu’il adapte (clin d’œil signature à son public ou volonté de surprendre ceux qui avaient lu le roman ?) nous avons ici affaire à un chef-d’oeuvre du cinéma indépendant américain. A l’instar de Franco ou de LVT, le cinéaste américain gagne quand il se laisse aller à la sensibilité et à la profondeur.

Mention spéciale à Eva Green qui avait alors accepté un rôle bien plus âgé et peu flatteur, rappelant la Faye Dunaway de Mummy dearest.

6) Code inconnu de Michael Haneke (2001)

Nous aurions pu choisir La pianiste ou Caché (du même niveau d’excellence et de génie), mais Code inconnu, est un film, qui, comme son titre l’indique, requiert un effort de décryptage et de plusieurs visionnages pour en décoder le sens. Il est par ailleurs trop inconnu (encore un écho à son titre) par rapport à d’autres œuvres du cinéaste alors qu’il est tout aussi bon sinon plus pour les raisons que nous venons de mentionner.

7) We need to talk about Kevin de Lynne Ramsay (2011)

Présenté la même année que Melancholia au Festival de Cannes (2011 l’année de tous les chefs-d’œuvre) ce film à nul autre pareil commence, dans son montage et sa photographie, par une abstraction chromatique avant que les pièces du puzzle ne se rassemblent pour livrer un récit tout aussi éprouvant que le roman éponyme dont il est adapté.

Ezra Miller, pourtant alors débutant, est fascinant de beauté et livre une incroyable performance d’ambiguïté et de mystère pour le personnage qu’il incarne.

Il est regrettable qu’il n’ait pas continué à jouer dans des films du même acabit.

8) Sauvage innocence de Philippe Garrel (2001)

Le meilleur film de Garrel retraçant implicitement sa relation avec la chanteuse Nico. La photographie d’un des plus grands chefs-opérateurs de l’Histoire du Cinéma, Raoul Coutard, n’y est pas pour rien. La fatalité du scénario non plus. On peut souligner le tour de force de la direction d’acteurs.  L’écrivain / philosophe Mehdi Belhaj Kacem est très bien dirigé : il joue très juste alors qu’il était catastrophique dans En avoir ou pas. Julia Faure, naturellement plus douée, n’a peut-être par la suite pas fait la grande carrière qu’elle méritait alors qu’elle possédait toutes les qualités nécessaires : grand talent, photogénie, présence, beauté.

9) Holy motors de Leos Carax (2012)

Carax à son sommet : un univers unique, à nul autre comparable, qui imprime la rétine à jamais. La partie avec le personnage de « Merde » (déjà vu dans Tokyo) aux côtés d’Eva Mendes et la partie comédie musicale mélancolique avec Kylie Minogue (personnage proposé à Juliette Binoche et faisant écho à son histoire avec le cinéaste) sont les temps les plus forts. Le titre final Revivre de Gérard Manset, reste gravé dans le cerveau, quand bien même n’aurions nous vu le film depuis fort longtemps ou une seule fois.

10) L’Esquive d’Abdellatif Kechiche (2003)

Si tous les Kechiche sont bons, celui-ci a une saveur particulière dans son scénario, son casting de très jeunes acteurs ( qui a propulsé les carrières de Sara Forestier et de Sabrina Ouazani).

On pense au meilleur de Doillon avec des teintes de Pialat. Et une vélocité et une modernité dans la vitalité des protagonistes et du langage totalement en adéquation avec celui des jeunes de l’époque.

C’est aussi le dernier Kechiche avant ce qui lui a été reproché par la suite : trop d’érotisaton sinon de male gaze (déjà présente  dans la scène de danse de La graine et le mulet) et de scène de repas rabelaisiennes.

Mentions spéciales :

Les Beaux gosses de Riad Sattouf (2009), Millenium mambo de Hou Hsiao-Hsien (2001), Bataille dans le ciel de Carlos Reygadas (2005), Vincere de Marco Bellochio (2009), Virgin suicides de Sofia Coppola (2000), La demoiselle d’honneur de Claude Chabrol (2004), 2 days in Paris de Julie Delpy (2007), Sleeping beauty de Julia Leigh (2011), Jeune femme de Léonor Serraille (2016), Tu mérites un amour d’Hafzia Herzi (2019), Lost in the night d’Amat Escalante (2023), Shéhérazade de Jean-Bernard Marlin (2018), La Fille de nulle part de Jean-Claude Brisseau (2013).

• XAVIER AFFRE

Un quart de siècle marqué par l’Asie. La Palme d’or remise à A. Weerasethakul fut une merveilleuse surprise pour un film envoûtant et magique. Wong Kar Wai, David Lynch, James Gray et Pedro Almodóvar ont livré durant cette période leur meilleur long métrage. Tout comme Eastwood. Edward Yang séduit durablement, ainsi que Kiyoshi Kurosawa ou Hong Sang-soo. Enfin, Mysterious Skin m’a profondément marqué et ému, d’où sa présence très haut dans ce top.

1 / Oncle Boonmee (Apichatpong Weerasethakul)

2 / In the mood for love (Wong Kar Wai)

3 / Mulholland drive (David Lynch)

4 / Two Lovers (James Gray)

5 / Mysterious Skin (Gregg Araki)

6 / Parle avec elle (Pedro Almodóvar)

7 / Yi Yi (Edward Yang)

8 / Haewon et les hommes (Hong Sang-soo)

9 / Tokyo Sonata (Kiyoshi Kurosawa)

10 / Mystic River (Clint Eastwood)

Mentions spéciales : Trenque Lauquen ; Pacifiction ; Le château ambulant ; Elephant ; No country for old men ; Memories of murder ; Millenium Mambo (Hou Hsiao Hsien).

• QUENTIN ELUAU

Difficile de ne choisir que 10 films sur presque 25 ans. Cette liste ne présente peut-être pas exactement ma vision des 10 meilleurs films, j’en oublie sûrement, et d’autres pourraient s’ajouter à coup sûr si je les avaient vus (Prisoners ou No country for old men pour ne citer qu’eux) mais plutôt ceux qui ont eu un impact sur moi. Le Voyage de Chihiro qui m’a fait découvrir et aimer le cinéma d’animation japonais, Le retour du roi pour la fantasy ou encore Le Labyrinthe de Pan pour le cinéma de Del Toro.

1. Le seigneur des anneaux : le retour du roi (Peter Jackson)

2. Le Voyage de Chihiro (Hayao Miyazaki)

3. Mad Max Fury Road (George Miller)

4. Zodiac (David Fincher)

5. Parasite (Bong Joon-ho)

6. Old Boy (Park Chan-wook)

7. Hot Fuzz (Edgar Wright)

8. La Ligne verte (Frank Darabont)

9. Le Labyrinthe de Pan (Guillermo Del Toro)

10. Spider-Man : Into the Spider-Verse ( Peter Ramsey, Bob Persichetti et Rodney Rothman)

• SYLVAIN JAUFRY

1. Gran Torino (Clint Eastwood) 

Sans doute le meilleur film de Clint Eastwood. Le cinéaste américain excelle dans une composition qu’il affectionne : celle d’un homme bourru et aigri, raciste au premier abord, mais dont l’humanité va finir par jaillir. Clint Eastwood sort de son image habituelle pour faire un film sincère et généreux, sur l’entraide entre les communautés. 

2. Volver (Pedro Almodóvar) 

Jamais Pedro Almodóvar n’aura aussi bien parlé de la famille que dans Volver. Récompensé par le Goya du meilleur film, ce film explore parfaitement la solidité des liens familiaux, pourtant mis à mal par le décès d’une mère, dont le spectre flotte sur cette petite famille espagnole, et l’ombre de l’inceste et du mensonge. Volver est un film sur les femmes qui démontre leur solidarités, entre générations, entre soeurs. Pedro Almodovar recycle son sujet favori, qu’il sait bien traiter, en bénéficiant d’une distribution de qualité, Penélope Cruz en premier.

3. La Zone d’intérêt (Jonathan Glazer) 

L’une des sensations du Festival de Cannes 2023, un chef-d’œuvre qui laisse sans doute la même impression d’effroi que Nuit et Brouillard ou Shoah. Jonathan Glazer, sans montrer l’horreur des camps, parvient à décrire la cruauté et la déshumanisation. Dans son style si particulier, le cinéaste anglais juxtapose son goût pour l’étrange en opposant le bonheur d’une famille allemande et le malheur des centaines de prisonniers. Volontairement choquant et surtout suggestif, La Zone d’Intérêt rejoint la liste, déjà longue, des films dérangeants. Si vous avez aussi vu Birth et Under the Skin, vous ne serez pas surpris par la mise en scène souvent lente et assez symétrique.

4. Des hommes et des dieux (Xavier Beauvois) 

Le film de Xavier Beauvois est un des plus beaux films français de ce siècle, grâce à sa distribution de haute volée, mais aussi grâce à une mise en scène précise qui décrit fort bien le quotidien de ces moines qui s’interrogent sur l’escalade de la violence dans une société algérienne meurtrie. Le cinéaste français fait parler son goût assumé pour le détail, avec un travail fort sur le cadrage des plans , la pureté de la mise en scène, associé au réalisme de l’écriture. Tout en contextualisant la situation,  Des Hommes et des dieux parle aussi de sacrifice, celui de ces hommes.

5. 21 grammes (Alejandro Gonzalez Inarritu) 

Avec ce film, Alejandro González Iñárritu s’est ouvert les portes du cinéma américain. Avec un magnifique scénario signé Guillermo Arriaga, 21 grammes bénéficie d’une structure narrative excellente, faite d’histoires qui finissent par se croiser. Quand la mort d’un enfant sauve la vie d’un homme et permet la rencontre de deux personnes en quête d’un nouveau souffle… Le duo Naomi Watts – Sean Penn fait des étincelles dans un film puissant et résolument dramatique. 

6. Mulholland Drive (David Lynch) 

Le maestro David Lynch signe l’une de ses plus belles œuvres, le genre de film que l’on comprend et apprécie plus au second visionnage. C’est une production à l’atmosphère étrange, peuplée d’une rêverie morbide, qui nous emmène dans les arcanes malaisants d’un système hollywoodien qui ressemble plus à une machine à broyer qu’à une véritable usine à rêves. Constitué de scènes cultes qui lorgnent vers le surnaturel, Mulholland Drive est un sommet d’étrangeté et d’ingéniosité. 

7. Un prophète (Jacques Audiard) 

Un véritable coup de force de Jacques Audiard. Emmené par Tahar Rahim et Niels Arestrup, Un Prophète est un des meilleurs films qui traitent de l’univers carcéral. Un jeune homme se retrouve emprisonné et cède à la loi du plus fort qui règne dans les prisons, pour s’imposer en caïd. Jacques Audiard était alors dans sa meilleure période, avec ce film qui se trouve parmi les plus inspirés de sa filmographie, et dans lequel il franchissait une étape supérieure dans la dramaturgie.

8. Old Boy (Park Chan-Wook) 

Un cauchemar de séquestration signé Park Chan-wook qui s’initie au thème de la vengeance. Avec une folie et une violence purement coréennes, Old Boy explique comment un esprit vengeur décide d’oublier ses années passées coincé dans une cellule dotée d’une télévision pour en finir avec ceux qui lui ont fait tant de mal. Old Boy est un film choc, un uppercut, au rythme brillant et au style inimitable, doté d’un penchant pour le réalisme cru et assez etonnant.

9. Mother (Bong-Joon-Ho) 

Un film déchirant et saisissant sur la relation mère-fils, le tout sur fond de meurtre et de handicap mental. Mother raconte l’histoire de cette mère qui défend corps et âme son fils handicapé, suspecté d’homicides, jusqu’au point de tomber elle-même dans l’illégalité. Une œuvre poignante. 

10. La Pianiste (Michael Haneke) 

Michael Haneke réalise un film inoubliable, dans lequel la perversité domine. Le récit narre une relation quasiment malsaine, faite de sexe, entre un élève et sa professeure de piano, dont la rigidité cache un comportement sexuellement déviant. Le cinéaste filme un microcosme glauque. Isabelle Huppert livre une composition qui lui convient à merveille, face à un Benoît Magimel tout aussi bon. 

• PIERRE LARVOL

1 – Broken Flowers de Jim Jarmusch (2015)
2 – Donnie Darko de Richard Kelly (2002)
3 – Mulholland Drive de David Lynch (2001)
4 – Mad God de Phil Tippett (2023)
5 – A Ghost Story de David Lowery (2017)
6 – Melancholia de Lars Von Trier (2011)
7 – Mars Express de Jérémie Périn (2023)
8 – It Follows de David Robert Mitchell (2015)
9 – 21 nuits avec Pattie des frères Larrieu (2015)
10 – Minuit à Paris de Woody Allen (2011)

Les mentions : Ultra rêve de Mandico, Yann Gonzalez, Poggi et Vinel (2018), Enter the Void de Gaspar Noé (2010), Réalité de Quentin Dupieux (2014), Arrête-moi si tu peux de Steven Spielberg (2003), L’exercice de l’Etat de Pierre Schoeller (2011) et Frangins malgré eux d’Adam McKay (2008).

• REMY PIGNATIELLO

1. Mulholland Drive (Lynch)
2. The Tree of Life (Malick)
3. No Country For Old Men (Coen)
4. Le voyage de Chihiro (Miyazaki)
5. Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (Gondry)
6. The Social Network (Fincher)
7. Les fils de l’homme (Cuaron)
8. Her (Jonze)
9. Kuzco, l’empereur mégalo (Dindal)
10. La famille Tenenbaum (Wes Anderson)
    

Mentions spéciales pour Paprika de Satoshi Kon et Punch-Drunk Love de Paul Thomas Anderson.

• POULET POU

1. Ne touchez pas la hache (Rivette, 2007).

Un de mes films préférés de tous les temps. ’’Sublime ? Ah mais non, surtout pas, ne dites pas sublime, merveilleux, etc. Vieux style ! Non, le mot qu’il faut employer, c’est ÉTOURDISSANT’’.

2. Seule sur la plage la nuit (HSS, 2017).

Kim Min-hee s’agenouillant sur un pont dans un parc à Hambourg, image inoubliable.

3. À la folie (Wang Bing, 2016).

Séjour à l’HP chinois.

4. Là-bas (Akerman, 2006).

Monet + Mondrian à Tel-Aviv.

5. Rétribution (Kurosawa, 2007).

Pour Kiyoshi j’hésite avec l’immense Tokyo Sonata sorti l’année suivante, mais d’une il y a Kōji Yakusho, de deux l’image d’un type disparaissant dans une tasse à café (ou quelque chose comme ça) est une image qui reste.

6. Gerry (Gus Van Sant, 2002).

Promenade au parc naturel. 

7. Like someone in love (Kiarostami, 2012).

Kiarostami à Tokyo, derniers feux featuring une Volvo en guest-star.

8. National Gallery (Wiseman, 2014).

Visite au musée, devant et derrière les tableaux.

9. La piel que habito (Almodóvar, 2011).

Meilleur rôle de Banderas avec Femme Fatale de De Palma, qui aurait pu figurer dans une autre version de ce top.

10. Serre moi fort (Amalric, 2021).

Triste et beau, featuring une AMC Pacer en guest-star.

Mentions : Loin de vous j’ai grandi (Dumora, 2020), Illumination (Breton, 2004), Femme Fatale (De Palma, 2002), Les Crimes du futur (Cronenberg, 2022), La Liberté (Massart, 2017), Navire Europe (Déak, 2023), Bad Lieutenant (Herzog, 2009), Rester Vertical (Guiraudie, 2016), Burn After Reading (Coen, 2008), Une famille (Angot, 2024).

• THOMAS POUTEAU

1- Amour de Michael Haneke

Tous ses films du vingt-et-unième siècle auraient pu entrer dans ce classement. Quelques années après sa première Palme d’Or, Michael Haneke insuffle une nouvelle émotion dans son cinéma, sans jamais la forcer, sans en édulcorer le tragique, lors de la dernière messe d’un vieux couple bourgeois interprété magnifiquement par un Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva. Le cinéma dans sa sobriété qui sent bon le parfum de la vie.

2- Wendy et Lucy de Kelly Reichardt

Si une artiste devait sauver le cinéma, ce serait entre ses mains que je mettrais mon pouvoir. Avec Wendy et son chien Lucy, Kelly Reichardt continue de traverser les Amériques à travers les yeux de la patience, les mains des petits gestes, les emmerdes du quotidien, les attentions des humains. L’amitié se conjugue aussi avec les chiens et, dans un mouvement lent, voilà que les marges gagnent leur centralité.

3- Before Sunset de Richard Linklater

Le temps a fait son lit. Jesse et Céline s’étaient rencontrés par hasard à Vienne et s’étaient promis de se retrouver. Vide depuis neuf ans, les draps secs de l’amour transpirent à nouveau lorsque Céline retrouve Jesse, venu présenter son nouveau roman. Le temps d’un après-midi, la passion amoureuse baignée dans le soleil parisien se tricote au fil des rues, des cafés et des écrits de poètes maudits. Leur histoire se raconte sous nos yeux fous d’envie.

4- Después de Lucia de Michel Franco

C’est avec Después de Lucia que nous comprîmes qu’un cinéaste était né. Michel Franco a rapidement installé son style : des cadrages à la durée de ses plans, de ses scènes captées en un regard, du scénario au jeu des comédiens, tout est juste, précis, déroutant. Le mystère ne cesse de se déployer dans une fluidité déconcertante. C’est un boom.

5- Paranoïd Park de Gus Van Sant

En suivant son héros skateur, Gus Van Sant s’était permis un film un peu plus aérien que les précédents sur l’adolescence. Les pentes du montage fragmenté offrent aux spectateurs la possibilité de reconstituer l’intrigue de ce film bref qui hante longtemps. En peu de temps, il cultive un merveilleux champ de détails dont la minutie est régie par de pures questions de forme. Vertigineux !

6- There will be blood de Paul Thomas Anderson

Avec ses comparses Tarantino et Scorsese, Paul Thomas Anderson est l’un des derniers grands cinéastes américains à produire un de ces grands films qui jalonnent l’histoire du cinéma américain. Les audaces de ce film sensoriel sont multiples, comme les quinze premières minutes muettes et tout le reste qui nous laissent bouche bée.

7- Ema de Pablo Larrain

En réalisant le portrait d’une danseuse inconnue, à la différence de ses films biographiques et tortueux, Pablo Larrain embrasse, et nous par la même occasion, chaque mouvement, ample et vif, d’un personnage des plus complexes du vingt-et-unième siècle dont les folies enflammées brûlent nos rétines.

8- La Tortue rouge de Michaël Dudok De Wit

Michaël Dudok De Wit conte l’histoire d’un naufragé sur une île déserte tropicale peuplée de tortues. En 1h20, sans le moindre dialogue, ce film d’animation sobre est une métaphore des grandes étapes de la vie qui attendent un être humain. L’océan est partout, il embrasse cette île en même temps qu’il l’emprisonne. Fallait-il vraiment l’alimenter de nos larmes pures, échappées devant cette essence de poésie ?

9- Mektoub My Love : Canto Uno d’Abdellatif Kechiche

Plus le temps passe depuis la projection cannoise du second opus, et plus on se dit que nous devrons faire sans. Pourtant, l’apéritif de trois heures est généreux. Il baigne de soleil, des torrents de sexe, nos yeux bavent et le cinéma nous remplit le coeur. À Sète, l’été s’explose contre les corps des adolescents qui vivent, avec une telle fluidité et une telle intensité, la sensualité de relations riches qui nous font dire que le cinéma c’est la vie.

10- Fermer les yeux de Victor Erice

Trente ans, voilà l’ellipse entre l’avant-dernier film du réalisateur espagnol et ce nouvel objet, long de quasiment trois heures. Le voilà revenu d’on ne sait où, avec une proposition deux fois plus généreuse : un film dans le film. Pendant trois heures, c’est le manque de ce film initial que nous ressentons, la bouche ouverte à la douceur de la mélancolie, durant lesquelles les souvenirs sont convoqués et où, nous spectateurs et eux personnages, recollons les morceaux du passé. Un film collectif qui donne toute sa confiance au romanesque d’une disparition qui tient le spectateur en haleine, une odyssée longue et magnifique.

• DAVID SPERANSKI

1. Melancholia de Lars Von Trier

Parce qu’on n’a jamais aussi bien filmé et surtout ressenti la fin du monde.

2. Mektoub my love Canto Uno d’Abdellatif Kechiche

Entre Renoir et Rozier, Kechiche capte avec génie un été qui révèle les coeurs et les corps.

3. Her de Spike Jonze

Le film sur l’amour moderne et ses rapports avec la technologie.

4. Two Lovers de James Gray

Inspiré par les Nuits blanches de Dostoïevski, Gray touche au vertige existentiel d’un choix impossible.

5. Parle avec elle de Pedro Almodóvar

Le film à la fois le plus déchirant et apaisant de Pedro Almodóvar.

6. Parasite de Bong Joon-ho

Inspiré par La Cérémonie de Chabrol, Bong Joon-ho réinvente la lutte des classes à travers cette histoire de domesticité et de sous-sol.

7. Zodiac de David Fincher

A travers une histoire de serial-killer, Fincher rend palpable la quête obsessionnelle qui rend supportable la fuite inexorable du temps.

8. In the mood for Love de Wong Kar-wai

Entre croisements et frôlements, un amour romantique et interdit qui n’ose dire son nom, magnifié par la splendeur de la photographie et des costumes.

9. The Tree of life de Terrence Malick

« Sans amour, la vie passe comme un éclair ». Entre nature et grâce, la vision puissamment spirituelle et mystique de la vie par Terrence Malick.

10. Mulholland Drive de David Lynch

Un film-miroir sur le cinéma, les mondes parallèles et les illusions perdues que le rêve engendre. Lynch au sommet de son pouvoir de fascination cinématographique.

Mentions spéciales : Saraband d’Ingmar Bergman, Phantom Thread de Paul Thomas Anderson, Cloud Atlas de Lana Wachowski, Tom Tywker et Lilly Wachowski, La Flor de Mariano Llinás, Le Livre d’image de Jean-Luc Godard, Les Plages d’Agnès d’Agnès Varda, Inland Empire de David Lynch, The Social Network de David Fincher, Anatomie d’une chute de Justine Triet, La Captive de Chantal Akerman, Eternal sunshine of the spotless mind de Michel Gondry, Virgin Suicides de Sofia Coppola, Moonrise Kingdom de Wes Anderson, Toni Erdmann de Maren Ade, Synecdoche, New York de Charlie Kaufman.   

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Dès l’annonce de la production du film et de sa sortie, le projet Barbie avait suscité la curiosité des cinéphiles et des simples amateurs de cinéma, interloqués par cette idée farfelue de donner vie à la poupée sur grand écran. Les interrogations se sont multipliées, sur l’histoire, le scénario, sur ce qu’allait nous proposer Mattel. Le choix de Greta Gerwig en surprit plus d’un, elle qui vient du cinéma d’auteur et qui n’était pas vouée à réaliser une production commerciale. Pourtant, la cinéaste étonne, surprend. Alors que l’on attendait un résultat très enfantin dans une ambiance décérébrée, Gerwig livre sa version de Barbie, adulte, artistiquement réussi, et surtout intellectuelle, argumentant sur le féminisme, l’idéalisation de la femme parfaite, les stéréotypes. Elle produit sa vision personnelle, en y apportant sa touche et en respectant minutieusement cet univers rose, coloré. Malgré ces intentions notables et les qualités esthétiques, certains commentaires ne furent pas tendres avec la jeune femme, jugeant son choix de se fourvoyer dans un film insipide, niais, un nanar éloquent. Chaque opinion a le droit de citer, néanmoins il est bien difficile de le ranger au niveau d’un Sharknado, Doc Savage, ou Les Maîtres de l’Univers, qui, eux, sont de véritables nanars. En connaissant les éléments qui en font de mauvais films sympathiques, l’utilisation de ce terme équivaut à mettre Greta Gerwig au plus bas de l’échelle cinématographique, à une place déshonorante ne reflétant pas toutes ses capacités qui, pourtant, sont bien visibles dans Barbie. Dès le début, nous voici plongés dans un lieu où les couleurs vives abondent, un monde de bonheur, avec des décors sans CGI qui, sans être un inconditionnel, rappellent la nostalgie des vieilles publicités. Impensable de dire que ce rendu artistique ne mérite pas de louanges ! En ajoutant à cela les nombreux et bons paramètres cinématographiques, l’exécution maitrisée, la bonne gestion du rythme, une multiplication de plans travaillés… nous sommes tout de même bien loin d’un film médiocre, d’une série Z digne de figurer sur Nanarland, n’en déplaise aux critiques qui se sont permis de descendre une œuvre non dénuée de fond et de placer Barbie dans les abysses honteux du cinéma. Ces jugements radicaux et tranchés ont mis en avant un mot virulent, utilisé à tort et à travers sans en connaitre la signification, et l’ensemble du film ne justifie absolument pas ces avis très directs. Peut-être ont-ils été influencés par des a priori… il n’empêche que le film doit être défendu pour souligner l’investissement total de Greta Gerwig qui a su remplir le cahier des charges de Mattel en y injectant une réflexion poussée et pertinente sur le patriarcat et le pouvoir masculin.

Selon certains journalistes, Barbie est un produit d’une abondante niaiserie. Les critiques du Masque et la Plume ont presque unanimement rejeté ce long-métrage, conspuant un message féministe de deuxième ordre assez pathétique. D’autres ont également démoli Gerwig en disant qu’elle n’avait rien compris. Heureusement, beaucoup ont été plus sensibles à cette morale que Pierre Murat juge détestable. Vraisemblablement, cette notion n’est pas comprise de tous, sa définition devant faire l’objet de multiples sensibilisations. Barbie est évidemment un film sur ce féminisme, le personnage de Margot Robbie symbolisant l’idée de la beauté parfaite, rentrant dans un monde réel où elle s’aperçoit de ses stéréotypes, face à un Ken représentant le patriarcat et voulant prendre le dessus sur son acolyte blonde. De la poupée désireuse de pouvoir aux dirigeants de Mattel, tout dénonce l’omniprésence des hommes dans le système social, avec des femmes réduites au second plan, enfermées dans la recherche de l’idéalisation de la femme parfaite et surtout dans cet état d’infériorité par rapport au sexe opposé, une injustice et une inégalité que le discours d’America Ferrera met au premier plan, mettant l’accent sur ce déséquilibre et la fragile position des femmes dans la société, faisant ainsi référence aux nombreuses controverses créées par la poupée. Oui, ce qu’elle dit paraît bateau, mais malheureusement véridique, dressant un des constats du monde actuel, alors que son personnage est une simple assistante auprès d’une élite dirigeante composée d’hommes, un discours prônant l’égalité que Gerwig explique aussi à la fin de son film. Pourtant, malgré ces exemples criants, il faut considérer cela comme un message mineur, un féminisme de base a l’heure où les dénonciations #metoo pleuvent, où les violences faites aux femmes explosent, où l’avortement est interdit dans certains États des États-Unis ! Si cela est de second ordre, quel est le premier ? C’est vraiment oublier cette cause que Barbie met en avant de manière assez frontale, avec une argumentation remettant en question les polémiques malencontreusement provoquées par Mattel et qui ont permis de creuser un peu plus le fossé. Aussi, et contrairement à ce que dit Xavier Leherpeur, le but n’est pas de réhabiliter la poupée, mais d’effacer ces fâcheux stéréotypes imposés par la marque. Le film évoque cela, de nombreuses fois, à travers Weird Barbie, les pieds plats, et l’existence du monde réel sert de prétexte pour critiquer les critères de beauté. Prétendre que l’œuvre n’aborde pas les effets dévastateurs de l’idéal féminin, c’est ne pas comprendre les furtifs et subliminaux messages que Gerwig diffuse en permanence, principalement lors de la scène introductive où les belles et longilignes jambes de Barbie apparaissent à côté de fillettes déjà prêtes à endosser le rôle de mère. De plus, connaitre l’histoire de la poupée, de sa conception jusqu’à maintenant, permet de mieux analyser les problématiques engendrées. Le film n’a pas forcément besoin d’appuyer sur cela, tant la culture populaire a longtemps associée Barbie au sexisme.

En regardant Barbie, nous constatons que la société fondatrice s’autocritique, caricaturant la direction, souhaitant répondre aux controverses et détruire cette image d’une poupée magnifique. Alors que bons nombres affirment que c’est un produit marketing, la limpidité du propos s’éloigne de toute volonté commerciale, tant Mattel va bien-au-delà de son concept, jusqu’à parler de ce modèle masculin dominant. Barbie devient un film où toute l’entreprise fait son mea culpa, s’excusant tout en extrapolant sur un sujet tristement actuel, veut moderniser sa production. Jamais le film n’a la prétention ni le désir de multiplier les ventes grâce à un thème véhiculant discriminations et autres souffrances, à part peut-être quand il s’agit de défoncer les stéréotypes et de créer une nouvelle poupée conforme aux standards de la société, sans artifices, plus humaine. Greta Gerwig décrit une marque qui souhaite se renouveler en admettant sa responsabilité dans le mal-être de centaines de petites filles qui ont tant voulu chercher la perfection physique avec un objet ayant libéré des jeunes filles à l’époque, tout en les condamnant néanmoins à de grands complexes et a un avenir proche de la ménagère plutôt que celle d’une femme épanouie.

Voilà pourquoi Barbie est un film adulte, avec une réflexion souvent non partagée et critiquée par un public qui n’a vraisemblablement pas compris sa portée sociale. Greta Gerwig réalise un film entre divertissement et intellectualisation, pas nécessairement à voir qu’entre filles, injustement comparé aux nanars et autres réalisations américaines balourdes. Son ambiance respecte le jouet, avec un climat adulescent, aux antipodes de la bêtise cinématographique, et surement pas niais quand on voit une réalisation s’inscrivant dans la mouvance féministe. Heureusement, le succès hallucinant prouve à quel point le film est aimé, rassurant ainsi Greta Gerwig, une cinéaste exemplaire ne méritant pas de tels commentaires virulents la descendant de piètre façon.

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