Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite une très Belle Année 2026 !

TOP 5 GENERAL SERIES 2025

1. Pluribus saison 1 (Apple TV +), de Vince Gilligan, 20 points
2. Stranger things saison 5 (Netflix), des frères Duffer, 19 points.
3. Des Vivants (France Télévisions), de Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade, 18 points.
4. Severance saison 2 (Apple TV +), de Dan Erikson et Ben Stiller, 17 points.
5. Mr Scorsese (Apple TV +), de Rebecca Miller, 13 points.
   

• EMMANUELLE ETIENNE

1/ PLURIBUS saison 1 – Apple TV +

Vince Gilligan prouve qu’il est le maître incontesté des showrunners. Il offre à l’actrice Rhea Seehorn (Better Call Saul) un rôle en or qui, on l’espère, lui permettra de remporter une kyrielle de prix.

2/ SEVERANCE saison 2 – Apple TV +

Après une attente interminable, la série est revenue avec une saison 2 qui ne fait que confirmer son statut d’œuvre culte. Son épisode final est un petit bijou de suspense et d’émotion.

3/ THE PITT saison 1 – HBO Max

La série portée par Noah Wyle (Urgences) est la bonne surprise de cette année. Une plongée en temps réel dans le monde hospitalier post COVID, bouleversante et surtout alarmante.

4/ STRANGER THINGS saison 5 – Netflix

La parfaite conclusion d’une série qui aura fait les grandes heures de la plateforme au logo rouge. Impossible de ne pas verser une petite larme au moment de dire adieu à cette bande de gamins devenus adultes.

5/  ÇA : BIENVENUE À DERRY – HBO Max

On n’attendait pas grand chose de ce préquel mais cette origin story du clown Pennywise a vraiment de quoi nous réjouir. Un récit qui tient la route, une mise en scène spectaculaire et une interprétation toujours aussi bluffante de Bill Skarsgård.

• XAVIER AFFRE

1 / Stranger Things, saison 5 (Frères Duffer) – Netflix

2 / Des vivants (Jean-Xavier de Lestrade) – France Télévisions

3 / Nismet (Philippe Faucon) – Arte

4 / Los Anos nuevos (Rodrigo Sorogoyen) – Arte

5 / Mr. Scorsese (Rebecca Miller) – Apple TV

6 / 37 secondes (Anne Landois, Sophie Kovess-Brun) – Arte

7 / Le Président foudroyé (Mike Makowsky) – Netflix

8 / De rockstar à tueur : Le cas Cantat (Jahn, Lartigue, de Bussierre, Dusfour) -Netflix

Mention spéciale : le 3ème épisode de la série Adolescence

• QUENTIN ELUAU

Encore une année séries qui nous marquera par certaines sorties.

En 2022, la première saison d’Andor figurait déjà dans mon top 3 ; cette année, la seconde saison s’empare sans aucun problème de la première place, tant je ne trouve rien à redire sur cette seconde et dernière saison. Severance confirme l’essai avec une saison 2 du même calibre que la première, et la première saison de The Studio a été une très bonne surprise.

Malheureusement, il nous manque toujours du temps pour regarder tout ce qui nous intéresse. Parmi les loupés, on retrouve entre autres The Pitt (vainqueur de plusieurs Emmy Awards), Only Murders in the Building (péché mignon), Pluribus (la nouvelle série de Vince Gilligan), mais aussi The Chair Company (créée et interprétée par Tim Robinson).

Hâte de voir ce que 2026 nous réserve.

1. Andor (Disney +)
2. Severance (Apple +)
3. The studio (Apple +)
4. Dan da dan (Netflix)
5. The mighty nein (Amazon Prime)
6. Peacemaker (HBO max)
7. Bref (Disney +)
8. The bear (Disney +)
9. Asterix et le combat des chefs (Netflix)
10. The Last of us (Amazon Prime)

• DAVID SPERANSKI

1. Pluribus saison 1 de Vince Gilligan (Apple TV +)

Vince Gilligan étant le créateur de Breaking Bad et de Better Call Saul, deux des séries les plus importantes de ces quinze dernières années, on guettait avec attention sa nouvelle création. Renouant avec la Science-Fiction des X-Files dont il a signé quelques-uns des meilleurs épisodes, Gilligan prouve qu’il reste toujours très inspiré, en écrivant une fiction entre La Nuit des morts-vivants et Le Prisonnier, une histoire souterrainement inspirée par le confinement (avec une héroïne qui survit presque toute seule, admirable Rhea Seehorn) et des tentations irrépressibles de revenir au monde d’avant ,

2. Des Vivants de Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade (France Télévisions)

Tout le monde se souvient du vendredi 13 novembre 2015, ce jour où la France a basculé dans l’horreur. Ce qu’on connaît moins, c’est l’histoire des survivants de l’attentat du Bataclan, une histoire d’amitié et de résilience qui n’occulte pas la gravité du traumatisme mais met l’accent sur l’espoir d’une autre vie, formidablement retranscrite et mise en scène par Antoine Lacomblez et Jean-Xavier de Lestrade, avec des acteurs tous impressionnants.

3. Silo saison 2 de Graham Yost (Apple TV +)

Rhea Seehorn parle parfois toute seule dans Pluribus. Rebecca Ferguson agit souvent toute seule dans Silo. Des femmes seules qui s’en sortent, telle est la thématique prégnante dans un certain nombre de séries de cette année. D’après la formidable saga éponyme de SF de Hugh Howey, Silo saison 2 suit le personnage de Juliette Nichols, mécanicienne de formation, qui s’est échappée du silo où 10 000 personnes sont confinées sans explication. La musique obsédante, l’atmosphère lancinante, l’interprétation remarquable de Rebecca Ferguson et de ses partenaires (étonnant Steve Zahn) font déjà de Silo la série un classique.

4. Mr Scorsese de Rebecca Miller (Apple TV +)

On croyait tout savoir de Martin Scorsese, son asthme, sa vocation pour la prêtrise, sa Passion au sens religieux du cinema, etc. Rebecca Miller, réalisatrice de talent et épouse de Daniel Day-Lewis, réussit pourtant à nous apprendre de nouvelles choses. Par son approche empathique, sa somme d’interviews de proches et d’amis, son excellent montage (image et musique) qui ne laisse pas de répit au spectateur, Mr Scorsese s’impose comme l’un des meilleurs documentaires jamais consacrés à un cinéaste.

5. Black Mirror saison 7 de Charlie Brooker (Netflix)

C’est la fin du contrat de Charlie Brooker pour Netflix. Cette dernière (?) saison de Black Mirror réserve son lot de surprises et de trouvailles inédites au sein de ces six nouveaux épisodes, dont l’excellent Des gens ordinaires, l’angoissant Bête noire, des rappels des précédentes saisons, Bandersnatch ou USS Callister. etc. Dans un monde où la technologie nous inquiète de plus en plus, Black Mirror demeure la meilleure série pour en prendre conscience.

6. Stranger things Saison 5 de Matt et Ross Duffer (Netflix)

C’est l’une des séries phares de Netflix, l’une des plus regardées dans le monde, l’une des séries cultes de la décennie. Elle a en effet couvert dix années de 2016 au 1er janvier 2026. Les acteurs, ados au départ, ont bien grandi (surtout Millie Bobby Brown). Oeuvre dédiée à la nostalgie des années 80 et à celles de Steven Spielberg, Stephen King et John Carpenter, elle s’achève, laissant un grand vide. Les années 2015-2025 resteront-elles comme celles de Stranger things?

7. The White Lotus saison 3 de Mike White (Amazon Prime)

Mike White a encore frappé fort dans sa satire des super-riches. Après un tour à Hawaï puis en Sicile, c’est la Thaïlande qui va révéler les moeurs parfois contestables des touristes, clients de la chaîne d’hôtels The White Lotus. Malgré des débuts un peu difficiles dans cette troisième saison, la série gagne à ce séjour en Asie un supplément d’âme et de spiritualité. L’épisode final parvient à lier toutes les intrigues avec une facilité remarquable.

8. Adolescence de Jack Thorne et Stephen Graham (Netflix)

Tout le monde connaît la série, notable et principale innovation de Netflix cette année, pour sa réalisation exceptionnelle, composée d’un seul plan-séquence par épisode, réalisation due à Philip Barantini. Mais au-delà ce tour de force un peu ostentatoire à la Sam Mendes dans 1917, la série exprime des constats très justes sur la violence des adolescents, le culte du masculinisme chez les incels, et la contamination des opinions par les réseaux sociaux.

9. Taylor Swift : The End of an Era de Don Argott et Sheena M. Joyce (Disney +)

Taylor Swift : The Eras tour, remarquable film de concert et expérience immersive, attendait un complément. C’est chose faite avec Taylor Swift : The End of an Era. Au-delà de l’aspect crépusculaire de la chose (le film captant une performance qui n’aura sans doute pas d’équivalent avant longtemps, sinon jamais), la série s’attache à montrer l’envers du décor, soit la vie de la plus grande pop star de notre époque, et surtout la manière dont elle parvient à gérer une tournée d’une envergure phénoménale, tout en menant de front sa vie privée, ses amitiés et son écriture continue de chansons.

10. De Rockstar à tueur : le cas Cantat de Anne-Sophie Jahn, Nicolas Lartigue, Zoé de Bussierre et Karine Dusfour (Netflix)

Cette série est un cas d’école, car illustrant une prise de conscience, un changement fondamental dans les mentalités. Prenant comme point de départ l’affaire Trintignant/Cantat, elle montre par divers témoignages et archives comment la France est passée d’une notion dépassée de crime passionnel à celle beaucoup plus pertinente de féminicide. Glaçant et instructif.

Mention spéciale : Severance saison 2 de Dan Erikson (Apple TV +).  Série-concept intrigante, servie par une réalisation souvent brillante de Ben Stiller, elle offre une satire sarcastique de la vie en entreprise et de la séparation souvent peu opérationnelle entre l’existence au bureau et l’intimité privée.

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Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

TOP GENERAL FILMS 2025

1. Sirāt d’Oliver Laxe, 60 points.
2. The Brutalist de Brady Corbet, 31 points.
3. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez, 26 points
4. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson, 24 points.
5. Résurrection de Bi Gan, 19 points.
6. L’Agent secret de Kleber Mendonça Filho, 18 points.
7. ex aequo Jeunesse (Retour au pays), de Wang Bing, L’Attachement de Carine Tardieu, Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche, 17 points.

10. Valeur sentimentale de Joachim Trier, 14 points.
11. Magellan de Lav Diaz, 13 points.
12. L’Engloutie de Louise Hémon, 12 points.
13. Le Rire et le couteau de Pedro Pinho, 11 points.

• HANNA HROMOVETSKA

Bien que 2025 ait été riche en sorties de réalisateurs consacrés — de Paul Thomas Anderson et Yórgos Lánthimos à Joachim Trier et Richard Linklater — j’ai préféré la vision fraîche, les idées audacieuses et les approches non conventionnelles proposées par des cinéastes qui s’apprêtent tout juste à s’inscrire dans l’histoire du cinéma. Ainsi, quatre films de mon top 5 de l’année sont des premiers films, chacun proposant des observations attentives sur le cinéma en tant que médium. Parallèlement, des réalisateurs qui n’ont pas encore atteint un large public, comme Brady Corbet et Oliver Laxe, ont signé des œuvres monumentales et réflexives qui méritent une attention accrue. L’impression générale laissée par l’année prouve que le cinéma est loin d’être mort et nous invite, par conséquent, à attendre avec intérêt ce qu’il nous réservera dans l’année à venir.

1. The Brutalist de Brady Corbet
2. On Falling de Laura Carreira
3. L’Engloutie de Louise Hémon
4. La Convocation de Halfdan Ullmann Tøndel
5. The Chronology of Water de Kristen Stewart
6. Sirāt d’Oliver Laxe
7. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson
8. Dangerous Animals Sean Byrne
9. Kika de Alexe Poukine
10. Jeunes mères de Jean-Pierre Dardenne et Luc Dardenne

• CLEMENCE LESACQ GOSSET

1. Sirāt d’Oliver Laxe
2. L’Attachement de Carine Tardieu
3. I love Peru de Raphaël Quenard et Hugo David
4. Eleanor the Great de Scarlett Johansson
5. Kneecap de Rich Peppiatt
6. A Normal family de Hur Jin-Ho
7. Partir un jour d’Amélie Bonnin
8. La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa
9. La Petite dernière de Hafsia Herzi
10. Les Filles désir de Princia Car

• Mention spéciale  : L’Engloutie de Louise Hémon

• MARGAUX BALLAND

2025 a révélé une constellation de films où l’individu s’est mesuré à des forces qui le dépassent : la violence des territoires ruraux (Le Clan des bêtes), la radicalité d’une quête spirituelle (Sirāt), la complexité des liens qui façonnent une place dans le monde (L’Attachement, La petite dernière). L’ensemble dessine une année où le genre sert de révélateur, qu’il s’agisse de sonder la brutalité (Dangerous Animals, Sinners) ou de questionner les zones grises de l’héroïsme (Evanouis). The Flats (documentaire) et Bird prolongent cette mise en tension du réel, en faisant de l’observation des corps et des espaces un révélateur de ce qui forge silencieusement une société. Entre luttes intimes, expériences partagées et fractures sociales, ces dix films partagent une même énergie : raconter des existences en transition, où chaque questionnement intérieur devient une clé de lecture du monde.

1. Le Clan des Bêtes de Christopher Andrews
2. Sirāt d’Oliver Laxe
3. L’Attachement de Carine Tardieu
4. The Flats d’Alessandra Celesia
5. Partir un jour d’Amélie Bonnin
6. Evanouis de Zach Cregger
7. Dangerous Animals Sean Byrne
8. Sinners de Ryan Coogler
9. Bird d’Andrea Arnold
10. La Petite dernière de Hafsia Herzi

• XAVIER AFFRE

1 / L’agent secret (Kleber Mendonça Filho)

Le meilleur film de l’année, le film le plus abouti de Kleber Mendonça Filho. Un film-somme, une œuvre puissante, romanesque et politique, d’une grande maîtrise.

2 / Résurrection (Bi Gan)

Un voyage au bout du rêve, un véritable poème visuel, qui brouille la perception de l’espace et du temps qui met le spectateur sous hypnose. Il constitue un plaisir de chaque instant.

3 / The Brutalist (Brady Corbet)

Film d’une impressionnante fluidité, d’une incroyable densité qui impose Brady Corbet comme un cinéaste de premier rang. Une fresque sur l’Amérique et ses démons, son mensonge et sa désillusion.

4 / Jeunesse (Les Tourments) et (Retour au pays) (Wang Bing)

Wang Bing a filmé, entre 2014 et 2019, 2 600 heures de rushes dans des ateliers à Zhili, non loin de Shanghai. Une fresque documentaire essentielle sur la jeunesse chinoise travaillant dans le textile, portrait remarquable d’une Chine capitaliste.

5 / La Chambre de Mariana (Emmanuel Finkiel)

Le cinéaste évoque une nouvelle fois la Shoah en adaptant Aharon Appelfeld. Interprété par Mélanie Thierry dans l’un des plus beaux rôles, La Chambre de Mariana est une très grande réussite.

6 / Une Bataille après l’autre (Paul Thomas Anderson)

Une leçon de cinéma signée Paul Thomas Anderson. Un film fou, ambitieux et d’une maitrise impressionnante, porté par un Leonardo DiCaprio impérial. Portrait passionnant de l’Amérique contemporaine.

7 / Mektoub my Love : Canto Due (Abdellatif Kechiche)

Le retour sur les écrans du cinéaste de La Vie d’Adèle. Kechiche réalise un 3^e volet sensuel et lumineux, passant d’un genre à un autre avec une belle aisance. Chronique de la banalité du quotidien portée par une formidable mise en scène.

8 / Bonjour la langue (Paul Vecchiali)

Ultime film de Paul Vecchiali mettant en scène la relation entre un père et son fils, clin d’œil à Godard et déclaration d’amour au cinéma, aux acteurs. L’un des plus beaux et des plus émouvants longs métrages d’un cinéaste trop peu connu.

9 / Fantôme utile (Ratchapoom Boonbunchachoke)

Un premier long métrage formidable, d’une grande originalité, qui renouvelle le film de fantôme par un scénario remarquablement écrit, une fable politique et burlesque d’une belle acuité. Découverte d’un cinéaste.

10 / Oui (Nadav Lapid)

Un véritable uppercut cinématographique, tant au niveau de la forme que du fond. Dans la lignée de ses récents derniers films, le cinéaste passe à la moulinette de sa caméra la société de son pays, jetant un regard sans concession sur Israël.

Mentions spéciales : L’invasion, La mer au loin, Imago, Kouté Vwa, L’Engloutie, The Neon People, Je n’avais que le néant, Les Linceuls, Les Feux sauvages, La Petite dernière

• KEVIN CORBEL

1. Résurrection de Bi Gan
2. La Voix de Hind Rajab de Kaouther Ben Hania
3. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez
4. Magellan de Lav Diaz
5. Valeur sentimentale de Joachim Trier
6. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson
7. L’Engloutie de Louise Hémon
8. Escape from the 21st Century de Yang Li
9. Sinners de Ryan Coogler
10. L’Amour c’est surcôté de Mourad Winter

• SEBASTIEN LAMOTHE

Honneur à un road-movie mystique – Sirāt  – parce que le cinéma est avant tout un voyage intérieur. Deux films brésiliens – L’agent secret et Je suis toujours là – dans ce top qui ont pour point commun de se dérouler à l’époque de la dictature militaire: besoin de faire resurgir le passé pour mieux appréhender l’avenir. Deux films aussi qui exaltent l’adolescence – Young hearts et Les enfants rouges – dans ce qu’elle a de plus brave et de plus rayonnante: une leçon pour le monde adulte. Deux films politiques qui se penchent sur un passé plus ou moins récent et prennent parti pour la liberté des peuples: le peuple congolais et la figure de proue de son indépendance, Patrice Lumumba – Soundtrack to a Coup d’Etat – un peuple palestinien menacé par la destruction et qui souffre sous le regard médusé du monde – Put your soul on your hand and walk. N’oublions pas un film de genre parmi tout cela qui ne détonne pas dans notre liste tant il apparaît novateur et efficace.

1. Sirāt d’Olivier Laxe
2. Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez
3. L’agent secret de Kleber Mendonça Filho
4. The Brutalist de Brady Corbet
5. Je suis toujours là de Walter Salles
6. Young hearts de Anthony Schatteman
7. Put your soul on your hand and walk de Sepideh Farsi
8. Les enfants rouges de Lotfi Achour
9. Les maudites de Pedro Martin-Calero
10. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson

• PIERRE LARVOL

1. Arco de Ugo Bienvenu
2. Sirāt d’Oliver Laxe
3. Reflet dans un diamant mort de Bruno Forzani, Hélène Cattet
4. La trilogie d’Oslo / Désir de Dag Johan Haugerud
5. Magellan de Lav Diaz
6. Amélie et la métaphysique des tubes de Mailys Vallade, Liane-Cho Han
7. L’Amour qu’il nous reste de Hlynur Palmason
8. Miroirs no.3 de Christian Petzold
9. Substitution – Bring Her Back de Michael Philippou, Danny Philippou
10. Chime de Kiyoshi Kurosawa

Mentions : Toxic de Saulė Bliuvaitė, The Ugly Stepsister d’Emilie Blichfeldt, Wallace et Gromit : La palme de la vengeance de Nick Park, Merlin Crossingham 

• POULET POU

1. Jeunesse (Retour au pays), de Wang Bing

L’humour accompagne le tragique — excellent passage du nouvel époux qui débute en couture, et qui en prend pour son grade —, et le montage dit tout, avec une ellipse finale qui, même si elle est attendue, impressionne durablement le spectateur par sa brutalité.

2. Imago, de Déni Oumar Pitsaev

Splendides vues des horizons montagneux derrière lesquels s’étend la Tchétchénie natale, réflexion sur la liberté vs. la famille, et le poids voire la pesanteur des traditions — mémorables séquences ’’entre femmes’’ sur fond de muezzin fatigué, puis entre hommes avec flingue —, évocation des blessures jamais refermées de la séparation des parents, ainsi que du traumatisme de la guerre et de l’exil, questionnement sur le cinéma ’’du réel’’, il y a tellement de choses qui se passent dans le film.

3. Un Simple accident, de Jafar Panahi

C’est juste super. OK l’auteur n’interprète pas sa partition de notable bienveillant — ce n’est plus l’heure —, et il n’y a pas non plus les habituels jeux méta réalité/fiction. Ceux-ci sont remplacés à certains moments par un parfum théâtral délibéré, fait autant pour tordre l’apparence de réalisme que pour synthétiser les enjeux, et qui m’a convaincu.

4. La Voie du serpent, de Kiyoshi Kurosawa

Le faux réalisme de cette sombre histoire de vengeance est le vecteur de ce qu’il faut bien appeler, poésie.

5. Les Linceuls, de David Cronenberg

Il s’agit peut-être, petit a, du Cronenberg le plus autobiographique, petit b, du plus hitchcockien, pensez Sueurs froides et sa femme double donc, et Fenêtre sur cour et sa pulsion scopique.

6. La Voyageuse, de Hong Sang-soo

D’une conversation banale, d’une interprétation musicale hésitante, d’un monument aperçu au détour d’une promenade, surgit soudain un questionnement intime, presque obscène — dont les correspondances d’un élève à l’autre amusent le spectateur habitué au principe de variations du cinéma de Hong.

7. Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche

J’ai beaucoup aimé l’ensemble, je veux dire, la peinture de la finitude de notre jeunesse insouciante, et les péripéties over-the-top que réserve la conclusion du film pour étayer son propos.

8. Kontinental’25 de Radu Jude

Passion remake, ici celui d’Europe 51 de Rossellini. Plus ou moins, car contrairement à ce qui arrivait à Ingrid Bergman chez RR, de nos jours l’illumination est refusée à la bourgeoise confrontée à la misère du monde. 

9. Ce n’est qu’un au revoir, de Guillaume Brac

Votre humble serviteur qui a passé enfance et adolescence à déménager peut en témoigner, comme le pressentent les héros de ce beau portrait documentaire de bandes de copains sur le point de se défaire pour cause de fin du lycée, difficile de garder le contact quand on ne se voit plus, malgré les serments aussi intenses que les amitiés. Guillaume Brac observe ses gracieux sujets avec beaucoup d’amour et une juste distance.

10. A House of Dynamite, de Kathryn Bigelow

Ce qui motive la grande Kathryn est la description des procédures prévues pour faire face à la crise — leur rationalité, aussi bien que leur inefficacité et leur absurdité.

Mentions spéciales pour Frantz Fanon, Aimer perdre, Le Cinquième Plan de La Jetée, Histoires de la bonne vallée.

• THOMAS POUTEAU

1 — Sirāt d’Olivier Laxe : la seule fois de l’année où j’ai entendu, de concert, mon cœur et mes yeux exploser en même temps. Une envie complètement irrationnelle d’y retourner plusieurs fois par jour.

2 — Soundtrack to a Coup d’Etat de Johan Grimonprez : un uppercut d’archives et de jazz où le sens et le son s’accordent à l’unisson. L’Histoire danse pendant que l’Occident magouille en coulisses.

3 — Julie se tait de Leonardo Van Dijl : un film qui comprend que le mutisme est parfois plus violent qu’un cri. Chaque plan est une gifle retenue, et c’est précisément pour ça que ça fait si mal.

4 — Mektoub my Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche : on ne l’attendait plus, et voilà qu’il revient de la plus belle des manières, offrant une ombre aussi brûlante que le soleil. Certes Kechiche, mais surtout sans doute les plus grands acteurs — actrices surtout — de l’année.

5 — Tardes de soledad d’Albert Serra : le soleil, le sang, la mort : Serra transforme l’arène en mausolée existentiel. On regarde l’homme face au néant, et le néant gagne toujours — avec élégance.

6 — Le Rire et le couteau de Pedro Pinho : un film qui regarde l’humanité de biais, à hauteur de corps fatigués et de désirs mal rangés. Chaque scène semble improviser sa cruauté avec élégance, laissant derrière elle une sensation trouble : celle d’avoir été séduit par quelque chose de profondément inconfortable.

7 — Kika d’Alexe Poukine : un mélange des genres comme la recette de la soupe à l’oignon de ma grand-mère. C’est subversif, ça titille les zygomatiques et, en même temps, profondément tragique.

8 — Harvest de Athina Rachel Tsangari : un monde rural filmé comme une fin du monde en costume d’époque. Chaque image sent la terre, la peur et la disparition imminente. Sans doute la meilleure scène d’ouverture de l’année.

9 — Put your soul on your hand and walk de Sepideh Farsi : un film qui te regarde droit dans l’âme et te demande ce que tu fais de ton corps. Radical, inconfortable, incandescent — il nous rappelle qu’en faisant taire une voix, Israël a rendu un sourire immortel.

10 — Black Dog de Hu Guan : même la Joconde au Louvre n’a pas un sens du cadre comparable à celui de Hu Guan. Un chien, un homme, une Chine toute azimut, en ruines morales : un film sec, tendu, d’une précision politique qui mord plus fort que n’importe quel discours.

Bonus : L’Aventura ; À bicyclette ; Eddington ; L’Evangile de la révolution ; Résurrection.

• DAVID SPERANSKI

1. La Trilogie d’Oslo : Rêves de Dag Johan Haugerud 

Renouant avec les cycles cinématographiques qui avaient été initiés par Eric Rohmer (Six contes moraux, Comédies et proverbes, Contes des quatre saisons) et Krzysztof Kieślowski (Le Décalogue, Trois Couleurs), Dag Johan Haugerud signe cette année une Trilogie d’Oslo qui fait date et écho à une autre Trilogie d’Oslo, celle de Joachim Trier (Nouvelle donne, Oslo 31 août, Julie (en douze chapitres) ). Ours d’or au Festival de Berlin cette année, décerné par le jury de Todd Haynes (Carol, Loin du Paradis), Rêves est sans doute le volet le plus poétique, vibrant et brillant de la Trilogie, déclenchant de multiples et profondes interrogations sur la fiction et la création, le mensonge et la vérité, l’amour, la sexualité et le genre. D’où son importance fondamentale.

2. Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson

A la fois blockbuster grand public, comédie d’action, acte politique plus qu’engagé contre le suprémacisme blanc et la présidence trumpiste, et bien évidemment prolongement des thématiques de son oeuvre devenue monumentale en quelques années, Une Bataille après l’autre de Paul Thomas Anderson prend tous les risques et réussit sur tous les tableaux. Un pari d’une insolence et d’une audace rares dans le cinéma américain contemporain.

3. Valeur sentimentale de Joachim Trier

L’art, la famille, le conflit. Dans les années 60 et 70, Bergman exprimait ces thèmes de manière extrêmement violente (Cris et Chuchotements, L’Heure du Loup). Aujourd’hui, dans notre ère post-#MeToo, Joachim Trier possède sa propre manière d’exposer et de résoudre ces problèmes de manière souterraine et apparemment apaisée, ce qui fait de Valeur sentimentale une oeuvre a priori classique et unanimiste mais traversée par de profonds soubresauts et d’insondables vertiges.

4. Sirāt d’Olivier Laxe

Talent pourtant remarqué avec Mimosas et Viendra le feu, Oliver Laxe accomplit un pas de géant (qu’il est réellement dans la vie) avec Sirāt, une oeuvre qui capte l’air du temps comme rarement, un air où fusionnent spiritualité, techno et visions apocalyptiques. A la fois intimiste et spectaculaire, un film de chevet pour mieux appréhender notre époque dysfonctionnelle.

5. Le Rire et le couteau de Pedro Pinho

C’était le film le plus long du Festival de Cannes de cette année. Mais il n’a fait reculer que les âmes peu téméraires. Car, embrassant dans un même mouvement la politique, l’économie et la sexualité, le film semble condenser dans ses 3h37 la dilatation rivettienne du temps, la sensorialité atmosphérique d’un Albert Serra, le marivaudage transgenré d’un Almodóvar et le caractère labyrinthique du collectif El Pampero. En effet, d’un tel film, on ne sort pas indemne.

6. The Brutalist de Brady Corbet

Fresque viscontienne ou coppolienne, s’étalant sur quinze voire quarante ans, The Brutalist s’impose par son ambition peu commune de décrire le sort des immigrés juifs aux Etats-Unis et sa direction d’acteurs déjà exemplaire (Adrien Brody, Guy Pearce, Felicity Jones, Raffey Cassidy, tous exceptionnels). Jeune cinéaste (seulement trois films), ex-comédien chez Haneke ou Lars von Trier, Brady Corbet peut aller très loin s’il parvient à maîtriser et canaliser son ambition dans une forme esthétique achevée.

7. Avatar : de Feu et de Cendres de James Cameron

C’était il y a trois ans, à l’époque de la sortie d’Avatar : la voie de l’eau. James Cameron confirmait qu’il était le seul cinéaste à pouvoir nous faire débourser quelques euros supplémentaires de manière justifiée pour des lunettes 3D. Trois ans plus tard, avec toujours la même maestria de mise en scène, James est toujours le seul à nous faire embarquer pour Pandora, afin de nous montrer comment une famille survit et se renforce à travers les épreuves, et comment la jeune génération finit par trouver son identité et son indépendance. Dire qu’il faudra attendre quatre ans pour connaître la suite…

8. La Voyageuse de Hong Sang-soo

On croit que tous les Hong Sang-soo se ressemblent. En apparence, c’est vrai : discussions quasi-philosophiques, démonstrations d’ivresse à table, des situations qui se répètent sans qu’on puisse réellement démêler la part de poésie, celle de symbolique et celle du réel. Pourtant rien n’est plus faux, surtout quand Isabelle Huppert est là. Elle semble réguler les choses alors qu’en fait elle les dérègle, pour le plus grand bien de la fiction.

9. Mektoub My Love : Canto Due d’Abdellatif Kechiche

Huit ans qu’on attendait la suite des aventures d’Amin, Ophélie, Tony, Céline…Rien que pour cela, ce deuxième volet, après l’Intermezzo escamoté, représente déjà un petit miracle. C’est une sorte de jumeau sombre du Canto Uno. La lumière de Sète brille encore mais ne va pas tarder à assombrir la tournure des destins : les agneaux meurent, l’avenir ne ressemble plus à un été permanent, constitué de danses effrénées et de séances de bronzage sur la plage.

10. Mickey 17 de Bong Joon-ho

Carton en France, dépassant le million d’entrées, faisant juste un peu moins que Parasite, ce film traîne une mauvaise réputation de satire du trumpisme et de notre époque en général. Pourtant, il n’est pas difficile de deviner qu’il sera rapidement réhabilité, une fois que l’après-Parasite se sera dissipé, condamnant forcément son successeur à une réception moins favorable. Comme pour Une Bataille après l’autre, on peut penser à l’esprit jubilatoire de certains Kubrick (Docteur Folamour, Orange mécanique, Full Metal Jacket).

Mentions spéciales : Magellan, The Chronology of Water, Kika, Alpha, Un Parfait inconnu, The Phoenician Scheme, Franz K., L’Epreuve du feu, Sorry, baby, Eddington.  

L’article Top Cinéma 2025 : Sirāt, The Brutalist, Soundtrack to a Coup d’Etat, Une Bataille après l’autre, les films préférés de la rédaction est apparu en premier sur MovieRama.

Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

• MARGAUX BALLAND

– Rosalía — LUX (vinyle), chez Columbia : un double LP sorti en novembre 2025, mêlant orchestration symphonique, mystique féminine et expérimentation pop — très inspiré et conceptuel.

– Arco : un film (livre), chez Denoel Graphic : le livre qui accompagne le long-métrage d’animation d’Ugo Bienvenu, plein de visions futuristes créatives, d’humanité et d’espoir — parfait pour les amateurs de cinéphilie engagée.

– La nuit retrouvée – Lola Lafon & Pénélope Bagie, chez Gallimard BD : bande dessinée toute en émotion – un récit sensible, féministe et poétique.

– Nosferatu (Blu‑Ray 4K), chez Universal : la réinterprétation de Robert Eggers avec Bill Skarsgård, sublimée dans une édition 4K + Blu-ray.

– Twin Peaks – From Z to A (Coffret Blu‑Ray), chez Paramount Pictures France : l’intégrale mythique de Twin Peaks (saisons 1 & 2 + The Return) en coffret 19 disques — pour plonger dans le mystère infini et l’absurde lynchien.

• HANNA HROMOVETSKA

Un puzzle représentant l’ensemble des films produits par A24 — un cadeau idéal pour les cinéphiles et/ou les fans d’A24, à savourer pendant les fêtes en compagnie de personnages familiers et de scènes emblématiques.

Une sélection des films nommés à l’IDA Award du meilleur long métrage, désormais disponibles en streaming gratuit. Bien que cela ne soit pas présenté comme un cadeau à proprement parler, il s’agit d’une occasion exceptionnelle de découvrir les nommés de l’un des plus prestigieux festivals de documentaire.

Avec l’ouvrage classique de Brian Raftery, 1999 a été gravée dans l’histoire du cinéma comme… tout simplement la meilleure année. Le livre comporte néanmoins une erreur notable : il considère 1999 comme la dernière année du XXe siècle. En réalité, cette dernière était 2000, et à la lumière de ce fait, il pourrait être intéressant non seulement de relire ce classique intemporel, mais aussi de dresser sa propre liste du premier quart du XXIe siècle, qui s’achèvera ce mois de décembre.

Autre pièce incontournable, mais cette fois pour ceux qui s’intéressent davantage aux concepts académiques du cinéma : le célèbre Film Theory: An Introduction through Senses de Thomas Elsaesser et Malte Hagener. Véritable méta-analyse encyclopédique des principales théories cinématographiques jusqu’à sa date de publication (2015), combinée à une approche originale fondée sur les sens, ce livre est un indispensable dans la bibliothèque de tout amateur de cinéma.

Enfin, mais non des moindres — le nouveau roman de Karine Tuil, La guerre par d’autres moyens. Bien qu’il ne soit pas directement lié au cinéma, cet ouvrage propose une plongée captivante dans la politique française contemporaine et… dans les coulisses de l’industrie cinématographique. Une lecture idéale pour celles et ceux en quête d’un bon livre, ponctué de scènes du Festival de Cannes et d’autres allusions pertinentes.

Cette année, nous quittons enfin le premier quart du XXIᵉ siècle, mais il y a peu de chances que nous prenions congé de certaines tendances du cinéma contemporain : les confessions messianiques des auteurs européens, le cinéma documentaire manipulateur, les chefs-d’œuvre passés inaperçus et l’exploitation de la sexualité féminine sur grand écran. Puissions-nous au moins avoir nos proches à nos côtés — pour partager ces expériences avec eux et, espérons-le, être témoins des nouvelles découvertes audacieuses que le cinéma moderne a encore à nous offrir.

• XAVIER AFFRE

1/ Napoléon vu par Abel Gance (1927)
De l’enfance à Brienne à la campagne d’Italie, en passant par la Révolution française, l’épopée napoléonienne dans toute sa splendeur et sa démesure. L’un des plus grands films de l’histoire du cinéma, dans une version reconstruite et restaurée par la Cinémathèque française sous la direction de Georges Mourier. Une œuvre marquée par des audaces visuelles et des prouesses techniques.
Potemkine Films, 25 novembre 2025. Édition collector – 4K Ultra HD + Blu-ray –
Grande version restaurée (99,90 euros) / Ed. Blu-Ray (44,90 euros) / Ed. DVD (34,90
euros).

2 / Shoah de Claude Lanzmann (1985)

Inscrit au Registre international Mémoire du monde de l’UNESCO, cette œuvre titanesque, d’une durée de près de neuf heures et trente minutes, est le fruit d’une douzaine d’années de recherches. Claude Lanzmann choisit de donner la parole aux témoins des centres de mise à mort pour parvenir à raconter l’indicible génocide des Juifs d’Europe par les nazis durant la Seconde Guerre mondiale. Indispensable.
MK2 Films / 18 novembre 2025 / DISPONIBLE POUR LA 1RE FOIS EN BLU-RAY
(avec en bonus l’excellent documentaire de Guillaume Ribot, « Je n’avais que le
néant ») – 60 euros

3 / Les Guerres de Lucas, volume 2

Ce deuxième volet de la trilogie Les Guerres de Lucas relate l’histoire oubliée du véritable calvaire qu’a été la production de L’Empire Contre-Attaque. Une descente aux enfers qui manquera de détruire Lucas. Un Tome 2, truffé de révélations où s’invite, le temps d’une parenthèse enchantée, le récit de la création d’Indiana Jones.
Laurent Hopman, Renaud Roche – Éditions DEMAN, 208 pages, oct. 2025 (25,90
euros)

4 / La Chambre de Mariana (Emmanuel Finkiel)

Dernier long métrage d’Emmanuel Finkiel, adaptation du roman La Chambre de Mariana d’Aharon Appelfeld. Après « Voyages » et « La Douleur », le cinéaste évoque une nouvelle fois la Shoah dans un film majeur et magnifique porté par Mélanie Thierry.
Ad Vitam. DVD / Blu-ray – Septembre 2025 (19,99 euros)

5 / The Brutalist (Brady Corbet)

Film-fleuve d’une belle fluidité et très dense, « The Brutalist » impose Brady Corbet en cinéaste passionnant, et sa fresque en grand film sur l’Amérique, son mensonge et sa désillusion. L’un des grands longs métrages de 2025. Universal – DVD / Blu-Ray / 10 – 15 euros

• KEVIN CORBEL

Napoléon vu par Abel Gance (1927, Potemkine)

Objet de fascination depuis le triomphe de sa première projection en 1927, l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma aura connu plusieurs variantes, entre autres disparition et résurrection, jusqu’à la « Grande Version » voulue par Gance, reconstruite et restaurée par la Cinémathèque française sous la direction de Georges Mourier.

La machine à remonter le temps de Retour vers le Futur, chez Lego

Un superbe cadeau pour enfants et adultes nostalgiques, qui peuvent construire avec confiance grâce aux outils de visualisation en 3D et suivi de la progression de l’appli LEGO Builder. Contient 357 pièces.

« One Battle after another. Original motion picture soundtrack » de Jonny Greenwood (Nonsuch).

Avec « One Battle After Another« , Jonny Greenwood (Radiohead, The Smile) signe une bande originale tendue et inventive, interprétée par l’artiste multi-instrumentiste au piano, à la guitare, à la basse, aux percussions, et aux ondes Martenot, le tout accompagné du London Contemporary Orchestra sous la direction de Hugh Brunt. Ces 18 nouvelles compositions accompagnent le nouveau film de Paul Thomas Anderson sorti en salles le 24 septembre, comédie d’action portée par Leonardo DiCaprio, Sean Penn et Benicio Del Toro, où un ancien révolutionnaire part à la recherche de sa fille disparue.

Future Boy, l’autobiographie de Michael J. Fox (Hors Collection).

Avec des témoignages inédits de l’équipe et de vibrantes anecdotes, Michael J. Fox offre aux fans un voyage irrésistible dans les coulisses d’Hollywood. Un livre qui raconte autant l’histoire d’un acteur devenu icône que celle d’une œuvre transmise de génération en génération. Un récit culte sur la naissance d’un mythe cinématographique.

Twin Peaks Porte-clés de la chambre 315 de l’hôtel Great Northern
Inspiré du design classique des porte-clés de motel d’époque, le porte-clés Great Northern Hotel Room #315 vous permettra de commencer votre propre enquête sur un meurtre lorsque vous vous rendrez dans la chambre de l’agent Cooper au Great Northern Hotel.

• QUENTIN ELUAU

L’Oeuvre de Lovecraft – Terreur cosmique et angoisse humaine de Ludovic Guichard aux Third Editions.

Un livre retraçant la vie de Lovecraft et tout ce qui a pu jouer un rôle dans la création de ses œuvres et de son univers très particulier.

Le site Replicapropstore : https://www.replicapropstore.com/

Le site parfait pour obtenir des répliques d’accessoires de films en tout genre. Qui n’a jamais rêvé d’avoir un cadre avec la photo finale de « Shining » ou encore le portefeuille « Bad Motherf*cker » de Pulp Fiction ?

Les Soprano – L’intégrale 6 Saisons [Blu-Ray], créée par David Chase, chez HBO/Warner Bros Video,

Après « The Wire » l’année dernière, je vous propose cette année l’intégrale de la série « The Soprano« . Si vous avez aimé n’importe quel film de gangsters de Martin Scorsese (et plus particulièrement « Les Affranchis« ), cette série est pour vous.

• PIERRE LARVOL

Les Maitres du temps de René Laloux, édition Blu-ray (Tamasa Distribution)

En 1982, les maîtres du temps ce sont eux : le cinéaste René Laloux et l’artiste Moebius, embarqués ensemble dans un formidable voyage au-dessus du cinéma d’animation français. Plusieurs décennies plus tard, le vaisseau double triangle 22, flambeau neuf, reprend du service avec une nouvelle restauration 4K du film. A (ré)découvrir d’urgence !

Lumines Arise – Jeu vidéo sur Playstation 5 et Steam (dématérialisé uniquement)

Endormie, mais pas oubliée, la licence Lumines revient cette année avec un épisode chapeauté par le concepteur du génial Tetris Effect, Tetsuya Mizuguchi. Plus qu’un jeu de puzzle, c’est une véritable expérience sensorielle. Immersion garantie en réalité virtuelle !

L’album The BPM de Sudan Archives (STONES THROW RECORDS)

Entraînant, original et magnifiquement produit, le dernier album de la musicienne Brittney Parks ne trahit pas son titre : dès le premier titre, on tape du pied au rythme du BPM.

Métal Hurlant – Coffret : N°1 à 4 (Les Humanoïdes Associés)

En collaboration avec le réalisateur du très beau Arco, Ugo Bienvenu, le magazine français Metal Hurlant est sorti de sa longue torpeur en 2021. Dix-sept numéros plus tard, les fans de BD de science-fiction continuent de se régaler. Le dernier numéro consacré aux hôtels est un joli cadeau à lire… entre deux escales. Pour les nostalgiques de l’Overlook Hotel !

THOMAS POUTEAU

Le Sud de Victor Erice : Pour la première fois en France, vous pourrez découvrir l’un des chefs-d’oeuvre de Victor Erice, Le Sud, soit en Blu-ray à partir de décembre grâce à l’éditeur vidéo Le Chat qui fume, soit sur grand écran dès janvier 2026 grâce au distributeur Les Acacias. Offrir Erice, c’est offrir un secret : celui d’un cinéma qui ne cesse de s’écrire après le générique.

Le DVD Anora chez Le Pacte vidéo (avec bonus) : 
Le meilleur film de 2024 est désormais disponible en DVD. Sean Baker filme la débrouille, les rêves cassés et l’énergie brute de celles et ceux qu’on regarde trop peu. Avec une édition riche en bonus, on plonge davantage dans le geste vibrant d’un cinéaste qui sait faire du chaos une fête.

La BD Pour une fraction de seconde – La vie mouvementée d’Eadweard Muybridge :
Avant le cinéma, il y a eu le mouvement, et avant le mouvement, il y a eu Muybridge : un homme qui voulait arrêter le temps pour mieux le montrer. Cette BD haletante raconte sa vie d’inventeur, de pionnier et de personnage romanesque malgré lui, le tout avec humour et malice. Aux éditions Delcourt. 

Un abonnement à son cinéma local : un sourire à l’entrée, une programmation de qualité, un voyage pour quelques deniers : la féerie de Noël, c’est toute l’année, à quelques mètres ou kilomètres de chez vous. Soutenir une salle, c’est reconnaître un savoir-faire, pérenniser des emplois, participer au dynamisme de son territoire, le tout en se divertissant, en s’émancipant.

Le livre-photo : Les Yeux de Gaza de Fatma Hassona aux Editions Textuel : 
Prolongement bouleversant du film Put Your Soul on Your Hand and Walk, ce livre rassemble les images et les mots de la jeune photographe palestinienne Fatma Hassona, assassinée en avril 2025. Construit comme un journal, il témoigne de son courage à documenter l’horreur quotidienne à Gaza et de sa volonté farouche de laisser au monde des images qu’aucune propagande ne pourra ensevelir.

• DAVID SPERANSKI

Claude Chabrol – Première vague, Edition Blu-ray (Tamasa Distribution).

Avec ce coffret de référence, Tamasa rassemble enfin les grands films de l’une des meilleures périodes de Claude Chabrol : la période pompidolienne (1968-1973) où Chabrol a enchaîné chef-d’oeuvre sur chef-d’oeuvre. Sept au total tous rassemblés dans ce coffret : Les Biches, La Femme infidèle, Que la Bête meure, Le Boucher, Juste avant la nuit, La Rupture, Les Noces rouges. Plusieurs caractéristiques communes rassemblent ces films : tous produits par André Génovès, la plupart -tous sauf Que la Bête meure– interprétés par Stéphane Audran, épouse de Chabrol à l’époque, et souvent coscénarisés par Paul Gégauff. Proposés en version restaurée, ces films sont commentés dans des bonus passionnants par Axelle Ropert, Bruno Podalydès, Bong Joon-ho, Dominik Moll, Patricia Mazuy, Nicolas Pariser, Emmanuel Mouret, Lucas Belvaux, excusez du peu, ce qui montre toute l’influence et l’importance de Chabrol, le plus grand metteur en scène issu de la Nouvelle Vague.

Pierrot le fou, sous l’objectif de Georges Pierre de Gilles Botineau, Jérémie Imbert, Stéphane Lerouge, Philippe Sichler (Neva Editions).

Sorti en 1965, Pierrot le fou a soixante ans! Si pour vous, Pierrot le fou est, comme pour beaucoup, l’un des plus beaux films de l’histoire du cinéma, alliant poésie et rébellion, ce livre, rassemblant les photos magnifiques de Georges Pierre, photographe de tournage, ainsi que l’histoire des tribulations de la production du film, s’avère indispensable. Jean-Paul Belmondo et Anna Karina au zénith de leur jeunesse et de leur talent, Godard au sommet de son inspiration. La surprise consistera à lire les témoignages de Benoit Délépine, Patrice Leconte, Philippe Leguay, Bruno Podalydès et Jean-Marie Poiré, tous fans du film. Vous savez ce qu’il vous reste à faire.

Enigmes du 7e Art de @LaTheorieDeGraham (Editions Hoebeke).

Si les films à énigme vous passionnent, si vous considérez que les meilleurs films sont ceux qui ne révèlent pas tous leurs secrets et mystères et paraissent inépuisables, ce livre est fait pour vous. Par un sens de l’analyse très affûté, les auteurs vont décrypter des oeuvres cinématographiques ou sérielles qui vous ont souvent obsédé : Mulholland Drive, Inception, Game of Thrones, Midsommar, Magnolia, Retour vers le futur, Basic Instinct, Anatomie d’une chute, etc.

The Chronology of Water de Lidia Yuknavitch (10/18)

C’est le roman culte et féministe adapté cette année par Kristen Stewart, auparavant publié en France sous le titre, La Mécanique des fluides. Avec un style décapant et accrocheur, Lidia Yuknavitch nous raconte son histoire de fille abusée par son père, qui s’en est sortie grâce à la natation et la littérature. Une écrivaine qui intitule son dernier chapitre « la sagesse est une enfoirée » ne peut pas être mauvaise, loin de là. En lisant ce roman dense, grave et drôle à la fois, on s’aperçoit que Kristen Stewart en a parfaitement capté l’essence.

La Nouvelle Vague, un cinéma au masculin singulier, de Geneviève Sellier (Editions Amsterdam).

Initialement paru en 2005, ce livre s’était heurté à une levée des boucliers des tenants de la critique traditionnelle et de la politique des auteurs. Aujourd’hui, alors que cette même politique a fait apparaître ses dérives à travers des cas célèbres, il apparaît indispensable de redécouvrir cet ouvrage enfin réédité et absolument nécessaire dans un contexte post #MeToo. Même si on adore beaucoup d’auteurs de la Nouvelle Vague, ce petit livre, préfacé par Mona Chollet, et postfacé par Occitane Lacurie, apparaît comme un antidote idéal pour éviter de se livrer à un culte excessif et idolâtre des auteurs.

Nico, qui a peur d’être dans le noir, de Clémentine Boulard (Editions Le Boulon).

Chanteuse intermittente du Velvet Underground (on l’entend sur Femme Fatale, All tomorrow’s parties et I’ll be your mirror du fameux album à la banane), Nico est devenue ensuite la muse de Philippe Garrel puis une artiste à part entière en publiant entre cinq et dix albums cultes qui ne cessent d’influencer la musique rock. Elle n’a pas eu le temps d’écrire son autobiographie, avant de mourir d’un stupide accident de vélo. Clémentine Boulard imagine ce que ce texte aurait pu être. Grâce à sa connaissance intime et approfondie du sujet, on croirait écouter la voix de Nico nous raconter son histoire. A lire avant ou après le visionnage du Coffret Nico, réunissant cinq films rares de Philippe Garrel, paru également cette année aux Editions Re: voir, où l’on ne peut que constater la présence magnétique de l’artiste.

Yi Yi d’Edward Yang, Édition Prestige limitée – 4K Ultra HD + Blu-ray + goodies (Carlotta Films).

En 2000, rétrospectivement, la Palme d’or cannoise s’est jouée entre trois films, Dancer in the Dark de Lars von Trier, In the mood for love de Wong Kar-wai et Yi Yi d’Edward Yang. Lauréat du Prix de la mise en scène, Edward Yang aurait peut-être mérité la Palme pour ce monument d’émotion et d’humanité. Ce fut son dernier film car il mourut en 2007 d’un cancer. Quatre autres de ses films, In our time, The Terrorizers, Confusion chez Confucius et Mahjong, sont également édités en coffret par Carlotta. L’édition Prestige limitée rend parfaitement hommage à son chef-d’oeuvre, Yi Yi. Difficile en voyant ce film de ne pas se dire Yang Yang, c’est moi.

+ Bonus : car nous sommes entre nous et personne ne scrollera jusque-là :

Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, Edition Final Cut 4K Ultra HD + Blu-ray (Pathé).

Même si Megalopolis a un peu terni son prestige, Francis Ford Coppola demeure incontournable. Deux salves de sorties, en version restaurée et combo 4K UHD + Blu-ray, vont permettre de redécouvrir ses films dans des conditions optimales : tout d’abord le 19 novembre 2025, Apocalypse now Final Cut, Conversation secrète et Dementia 13 ; puis le 10 décembre 2025, Coup de Coeur (en versions cinéma et reprise), The Outsiders (en versions cinéma et The Complete novel) et enfin le trop rare Tucker, inédit en vidéo en France. L’occasion de passer toutes les Fêtes en compagnie de l’oncle Francis.

The Kingdom de Lars von Trier en Blu-ray. Intégrale des 3 saisons (Potemkine).

Alors qu’un nouveau film de Lars von Trier s’avère plus qu’incertain, pour raisons de santé, cette édition réunit pour la première fois les trois saisons de la série, plus connue sous le nom de L’Hôpital et ses fantômes. Cocasse, horrifique, fascinante, elle a d’abord été diffusée en 1994 puis en 1997, avant et après Breaking the waves, le premier coup d’éclat et chef-d’oeuvre cinématographique de LVT. En 2023, Lars von Trier a enfin donné une saison finale à sa série. Certains considèrent même que von Trier n’a jamais été meilleur que dans The Kingdom, à l’instar d’un certain David Lynch pour Twin Peaks.

La Trilogie d’Oslo (Rêves, Amour, Désir) de Dag Johan Haugerud (Pyramide Vidéo).

Cette année, Rêves de Dag Johan Haugerud a remporté l’Ours d’or à Berlin. Quelques mois plus tard, La Trilogie d’Oslo est sortie sur nos écrans français en juillet. Cet ensemble de trois films liés par des thématiques, à la manière des contes de Rohmer ou des cycles de Kieslowski, a définitivement marqué les esprits cette année. Si Rêves est assurément l’un des plus beaux films de 2025, un véritable chef-d’oeuvre, Désir et Amour ne déméritent pas et se bonifient à chaque vision comme le bon vin. Finir l’année en regardant cette trilogie ressemble à une certaine idée du bonheur.

L’article Cadeaux de Noël 2025 : les conseils de la rédaction de MovieRama est apparu en premier sur MovieRama.

Cette évolution du langage cinématographique est à décorréler d’une certaine idée du progrès, d’une connexion plus directe entre le messager, l’artiste et son destinataire, le spectateur. Trop souvent, certains cinéastes ont fait du médium un simple objet de divertissement, un jouet clinquant au langage criard, détourné de toute sincérité. Les exemples dans l’industrie contemporaine sont pléthoriques, ils ne sont pas nouveaux, mais pluricontinentaux, sans discrimination aucune. L’incompréhension peut être totale, la nullité aussi. Passons. Car une autre idée du cinéma persiste, fragile et essentielle : celle d’un art qui cherche encore à dire vrai, à se renouveler par l’intérieur de sa forme. 

Fait surprenant, le Festival de Cannes 2023 a révélé trois œuvres qui semblent traversées par un même souffle, une même idée de la grammaire cinématographique : Les Filles d’Olfa (Kaouther Ben Hania, 5 juillet 2023), Little Girl Blue (Mona Achache, 15 novembre 2023) et La Mère de tous les mensonges (Asmae El Moudir, 28 février 2024).

Ces trois films ont d’abord en commun d’être réalisés et écrits par trois femmes. Si cela n’est plus aussi exceptionnel actuellement — tant mieux — il est tout de même bon de le notifier. Trois femmes, scénaristes et réalisatrices, qui partagent également des origines maghrébines. Kaouther Ben Hania est Tunisienne, Mona Achache Franco-marocaine et Asmae El Moudir Marocaine. Autre lien, évident : la figure féminine inscrite dès leur titre — les filles, la petite fille, la mère — comme si chacune racontait la transmission d’un même fil, reliant les générations entre elles. À ce jeu des points communs, ajoutons leur nature documentaire, leur économie fragile, leur inventivité, leur propension à détricoter des nœuds familiaux et à exorciser, par le cinéma, un passé traumatique. 

Dans Les Filles d’Olfa, Kaouther Ben Hania brosse le portrait d’une mère tunisienne qui voit sa vie recouverte d’une ombre terrifiante le jour où ses deux filles aînées disparaissent. Pour combler leur absence, la réalisatrice convoque des actrices professionnelles, créant un dispositif de cinéma atypique où l’absence devient matière de cinéma. Ici, l’incarnation des sœurs disparues par des actrices. Là, dans Little Girl Blue, Mona Achache tente de percer le mystère du suicide de sa mère, Carole Achache. Pour ce faire, la réalisatrice utilise un procédé qui rappelle le précédent, non pas l’incarnation, mais la réincarnation de sa mère par l’actrice Marion Cotillard. Enfin, La Mère de tous les mensonges d’Asmae El Moudir reconstitue, avec les habitants de son quartier, une histoire sanglante de l’ère hassanienne. Dans un décor miniature fabriqué par son père, des poupées rejouent les traumatismes d’un peuple. 

Ces trois films s’écrivent au présent de leur propre création. Ils racontent, chacun à leur manière, un film en train de se faire : un processus de guérison, une catharsis en gestation. Dans Little Girl Blue, nous assistons à la rencontre de Mona Achache avec Marion Cotillard, l’actrice qui ne joue pas. Pas encore. Pas tout à fait mais la caméra tourne déjà. Pas dupe. Du bureau où elles se font face, Mona Achache extirpe des vêtements, une paire de chaussures, une paire de lunettes, un collier à perles, une perruque. Sous nos yeux, Marion Cotillard se transforme, prend les traits de Carole Achache, mère morte qui réapparaît à l’écran. On oublie la femme Cotillard, on oublie l’actrice qui s’efface. Les fantômes sont convoqués, la vérité discutée. Cette forme et ce langage intermédiaire, hybride, proche du making-of, met également en lumière ces femmes qui préparent des scènes en s’interrogeant sur leurs doutes, sur leurs motivations, sur les ressorts profonds qui sont les leurs ainsi que ceux des personnages qu’elles campent. Une scène qui semble anodine dit tout du projet : 

Marion Cotillard boit sur un divan. 

MONA ACHACHE — Ma mère faisait beaucoup de bruit quand elle buvait son thé le matin. 

Silence. 

MARION COTILLARD, surprise — Ah ! Mais je croyais qu’on faisait une petite pause là. 

Silence gêné. 

MONA ACHACHE — Non. 

Marion Cotillard boit bruyamment en aspirant. 

MONA ACHACHE — Après elle gardait la gorgée et après elle avale. 

Marion Cotillard recommence.

MONA ACHACHE — Je détestais ce bruit. 

MARION COTILLARD — Bah pourquoi le reproduire ? 

Le dispositif se révèle : la caméra tourne pendant que le jeu hésite entre le “pour de vrai” et le “pour le film”. Cotillard, Achache, la mère, la fille : toutes les frontières se dissolvent. 

Ces trois cinéastes construisent ainsi des contre-fictions, des films qui ne rejouent pas le réel, mais le recréent sous nos yeux. Héritières de Jean Rouch, de Godard et de Pierre Perrault, elles abolissent la frontière entre tournage et récit, allant jusqu’à apparaître dans leurs films respectifs. Ces trois documentaires semblent être les documentaires d’une fiction que les personnages se jouent à eux-mêmes.

Parce qu’il s’agit d’un cinéma minoritaire, au sens d’un cinéma venant des minorités — cinéma du monde, cinéma des femmes, cinéma documentaire — il tend à remettre en question son dispositif et à interroger ses propres moyens d’expression, précisément pour se les réapproprier. Ce déplacement formel n’est pas un geste d’avant-garde abstraite : il constitue l’une des manières pour ces films de reconquérir la possibilité même de dire leur histoire.

Gilles Deleuze, dans L’Image-temps, éclaire ce mouvement à partir de l’œuvre de Pierre Perrault. Il distingue la fiction — qui prétend au vrai — de la fabulation.

« Ce qui s’oppose à la fiction, ce n’est pas le réel, ce n’est pas la vérité qui est toujours celle des maîtres ou des colonisateurs, c’est la fonction fabulatrice des pauvres, en tant qu’elle donne au faux la puissance qui en fait une mémoire, une légende, un monstre. […] Ce que le cinéma doit saisir, c’est le devenir du personnage réel quand il se met lui-même à fictionner, quand il entre « en flagrant délit de légender », et contribue ainsi à l’invention de son peuple. »

Ainsi, poursuivant la pensée de Deleuze, il s’agit moins d’un cinéma de la vérité que
de la vérité du cinéma. C’est exactement ce que mettent en œuvre Les Filles d’Olfa,
Little Girl Blue et La Mère de tous les mensonges. Tous trois sont des documentaires
— souvent considérés comme le parent pauvre du cinéma en termes de production
— réalisés par des femmes, confrontées elles-mêmes à la difficulté d’obtenir des
postes de responsabilité ou de produire des films à budgets conséquents. D’où leur
présence à toutes les étapes du geste cinématographique : scénarisation,
réalisation, parfois interprétation. D’où la nécessité, aussi, de repenser les règles
pour les rendre habitables.

Ces trois œuvres témoignent d’un même élan : redonner au réel sa dimension de
création. À l’instar des premiers cinéastes qui, en découvrant un nouvel outil, ont dû
en inventer la langue, ces réalisatrices minoritaires réactivent aujourd’hui une
dynamique fondatrice : un alphabet qui redonne au réel la puissance de naître. Ainsi,
elles transforment le témoignage en invention, la douleur en geste, le souvenir en
mise en scène. En cela, elles inventent une langue commune — une maïeutique
cinématographique, où le cinéma ne représente plus la vie mais l’aide à naître à
nouveau. Voilà une libération de nos imaginaires, afin de ne plus considérer l’histoire
comme un fardeau, mais comme matière à création, et les blessures non comme
des souffrances, mais comme le meilleur appui d’une émancipation.

L’article De filles en aiguilles : la maïeutique d’une langue cinématographique commune entre Les Filles d’Olfa, Little Girl Blue et La Mère de tous les mensonges est apparu en premier sur MovieRama.

N.B. : cet article présente uniquement la première partie de l’interview de Sergi López. La seconde partie dans laquelle il s’exprime sur son accent espagnol (passage irrésistible), son travail avec Stephen Frears, sa place dans le cinéma français, etc., et donc la version intégrale de cette interview, seront publiées dans le numéro 1 de la revue MovieRama, à paraître début septembre, sur la rentrée cinéma 2025 et plus particulièrement les films de Cannes.

Sirāt est passé, si je me souviens bien, au début du Festival, le deuxième ou troisième jour de compétition?

Si, si (espagnol). Tout le monde nous disait que ce n’était pas bien, qu’il valait mieux passer à la fin parce que le jury, comme ça, se rappelle davantage. Et puis d’autres nous ont dit finalement, non c’est bien parce que Sirāt a un effet qui dure longtemps…

Ah ça, je peux vous le confirmer. On habitait à Cannes en colocation avec quatre ou cinq personnes et chacune revenait en disant, « Sirāt, oh my God! » (rires de Sergi). C’était un choc terrible…Vous, quand vous avez reçu le scénario, comment vous l’avez ressenti? Comment l’avez-vous sorti de la pile?

Parce que c’était une évidence. Je n’ai pas une pile de 150 manuscrits non plus! J’ai reçu ça et il n’y avait rien de ce que tu peux attendre dans un scénario. Moi je ne suis pas cinéphile, je ne lis pas beaucoup…

Comment ça, vous n’êtes pas cinéphile?!

Si, si, je t’assure (Sergi est passé directement au tutoiement). Tu peux me poser des questions, tu vas voir, je ne connais pas grand’chose. Moi, c’est par les gens qui m’entourent, qui me conseillent, qui, eux, sont très cinéphiles…Ce sont ceux avec qui je travaille. Moi je n’ai pas une culture cinématographique très forte et pourtant, j’ai une connaissance du cinéma par la pratique. Je lis un scénario et je sens tout de suite les codes, tu devines très vite ce qui va se passer, même si c’est bien écrit. Encore pire si ce n’est pas bien écrit. Quand j’ai lu Sirāt, je me suis dit « c’est quoi ce truc? » Au départ un père cherche sa fille et puis le film change, évolue vers quelque chose de plus spirituel…Et il change à nouveau. Il y a plein de choses qui te surprennent et quand tu finis le film, cela ne ressemble à rien de ce que tu avais prévu. Tu ne peux pas vraiment le définir. Quand je l’ai lu la première fois, je l’ai beaucoup aimé mais il y a une douleur très explicite au centre du film. Je me demandais si je pouvais la jouer. Quelque chose d’aussi brutal, d’aussi frontal. Je craignais qu’on trouve ça obscène. Je pensais que ce serait mieux, filmé de loin. Et puis, c’est comme pour tout, j’ai essayé, essayé et je pense avoir fait de mon mieux. J’ai des enfants mais je ne pense pas à eux quand je joue. C’est un jeu, il ne s’agit pas non plus de se faire mal.

Vous avez vu d’autres films d’Oliver Laxe, avant de tourner dans Sirāt?

On dit Latché, c’est la bonne prononciation. Oui, j’avais vu Viendra le feu. J’avais beaucoup aimé mais ce n’est pas ce qui m’a décidé.

Le film est plus proche en fait de Mimosas, son premier film de fiction?

Je l’ai vu après. Je lui ai dit, c’est la même chose. Il m’a répondu, oui, oui.

C’est la même chose moins la techno, moins les effets de la dernière demi-heure.

En fait, il avait écrit Sirāt avant. Mais comme il n’avait pas d’argent, il a changé de projet. Mimosas, c’est un peu comme Sirāt avec moins d’argent. Il y a déjà le désert, le Maroc, des voitures qui suivent des chemins.

Mais ce ne sont pas les films précédents d’Oliver qui vous ont décidé à tourner dans Sirāt?

Non, c’est le scénario. Comme je ne suis pas très cinéphile, c’est toujours comme ça, même si j’adore ce qu’il fait. Par exemple, au début de ma carrière, Bigas Luna, un grand réalisateur espagnol, très connu, m’a proposé un scénario. Je n’ai pas aimé le scénario alors que mon personnage était super, sympa. Je lui ai dit « je ne sais pas quoi faire car je n’ai pas aimé le scénario, peut-être que je ne l’ai pas compris« . Il m’a répondu (Sergi fait de grands gestes) : si tu ne le sens pas, ne le fais pas! J’admire les films qu’il a faits avant, et je ne voulais pas faire le pire film de sa carrière. Moi ça m’est égal, si c’est un grand ou petit réalisateur, ça m’est égal. Ce qui m’intéresse, c’est de faire de beaux films, avec de bonnes histoires. A la limite même, je peux jouer des personnages anecdotiques mais dans des films solides.

Au début, vous pensiez que cela allait être un mélodrame familial, avec un père qui recherche sa fille…

Et puis la vie vous emmène dans une autre direction…Au début, on se demande ce que fait ce type avec un accent dans le milieu des raves.

Vous êtes le seul acteur professionnel de la distribution et le premier avec qui Oliver Laxe a travaillé?

Si, si (espagnol). Il avait toujours travaillé avec des acteurs amateurs qui n’ont pas joué grand’chose auparavant, voire rien. Il m’a dit « c’est la première fois que je travaille avec un professionnel « . Il m’a pris certes parce que je suis un professionnel mais aussi parce que, quelque part, je peux me jouer moi-même. Quand j’ai commencé dans le métier, Manuel Poirier recherchait les gens pour ce qu’ils étaient. Donc j’ai commencé en me jouant un peu moi, Un mec espagnol, qui a l’accent, des choses proches de moi…

Dans le film de Dominik Moll, Harry, un ami qui vous veut du bien. c’est a priori assez loin de vous…(Sergi Lopez a obtenu le César du meilleur acteur pour ce rôle, Ndlr).

Dominik Moll, il m’a envoyé un message car il a vu le film hier, Sirāt. Au départ, quand Dominik Moll m’a proposé Harry, un ami qui vous veut du bien, il m’avait proposé l’autre rôle, celui de Laurent Lucas, le personnage du type qui essaie d’écrire, qui a une femme et des enfants…On répétait avec Dominik, on lisait les scènes. Et tout d’un coup, il m’a dit « qu’en penserais-tu si tu jouais Harry? ». Je lui ai répondu tout de suite : « je trouve ça super. » Parce que le scénario était formidable mais ma crainte, c’était que, dans le personnage d’Harry, il y ait un acteur où, de loin, on le voit arriver et on se dit tout de suite, on se méfie de lui, un brun ténébreux comme Laurent Lucas. C’était super que Harry ait l’accent espagnol, et dise « salut, je t’ai acheté un quatre-quatre« .

Cela justifie en plus le titre.

Exactement. Un ami qui vous veut du bien, qui fait plaisir, qui est sympa. Personne ne se méfie. C’est comme quand j’ai fait Une Liaison pornographique (Frédéric Fonteyne, 1999). Quand on te dit le titre, tu te dis que ça ne va pas être pornographique. Et pour Harry, ce n’est pas franchement un ami qui vous veut du bien, haha. Il y a de l’ironie, de l’humour.

Puisque vous êtes le premier acteur professionnel d’Oliver Laxe, comment vous a-t-il dirigé? Dirige-t-il d’ailleurs?

Il est très directif mais, avec toute mon amitié, il est un peu casse-couilles aussi! (rires). En fait, non pas casse-couilles…Il est très possédé par ce qu’il raconte, par le film, par l’histoire, par la spiritualité, et dans la mise en scène, il est très précis, rigoureux, il n’est pas dans la liberté de l’improvisation. Les acteurs, à part moi, n’avaient jamais joué avant mais ils étaient dirigés très précisément, comme des acteurs, en fait. Tu dois dire telle phrase exactement à tel endroit, c’est précis. Si on compare avec Manuel Poirier, les tournages avec Manuel, c’était davantage du cinéma-vérité. Avec Oliver, les cadres sont très élaborés, les placements très définis.

Sergi López, Stefania Gadda, Joshua Liam Henderson, Richard Bellamy dans Sirāt

Contrairement au film qui dévie, le metteur en scène ne dévie pas.

Exactement! Il montre une vie imprévisible mais lui, il a tout prévu! (rires). Je vais lui dire, haha.

Dans ses films, il y a un aspect spirituel qui ressort beaucoup. Dans Mimosas, c’est l’Islam qui est cité. Est-ce que cela se ressent dans sa mise en scène?

Cela se ressent. Car il en parle beaucoup, tout le temps. Quand on discute sur le scénario, quand on parle avec lui, quand on fait des répétitions. Il a fait des essais avec moi. Il m’a dit « tu es un acteur reconnu, je ne sais pas si tu vas accepter de faire des essais. Parce qu’il y a un autre acteur. » Je lui ai répondu « non, je veux bien faire des essais, pour voir si on s’entend bien. Car si on ne s’entend pas, cela ne sert à rien de faire le film ensemble« . Et donc à chaque fois, il y a cette idée spirituelle, il parle tout le temps de cela. Il est très possédé par cette histoire, par ce parcours spirituel. Il se nourrit beaucoup de cela. Après l’histoire, elle est comme ça…

C’est une métaphore. On n’est pas obligé de saisir l’aspect spirituel mais il est toujours là.

Moi j’ai l’impression que ce film, il est métaphorique et n’est pas métaphorique à la fois. Au départ, c’est un père à la recherche de sa fille et puis ça part sur autre chose. La fille, on l’oublie. Même lui, le père, on l’oublie. C’est le groupe, la famille qui avance.

C’est comme dans Mimosas, le fait de trouver un chemin.

Si, si. Et ça, c’est complétement spirituel. Il s’agit d’avancer vers une lumière, et de transcender l’aspect matériel.

La techno, c’est un peu votre type de musique ou pas du tout?

Non, pas du tout. Encore une fois, je ne suis pas très cinéphile, je ne suis pas non plus très mélomane. Mais j’écoute de la musique. J’ai découvert il n’y a pas très longtemps une radio française, FIP, qui passe un peu tout, de la techno, des chants populaires brésiliens, de la musique africaine, des percussions, du jazz…C’est toujours de la musique de qualité, quoi qu’ils mettent. Des chansons des années 30, de la musique pop, du rock. Mais toujours de la qualité. Donc pour moi, la techno, c’est pareil. J’ai fait parfois des raves, avec une dimension politique. Tu sens alors que la techno, c’est spirituel, cela travaille le corps à pas mal d’endroits.

Le travail sonore du film est hallucinant.

C’est une bonne partie de la magie du film. La première fois que je vois un film où j’ai joué, je ne vois que moi -alors qu’il n’y a pas que moi dans le film. Je vois les scènes qu’on a coupées, je me rends compte du montage, etc. J’ai besoin de voir le film trois, quatre, cinq fois pour oublier ma présence et être dans l’histoire. Alors que pour Sirāt, je l’ai vu la première fois sur un écran d’ordinateur, il y avait encore les fonds verts, la musique n’était pas encore complètement mixée. Et quand je l’ai vu à Cannes, la musique m’a complètement emporté. Je me souviens d’un plan du film, vu à Cannes, avec les camions qui partent en emportant la poussière de sable du désert. Il n’y a pas d’acteurs, pas de dialogues. Il y a seulement une image, un mouvement et tu as l’impression qu’il se passe quelque chose. C’est stupéfiant. Je ne l’ai vu qu’une fois dans sa version définitive à Cannes et j’étais scié! Je connaissais pourtant l’histoire, je savais tout ce qui allait se passer et pourtant…non vraiment la musique y est pour quelque chose dans cet effet extraordinaire que produit le film. C’est pour ça que c’est vraiment un film de cinéma, c’est vraiment formidable à voir sur grand écran.

Le dernier jour du Festival, vous êtes revenu pour le Festival de Cannes, pour le Palmarès?

Ah non, j’étais déjà à un autre festival qui durait trois jours, un festival de courts métrages. Donc je ne pouvais pas venir.

On vous l’a proposé quand même?

S’il avait été question de donner un prix à l’acteur du film, quelqu’un de la production aurait insisté et m’aurait dit « Sergi, il faut que tu viennes« . Mais ce n’était pas le cas. Donc c’était forcément un prix pour le film. Le reste de l’équipe est resté à Cannes. Il y avait aussi une rumeur que la Palme d’or était possible et puis finalement non.

Au bout du compte, Palme d’or ou pas, l’important c’est que le film ait été primé. Je ne sais pas si vous le savez mais Oliver Laxe a été primé pour tous ses films, ce qui est assez exceptionnel pour un jeune cinéaste.

Si, si, si, si (en espagnol). Les trois ou quatre films qu’il a faits, ils ont été tous primés à Cannes. Là, c’était la première fois pour la compétition de la Sélection officielle. Ce qui serait dommage maintenant, c’est qu’un jour il n’aura pas de prix, j’espère qu’il ne le vivra pas mal, tu vois. Car on peut être champion un jour, il arrivera toujours un moment où on ne le sera plus, ce n’est pas grave.

Le fait d’obtenir un prix, cela permet d’obtenir déjà une reconnaissance au début de sa carrière. Une fois qu’on est reconnu, on n’en a plus vraiment besoin.

Si, si (espagnol). Une reconnaissance. Peut-être une sortie américaine pour le film, etc.

Le film est coproduit par Pedro et Agustín Almodóvar. Cela ressemble presque à une sorte de transmission du témoin, d’une génération à une autre.

Oui, ils produisent pas mal de cinéastes espagnols. Ils sont assez pointus, ils produisent des auteurs. Ils s’intéressent à beaucoup de jeunes. Ils lisent pas mal de scénarios, étudient la filmographie des cinéastes, ce qu’ils ont fait avant.

Sirāt, c’est un peu l’Apocalypse, non?

Un petit peu, oui…ça part en couilles, haha (rires).

Ce n’est pas un peu éprouvant de vous vous retrouver dans ce climat-là?

Ah non, pas du tout. Pour moi, c’est bien, c’est du jeu, c’est toujours un plaisir. Cela t’a rendu malade?

Moi non, mais je connais des personnes qui ne pouvaient plus, qui n’osaient plus regarder l’écran à la fin.

Ah oui, elles avaient peur que l’écran explose, haha.

Elles avaient peur pour vous, surtout…

Le film parle de ça, en fait. On avance dans la vie et des choses inattendues peuvent survenir.

On peut penser que Sirāt révèle des choses sur le monde dans lequel on vit, que cela révèle des choses, en étant en phase avec notre époque.

C’est comme ce que je disais avant. J’ai l’impression que c’est un film à la fois métaphorique et pas métaphorique. Je m’explique, il est dystopique et en même temps il n’est pas dystopique. C’est tout le temps une dystopie. Il y a eu le Covid, ce n’était pourtant pas une bombe nucléaire mais TOUS ont dû rester immobiles. En même temps ce n’est pas dystopique. Car ce qu’on entend à la radio, c’est la guerre à un endroit ou à un autre, on ferme les frontières, il y a la queue, il n’y a pas d’essence, toutes ces violences latentes, etc. Tout cela, ce n’est pas dystopique, cela se passe réellement. Certains parlent déjà de Troisième Guerre Mondiale, c’est qu’on a l’impression qu’on s’approche et on avance vers quelque chose qui a peut-être déjà commencé, comme les personnages du film. On est tous dans le même train. On va où, là? On ne sait pas.

Le confinement, cela vous a marqué?

Je crois que cela a marqué tout le monde. Pour moi, pour tout avouer, c’était assez agréable. Je vivais à la campagne, il n’y avait personne, pas de voitures. Mais pour tout le monde, il y avait un pouvoir qui pouvait nous donner l’information que c’était dangereux de sortir dans la rue, qu’il valait mieux rester chez nous. Et qu’on nous oblige à le faire, et qu’on le fait. Tu ne peux plus sortir car il n’y a plus rien, tout est fermé. Je crois que, dans la tête des gens, on est tous traumatisés. On a fait semblant de vivre pendant quelques mois. Il y a comme un « reset » (une mise à jour) à faire et qu’on n’a jamais fait. Qu’on n’a pas fait car c’est impossible à faire. Pour faire un « reset », il faudrait passer à sac, examiner vraiment tout et cela fait peur. On ne veut pas se remettre en question, on ne veut pas mourir. Et le film touche car, dans toutes les générations aujourd’hui, il y a ce sentiment dans la tête, on avance mais on va où, au fond.

Oliver a déjà écrit ce scénario avant mais c’est mieux qu’il le tourne et le sorte maintenant.

Oui c’est mieux car à l’époque, il n’aurait pas eu le même effet. Pour citer un autre exemple, j’ai joué dans Les Derniers jours du monde des frères Larrieu. Il faudrait que je le revoie. Dix ans avant la pandémie, ils montrent un virus qui circule, la ville de Biarritz entièrement fermée, la police dans les rues, « c’est la fin du monde, mangeons des oeufs à la truffe« . Dix ans avant…C’est fou, le cinéma est vraiment prémonitoire parfois!

Propos recueillis par David Speranski le 2 juillet 2025

L’article Rencontre avec Sergi López, le héros de SIRAT : un acteur qui vous veut (vraiment) du bien est apparu en premier sur MovieRama.

En vérité, Cannes avait déjà accueilli lors des années précédentes post-confinement les plus grands noms possibles à l’heure actuelle : Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Paul Schrader, Marco Bellochio, Nanni Moretti, David Cronenberg, George Miller, Ken Loach, Wim Wenders. Cette année, après avoir visionné 2909 films (record absolu du nombre de films candidats à la compétition), il fallait changer de braquet et renoncer en partie à cette politique des signatures, celle que les journalistes déplorent en la qualifiant de régime de faveur accordé aux « habitués ». Frémaux et son équipe se sont sans doute aperçus cette année que les meilleurs films n’étaient plus signés par les plus grands noms, ce qui était déjà le cas depuis un moment. Qui aurait parié en effet sur Justine Triet en 2023 ou Sean Baker en 2024? Mais cette fois-ci, il n’était plus question pour Frémaux de planter un arbre gigantesque, style Coppola, pour cacher la forêt verdoyante de nouveaux talents. C’est donc sinon une politique de nouveaux auteurs, une politique des films, quels qu’en soient les auteurs, qui se trouve mise en avant.

Dans cette compétition, hormis les frères Dardenne qui font figure de vétérans, alors qu’ils n’ont que 25 ans d’ancienneté en Sélection Officielle, les plus âgés sont Mario Martone (65 ans), Jafar Panahi (64) et Richard Linklater (64) qui, sans leur faire injure, ne sont pas les cinéastes les plus identifiés par le grand public, pour employer un euphémisme. Derrière Sergei Loznitsa, Kelly Reichardt et Dominik Moll, se situant autour des 60 ans, on tombe sur des cinéastes de 55 ans dans la fleur de l’âge, Wes Anderson, Lynne Ramsay et Kleber Mendonça Filho. Par conséquent, tout le reste, soit la moitié de la sélection se trouve entre 35 et 55 ans, le plus jeune étant Saeed Roustaee.

Dans cette sélection, apparaissent donc en première ligne pour représenter leur pays, en l’absence des têtes de pont habituelles (Moretti, Bellochio, Kore-eda, Kawase), des cinéastes qu’on n’attendait pas forcément à pareille fête, Mario Martone ou Chie Hayakawa. L’effet est trop manifeste pour ne pas être totalement volontaire. Cette année, un tiers des entrants sur les 21 films de la compétition, connaissent ainsi leur première sélection. Si Iris Knobloch, la présidente du Festival de Cannes, voulait obtenir confirmation que Cannes sert prioritairement à révéler de jeunes talents, Frémaux lui a par avance donné raison, en mettant clairement cette édition du Festival sous le signe du renouvellement.

De même, Iris Knobloch, en tant que femme, est particulièrement attentive à la part des femmes réalisatrices dans la Sélection Officielle. Comme les femmes représentent 32% des 2 909 films visionnés (versus 68% pour les hommes), il ne saurait être question que la compétition ne reflète pas cet état de fait. C’est chose faite : avec 7 femmes réalisatrices, la compétition retrouve l’étiage de 2023, après une baisse significative en 2024 (4 femmes seulement retenues), ce qui représente exactement un tiers du nombre total des films (21).

Dans les thématiques traitées, Iris Knobloch souhaitait également que cette édition reflète l’ouverture et la diversité du monde, offrant une terre de lumière et d’accueil, voire d’asile aux cinéastes. C’est bien le cas. Les thématiques se divisent environ en quatre groupes approximativement équilibrés, certains étant néanmoins plus prépondérants que d’autres.

Dans le premier groupe, on retrouve ce qu’il est convenu d’appeler une réflexion sur un monde à la dérive, présentant des personnes de classe moyenne ou parfois marginales, voire déclassées (Sirat d’Oliver Laxe, Un simple accident de Jafar Panahi, Les Aigles de la République de Tarik Saleh). La description de communautés plus ou moins fracturées appelle à l’évidence un commentaire social et aussi politique, du moins de manière sous-jacente. Le retour dans le passé (les purges staliniennes de Deux procureurs de Sergei Loznitsa) permet un éclairage assez cruel sur le présent (la réalité actuelle de la Russie).

Dans le deuxième groupe, figurent ce qu’on pourrait qualifier de descriptions d’artistes au travail ou dans leur existence, qu’ils soient écrivains ou cinéastes, fictifs ou réels (Fuori de Mario Martone sur l’écrivaine Goliarda Sapienza, Nouvelle Vague de Richard Linklater sur le tournage mythique d’A bout de souffle de Jean-Luc Godard, l’un des films qui firent basculer le cinéma dans la modernité depuis 1960, Valeur sentimentale de Joachim Trier, sur un cinéaste fictif qui connut par le passé son heure de gloire, avec Renate Reinsve et Elle Fanning).

Le troisième groupe, rejoignant les préoccupations d’Iris Knobloch sur la place des femmes dans la société, rassemble tous les films qui traitent de la condition féminine, un groupe qu’on pourrait intituler Fille, femme, mère. C’est à l’évidence le groupe le plus prolifique de films, contenant les oeuvres écrites et réalisées par des femmes, avec un point de vue féminin, voire féministe, (La Petite dernière de Hafsia Herzi, Renoir de Chie Hayagawa, Die, my love de Lynne Ramsay, Sound of falling de Mascha Schilinski, Romería de Carla Simón) mais aussi les films réalisés par des hommes, plaçant au centre de l’équation le prisme féminin (Jeunes mères des frères Dardenne, Woman and child de Saeed Roustaee). Il faut remarquer que la maternité se trouve souvent questionnée et parfois malmenée (Die, my love, par exemple, sur le syndrome de dépression post-natale). Si l’on rajoute les films des autres sections de la Sélection Officielle, mis en scène par des actrices (Scarlett Johansson, Kristen Stewart, Joséphine Japy, Romane Bohringer), voire le film de Sébastien Lelio sur les féministes chiliennes, La Hola, force est de constater que cette année, le regard féminin sera à nouveau au centre du Festival de Cannes.

Enfin, le quatrième groupe concerne les films de genre. Le tabou est définitivement levé depuis la projection extrêmement marquante de The Substance (et la Palme de Titane). Le genre a définitivement acquis ses lettres de noblesse au Festival. Cette dénomination polysémique peut recouvrir plusieurs catégories de films : le thriller-film policier, plus ou moins hérité des grandes heures des années 70 (Agent secret de Kleber Mendonça Filho, Dossier 137 de Dominik Moll, The Mastermind de Kelly Reichardt), le western (Eddington d’Ari Aster, avec Joaquin Phoenix et Emma Stone, trouvant des échos de l’Amérique d’aujourd’hui dans une campagne d’élection municipale), le film fantastique ou d’horreur (Alpha de Julia Ducournau, avec Golshifiteh Farahani et Tahar Rahim, poursuivant sans crainte dans la voie d’un cinéma mutant) et enfin le film d’espionnage (The Phoenician Scheme de Wes Anderson, mais le film andersonien ne serait-il pas un genre à lui tout seul, avec ses règles et ses figures de style extrêmement spécifiques?) Evidemment, les frontières sont poreuses entre les différents groupes : par exemple, Eddington est à la fois un film de genre et un commentaire sur l’Amérique allant à la dérive ; Jeunes mères est en même temps un film sur la sororité féminine et une description assez clinique d’un monde en voie de désindustrialisation et en proie à la précarité sociale.

Cette synthèse, bien que sommaire, donne ainsi un rapide aperçu de l’éventail des thèmes diversifiés parcourus par les films de la compétition. Mais l’essentiel réside surtout dans la confiance accordée par Frémaux et son équipe à de talents jeunes ou peu connus, une confiance qui inspire une foi grandissante en l’avenir, dont beaucoup de politiques feraient bien de s’inspirer. Il faut espérer qu’ils ne se soient pas trompés sur le talent des cinéastes retenus. Nous serons là pour en juger. Mais en tout cas, le pari lancé par Frémaux est beau, mérite d’être souligné et apprécié à sa juste valeur : 2025, année cannoise des découvertes et du renouvellement.

Compétition

Film d’ouverture

PARTIR UN JOUR de Amélie BONNIN | 1er film – Hors Compétition

THE PHOENICIAN SCHEME de Wes ANDERSON

EDDINGTON de Ari ASTER

JEUNES MÈRES de Jean-Pierre et Luc DARDENNE

ALPHA de Julia DUCOURNAU

RENOIR de HAYAKAWA Chie

THE HISTORY OF SOUND de Oliver HERMANUS

LA PETITE DERNIÈRE de Hafsia HERZI

SIRAT de Oliver LAXE

NOUVELLE VAGUE de Richard LINKLATER

DEUX PROCUREURS de Sergei LOZNITSA

FUORI de Mario MARTONE

O AGENTE SECRETO de Kleber MENDONÇA FILHO
(L’AGENT SECRET)

DOSSIER 137 de Dominik MOLL

UN SIMPLE ACCIDENT de Jafar PANAHI

DIE MY LOVE de Lynne RAMSAY

THE MASTERMIND de Kelly REICHARDT

WOMAN AND CHILD de Saeed ROUSTAEE

LES AIGLES DE LA RÉPUBLIQUE de Tarik SALEH

SOUND OF FALLING de Mascha SCHILINSKI

ROMERÍA de Carla SIMÓN

SENTIMENTAL VALUE de Joachim TRIER

Un Certain Regard

LOVE ME TENDER de Anna CAZENAVE CAMBET

LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO de Diego CÉSPEDES | 1er film
(THE MYSTERIOUS GAZE OF THE FLAMINGO)

MÉTÉORS de Hubert CHARUEL

MY FATHER’S SHADOW de Akinola DAVIES JR | 1er film

L’INCONNU DE LA GRANDE ARCHE de Stéphane DEMOUSTIER

URCHIN de Harris DICKINSON | 1er film

HOMEBOUND de Neeraj GHAYWAN

A PALE VIEW OF HILLS de ISHIKAWA Kei

ELEANOR THE GREAT de Scarlett JOHANSSON | 1er film

KARAVAN de Zuzana KIRCHNEROVA | 1er film

PILLION de Harry LIGHTON | 1er film

UN POETA de Simón MESA SOTO

AISHA CAN’T FLY AWAY de Morad MOSTAFA | 1er film

ONCE UPON A TIME IN GAZA de Arab et Tarzan NASSER

O RISO E A FACA de Pedro PINHO
(I ONLY REST IN THE STORM)

THE PLAGUE de Charlie POLINGER | 1er film

PROMIS LE CIEL de Erige SEHIRI

LE CITTÀ DI PIANURA de Francesco SOSSAI
(UN DERNIER POUR LA ROUTE)

THE CHRONOLOGY OF WATER de Kristen STEWART | 1er film

TESTA O CROCE? de Matteo ZOPPIS, Alessio RIGO DE RIGHI
(HEADS OR TAILS?)

Hors Compétition

LA VENUE DE L’AVENIR de Cédric KLAPISCH

LA FEMME LA PLUS RICHE DU MONDE de Thierry KLIFA

HIGHEST 2 LOWEST de Spike LEE

MISSION: IMPOSSIBLE – THE FINAL RECKONING de Christopher MCQUARRIE

VIE PRIVÉE de Rebecca ZLOTOWSKI

Séances de minuit

LE ROI SOLEIL de Vincent Maël CARDONA

HONEY DON’T de Ethan COEN

DALLOWAY de Yann GOZLAN

EXIT 8 de KAWAMURA Genki

SONS OF THE NEON NIGHT de MAK Juno

Cannes Première

AMRUM de Fatih AKIN

SPLITSVILLE de Michael Angelo COVINO

MAGALHÃES de Lav DIAZ

LOVE ON TRIAL de Kōji FUKADA

LA OLA de Sebastián LELIO
(LA VAGUE)

CONNEMARA de Alex LUTZ

ÁSTIN SEM EFTIR ER de Hlynur PÁLMASON

ORWELL : 2+2=5 de Raoul PECK

DAS VERSCHWINDEN DES JOSEF MENGELE de Kirill SEREBRENNIKOV
(LA DISPARITION DE JOSEF MENGELE)

Séances Spéciales

ARCO de Ugo BIENVENU | 1er film

DITES-LUI QUE JE L’AIME de Romane BOHRINGER

MARCEL ET MONSIEUR PAGNOL de Sylvain CHOMET

BONO: STORIES OF SURRENDER de Andrew Dominik

QUI BRILLE AU COMBAT de Joséphine JAPY | 1er film

MAMA de Or SINAI | 1er film

AMÉLIE ET LA MÉTAPHYSIQUE DES TUBES de Maïlys VALLADE et Liane-Cho HAN | 1er film

L’article Cannes 2025 : analyse et décryptage de la Sélection Officielle. La politique des films est apparu en premier sur MovieRama.

Cette année, contrairement à l’année dernière qui bénéficiait d’un favori évident, Oppenheimer de Christopher Nolan, au moins cinq films sur les dix nommés pouvaient prétendre à la récompense suprême, l’Oscar du meilleur film : Emilia Pérez, The Brutalist, Conclave, Anora, Un Parfait inconnu. Chaque semaine ou presque, depuis l’ouverture de la période pré-Oscars, via la cérémonie des Golden Globes, un film différent prenait la tête de la course, en tant que nouveau favori potentiel. Nous vécûmes la polémique désormais fameuse sur les tweets de Karla Sofía Gascón, – prétexte de blagues ne prêtant guère à conséquences de Conan O’Brian, l’animateur de la soirée des Oscars -, celle sur l’utilisation de l’IA pour perfectionner l’accent hongrois des acteurs de The Brutalist, etc. Finalement, suite à la chute inéluctable d’Emilia Pérez, le duel entre les trois favoris tourna court assez rapidement, dès qu’Anora s’empara de l’Oscar du scénario original. Conclave, le souffle aussi court que celui du Pape François, abandonna la course dès l’obtention de l’Oscar de la meilleure adaptation, laissant The Brutalist jouer le rôle du seul challenger d’Anora. Pourtant le film de Brady Corbet, en dépit de ses trois récompenses (meilleure photographie, meilleure musique, meilleur acteur), ne fut jamais en position de menacer l’hégémonie d’Anora.

Le film de Sean Baker réussit ainsi une performance rare, remporter à la fois la Palme d’or et l’Oscar du meilleur film, ce qui n’a été accompli que trois fois auparavant par les films suivants, Le Poison de Billy Wilder (mais le Grand Prix, ancien nom de la Palme d’or, a été décerné en 1946 à 11 films), Marty de Delbert Mann (film très anodin ayant mal vieilli) et surtout Parasite de Bong Joon-ho en 2020. Depuis 2020, on assiste donc à un rapprochement de plus en plus évident entre Cannes et Hollywood, l’accueil des films à Cannes pavant une voie royale pour de possibles Oscars. Sean Baker accomplit surtout une prouesse exceptionnelle, en véritable homme-orchestre du cinéma, en remportant quatre Oscars à lui tout seul, comme scénariste, monteur, réalisateur et producteur. Sur 6 nominations, Anora en a transformé 5, le contraire absolu d’Emilia Perez (de 13 nominations à 2 prix) ou The Brutalist (de 10 nominations à 3 prix), manière de montrer de façon lapidaire que le nombre de nominations n’est pas forcément significatif.

Malgré les 4 Oscars glanés par la représentation française (2 pour Emilia Pérez, 1 pour The Substance pour ses coiffures et maquillages, 1 pour Flow, coproduction française, Oscar du meilleur film d’animation), la moisson s’avère bien moins prometteuse que prévu. Emilia Pérez, plombé par les tweets de Karla Sofía Gascón, une diffusion limitée aux Etats-Unis sur la plateforme Netflix, et une polémique supplémentaire sur la représentation soi-disant caricaturale du Mexique, sauve l’honneur avec deux récompenses (meilleur second rôle féminin pour Zoe Saldaña et meilleure chanson). Aurait-il fait beaucoup mieux sans ce qui, objectivement, jouait contre son succès? On ne le saura jamais. Seule Camille semble avoir mis du baume au coeur de tous les supporters du film, en entonnant un joyeux « oouh oouh« , clin d’oeil à Sympathy for the Devil des Rolling Stones, en se voyant remettre le prix de la meilleure chanson par un Mick Jagger toujours fringant, en dépit de ses 80 ans, Elle poursuivit en chantant a capella un mélancolique et vibrant « Emilia, Emilia« , qui émut sans nul doute les admirateurs du film.

Les principales surprises concernent malheureusement d’un côté l’Oscar du meilleur film international, échappant à Emilia Pérez et célébrant le beau et émouvant film brésilien, Je suis toujours là, de Walter Salles ; et surtout de l’autre, The Substance : Coralie Fargeat passe ainsi à côté de l’Oscar du scénario original qui couronne Anora et plus étonnant encore, pour l’Oscar de la meilleure actrice, Demi Moore, la grande favorite, se voit supplanter dans une sorte de remake live de The Substance par Mikey Madison, sa rivale plus jeune d’une quarantaine d’années. Les Oscars se sont montrés décidément bien cruels en faisant ainsi confirmer par la vie le message du film sur le jeunisme imposé. Pourtant, si l’on considère les lauréates des quinze dernières années, une dizaine relève davantage de l’âge mûr (Cate Blanchett, Michelle Yeoh, Frances McDormand, Jessica Chastain, Sandra Bullock, Renee Zellweger, Meryl Streep, Julianne Moore, Olivia Colman) que des jeunes pousses (Jennifer Lawrence, Brie Larson, Emma Stone). Demi Moore a en fait surtout manqué de chance en tombant sur l’année où Anora était porté par une vague irrésistible. Faisant contre mauvaise fortune bon coeur, elle n’a pas cillé, continuant à applaudir vaillamment, et n’a pas souhaité afficher sa déception qui devait être pourtant immense. On espère qu’elle s’en remettra.

Si l’on s’intéresse aux méandres du destin, l’on constatera que la déroute d’Emilia Pérez a empêché pour la 22ème année consécutive la France de remporter l’Oscar du meilleur film international. Tous les signaux étaient pourtant au vert mais la malédiction du signe indien qui frappe la France n’a pas été vaincue. De plus, Fernanda Torres, l’actrice remarquable de Je suis toujours là, a été nommée 27 ans plus tard dans la même catégorie, celle de la meilleure actrice, que sa mère, Fernanda Montenegro et comme elle, a perdu face à une jeune actrice (Mikey Madison, en lieu et place de Gwyneth Paltrow). Enfin, étrangement, Demi Moore qui a connu le plus haut pic commercial de sa carrière avec Striptease, en devenant l’actrice la mieux payée d’Hollywood, est battue cette année par une actrice interprétant, paradoxe du destin, une…strip-teaseuse.

Les préjugés ont la vie dure. On croyait l’Académie des Oscars coincée et puritaine, davantage encline à privilégier des oeuvres « respectables » comme Conclave, plutôt que des films affranchis des contraintes de la morale bien-pensante. Or en 1970, l’Académie avait déjà couronné Macadam Cowboy qui traitait de la prostitution homosexuelle. Le fait de célébrer Anora permet à Hollywood de s’aligner (définitivement?) sur le cinéma indépendant et les films à petit budget (par exemple, 6 millions de dollars pour Anora) et de prendre la défense inattendue des travailleuses du sexe. Ce n’est pas le dernier paradoxe d’une Académie toujours prête à évoluer et à se renouveler. « Longue vie au cinéma indépendant! « , comme s’est exclamé Sean Baker.

Le palmarès de la 97e édition des Oscars :

Meilleur film

Anora – Alex Coco, Samantha Quan et Sean Baker (producteurs) – VAINQUEUR

The Brutalist – Nick Gordon, Brian Young, Andrew Morrison, D.J. Gugenheim et Brady Corbet (producteurs)

Un Parfait Inconnu – Fred Berger, James Mangold et Alex Heineman (producteurs)

Conclave – Tessa Ross, Juliette Howell et Michael A. Jackman (producteurs)

Dune, deuxième partie – Mary Parent, Cale Boyter, Tanya Lapointe et Denis Villeneuve (producteurs)

Emilia Pérez – Pascal Caucheteux et Jacques Audiard (producteurs)

I’m Still Here – Maria Carlota Bruno et Rodrigo Teixeira (producteurs)

Nickel Boys – Dede Gardner, Jeremy Kleiner et Joslyn Barnes (producteurs)

The Substance – Coralie Fargeat et Tim Bevan & Eric Fellner (producteurs)

Wicked – Marc Platt (producteur)

Meilleure actrice

Mikey Madison – Anora – VAINQUEUR

Cynthia Erivo – Wicked

Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez

Demi Moore – The Substance

Fernanda Torres – I’m Still Here

Meilleur réalisateur

Sean Baker – Anora – VAINQUEUR

Brady Corbet – The Brutalist

James Mangold – Un Parfait Inconnu

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Coralie Fargeat – The Substance

Meilleur acteur

Adrien Brody – The Brutalist – VAINQUEUR

Timothée Chalamet – Un Parfait Inconnu

Colman Domingo – Sing Sing

Ralph Fiennes – Conclave

Sebastian Stan – The Apprentice

Meilleure musique de film

The Brutalist – Daniel Blumberg – VAINQUEUR

Emilia Pérez – Clément Ducol et Camille

Conclave – Volker Bertelmann

Wicked – John Powell et Stephen Schwartz

Le Robot Sauvage – Kris Bowers

Meilleur film international

I’m Still Here – Brésil – VAINQUEUR

La Jeune Femme à l’aiguille – Danemark

Emilia Pérez – France

Les Graines du figuier sauvage – Iran

Flow – Lettonie

Meilleure photographie

The Brutalist – Lol Crawley – VAINQUEUR

Dune, deuxième partie – Greig Fraser

Emilia Pérez – Paul Guilhaume

Maria – Ed Lachman

Nosferatu – Jarin Blaschke

Meilleur court métrage (prises de vues réelles)

I’m Not A Robot – Victoria Warmerdam et Trent – VAINQUEUR

A Lien – Sam Cutler-Kreutz et David Cutler-Kreutz

Anuja – Adam J. Graves et Suchitra Mattai

The Last Ranger – Cindy Lee et Darwin Shaw

The Man Who Could Not Remain Silent – Nebojša Slijepčević et Danijel Pek

Meilleurs effets visuels

Dune, deuxième partie – Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe et Gerd Nefzer – VAINQUEUR

Alien : Romulus – Eric Barba, Nelson Sepulveda-Fauser, Daniel Macarin et Shane Mahan

Better Man – Luke Millar, David Clayton, Keith Herft et Peter Stubbs

La Planète des singes : Le Nouveau Royaume – Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story et Rodney Burke

Wicked – Pablo Helman, Jonathan Fawkner, David Shirk et Paul Corbould

Meilleur mixage de son

Dune, deuxième partie – Gareth John, Richard King, Ron Bartlett et Doug Hemphill – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey et David Giammarco

Emilia Pérez – Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz et Niels Barletta

Wicked – Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson et John Marquis

Le Robot sauvage – Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo et Leff Lefferts

Meilleur film documentaire

No Other Land – Basel Adra, Rachel Szor, Hamdan Ballal et Yuval Abraham VAINQUEUR

Black Box – Shiori Ito, Eric Nyari et Hanna Aqvilin

Porcelain War – Brendan Bellomo, Slava Leontyev, Aniela Sidorska et Paula DuPre’ Pesmen

Soundtrack to a Coup d’État – Johan Grimonprez, Daan Milius et Rémi Grellety

Sugarcane – Julian Brave NoiseCat, Emily Kassie et Kellen Quinn

Meilleur court métrage documentaire

The Only Girl in the Orchestra – Molly O’Brien et Lisa Remington – VAINQUEUR

Death by numbers – Kim A. Snyder et Janique L. Robillard

I am Ready, Warden – Smriti Mundhra et Maya Gnyp

Incident – Bill Morrison et Jamie Kalven

Instruments of a beating heart – Ema Ryan Yamazaki et Eric Nyari

Meilleure chanson originale

El Mal – Emilia Pérez – VAINQUEUR

The Journey – The Six Triple Eight

Like A Bird – Sing Sing

Mi Camino – Emilia Pérez

Never Too Late – Elton John : Never Too Late

Meilleurs décors

Wicked – Nathan Crowley et Lee Sandales – VAINQUEUR

The Brutalist – Judy Becker et Patricia Cuccia

Conclave – Suzie Davies et Cynthia Sleiter

Dune, deuxième partie – Patrice Vermette et Shane Vieau

Nosferatu – Craig Lathrop et Beatrice Brentnerová

Meilleure actrice dans un second rôle

Zoe Saldaña – Emilia Pérez – VAINQUEUR

Monica Barbaro – Un Parfait Inconnu

Ariana Grande – Wicked

Felicity Jones – The Brutalist

Isabella Rossellini – Conclave

Meilleur montage

Anora – Sean Baker – VAINQUEUR

The Brutalist – David Jancso

Conclave – Nick Emerson

Emilia Pérez – Juliette Welfling

Wicked – Myron Kerstein

Meilleurs maquillages et coiffures

The Substance – Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon et Marilyne Scarselli – VAINQUEUR

A Different Man – Mike Marino, David Presto et Crystal Jurado

Emila Pérez – Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier et Jean-Christophe Spadaccini

Nosferatu – David White, Traci Loader et Suzanne StokesMunton

Wicked – Frances Hannon, Laura Blount et Sarah Nuth

Meilleur scénario adapté

Conclave – Peter Straughan – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – James Mangold et Jay Cocks

Emilia Pérez – Jacques Audiard avec Thomas Bidegain, Léa Mysius et Nicolas Livecchi

Nickel Boys – RaMell Ross et Joslyn Barnes

Sing Sing – Clint Bentley et Greg Kwedar

Meilleur scénario original

Anora – Sean Baker – VAINQUEUR

The Brutalist – Brady Corbet et Mona Fastvold

A Real Pain – Jesse Eisenberg

September 5 – Moritz Binder et Tim Fehlbaum, coécrit par Alex David

The Substance – Coralie Fargeat

Meilleure création de costumes

Wicked – Paul Tazewell – VAINQUEUR

Un Parfait Inconnu – Arianne Phillips

Conclave – Lisy Christl

Gladiator 2 – Janty Yates et Dave Crossman

Nosferatu – Linda Muir

Meilleur court métrage d’animation

In The Shadow of the Cypress – Shirin Sohani et Hossein Molayemi – VAINQUEUR

Beautiful Men – Nicolas Keppens et Brecht Van Elslande

Magic Candies – Daisuke Nishio et Takashi Washio

Wander to Wonder – Nina Gantz et Stienette Bosklopper

Beurk ! – Loïc Espuche et Juliette Marquet

Meilleur film d’animation

Flow – Gints Zilbalodis, Matīss Kaža, Ron Dyens et Gregory Zalcman – VAINQUEUR

Vice-versa 2 – Kelsey Mann et Mark Nielsen

Mémoires d’un escargot – Adam Elliot et Liz Kearney

Wallace et Gromit : La palme de la vengeance – Nick Park, Merlin Crossingham et Richard Beek

Le Robot Sauvage – Chris Sanders et Jeff Hermann

Meilleur acteur dans un second rôle

Kieran Culkin – A Real Pain – VAINQUEUR

Yura Borisov – Anora

Edward Norton – Un Parfait Inconnu

Guy Pearce – The Brutalist

Jeremy Strong – The Apprentice

L’article Oscars 2025 : analyse et décryptage. L’art et la vie est apparu en premier sur MovieRama.

La bonne idée fut déjà de commencer tôt, avec un quart d’heure d’avance sur l’horaire habituel. En entrant à travers le public de l’Olympia, Jean-Pascal Zadi donna le ton convivial, humoristique et néanmoins engagé de la soirée, stigmatisant du côté de l’équipe d’Emilia Pérez qui collectionnait le meilleur en tout, « les meilleurs tweets » de Karla Sofía Gascón ou saluant Catherine Deneuve en affirmant que si on l’élisait présidente, le monde irait certainement beaucoup mieux. Deneuve, royale, telle la regrettée Elisabeth II, n’était pas en reste en dédiant cette soirée à l’Ukraine. Le ton était donné, le cinéma ne comptait pas oublier les fracas du monde mais allait bien plutôt les refléter.

L’ensemble des prix allait ainsi dans ce sens : à commencer par Abou Sangaré qui, en recevant son César de la meilleure révélation masculine, pour L’Histoire de Souleymane, a remercié le cinéma et la France pour lui avoir redonné sa dignité d’être humain. Deux films allaient d’ailleurs dominer largement la cérémonie, sur fond de sujets sociétaux : Emilia Pérez (la transsexualité, la différence, le genre) et L’Histoire de Souleymane (les sans-papiers et leur exploitation injuste). Les autres films allaient hériter de la part congrue : les blockbusters Le Comte de Monte-Cristo (meilleurs costumes et décors) et L’Amour ouf (meilleur second rôle pour Alain Chabat). Certains autres sont repartis tout simplement bredouille, En Fanfare et Miséricorde (le grand favori de la critique). Le film de Boris Lojkine alla même si loin dans sa récolte de récompenses, quatre César dont ceux du meilleur montage, du meilleur scénario original et du meilleur second rôle féminin pour la formidable Nina Meurisse, inoubliable en enquêtrice de l’OFPRA, que l’on crut un instant qu’il allait pouvoir souffler sur le fil la victoire finale. Mais l’élan du film se brisa face aux durs pépins de la réalité, comme Souleymane confessant sa véritable histoire à l’enquêtrice, à partir de la remise du César de la meilleure photographie. A partir de là, Jacques Audiard n’avait plus qu’à dérouler pour remporter, après celui de la meilleure adaptation, devant les scénaristes du Comte de Monte-Cristo, les César les plus importants (meilleure réalisation et film) et devenir le détenteur du record du plus grand nombre de César (13) depuis l’invention de la cérémonie. Il efface ainsi définitivement des tablettes un certain Roman Polanski qui en était resté à dix. Emilia Pérez, en dépit des polémiques, affiche finalement un total de 7 César, après sa moisson aux European Film Awards et aux Golden Globes, paraissant réenclencher sa marche triomphale.

La gravité était pourtant de mise ce soir, comme en témoigne le discours lu de Jonathan Glazer, victorieux dans la catégorie du meilleur film étranger avec La Zone d’intérêt, discours qu’il est important de citer en intégralité : « Le fait que tant de personnes soient venues voir le film est extraordinaire. Le fait qu’il soit autant d’actualité est alarmant.  Aujourd’hui la Shoah et la sécurité juive sont utilisées pour justifier les massacres et les nettoyages ethniques à Gaza. Les massacres du 7 octobre et la prise d’otages en Israël – il s’agit dans un cas comme dans l’autre d’actes de terreur contre des innocents  – ont été rendus possibles par la déshumanisation des personnes qui se trouvent de l’autre côté de nos murs. C’est la zone d’intérêt », Le témoignage engagé de Costa-Gavras, César d’honneur, bien plus à l’aise qu’aux côtés de Bonnaud et Rauger, sur sa réalité de cinéaste immigré et les migrants, était du même ressort. Les fracas et la violence du monde s’invitaient à la table des César et rendaient extrêmement humbles.

Pourtant il y eut des moments authentiques de légèreté : les remerciements lunaires d’Alain Chabat, le triomphe dans les catégories du meilleur premier film et de la meilleure révélation féminine de Vingt Dieux, l’épatant film de Louise Courvoisier, Camille perdant ses escarpins sur la scène des César, le fantastique numéro de Franck Dubosc, vainqueur dans la catégorie de ceux qui n’ont jamais gagné un seul César, faisant éclater de rire Julia Roberts, cette même Julia remerciant Catherine Deneuve d’exister et d’avoir rendu le monde meilleur, Justine Triet rendant un bel hommage ressenti à l’infiniment regretté David Lynch, l’éloge de la gentillesse par un Karim Leklou tout chamboulé d’avoir reçu le César du meilleur acteur pour Le Roman de Jim, ou encore le ravissement contenu de Hafsia Herzi, l’une de nos comédiennes préférées, devant son César très mérité de la meilleure actrice (Borgo).

Tout cela était bien résumé par l’exhortation de Vincent Macaigne à crier et applaudir pour apporter un peu de légèreté à ce monde déchiré, une insoutenable légèreté qui constitue toute la noblesse infinie des artistes, petits ou grands.

Palmarès :

Meilleur film : Emilia Pérez de Jacques Audiard

Meilleure actrice : Hafsia Herzi (Borgo)

Meilleur acteur : Karim Leklou (Le Roman de Jim)

Meilleure réalisation : Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Meilleure actrice dans un second rôle : Nina Meurisse (L’Histoire de Souleymane) 

Meilleur acteur dans un second rôle : Alain Chabat (L’Amour ouf) 

Meilleure révélation féminine : Maïwene Barthèlemy (Vingt Dieux)

Meilleure révélation masculine : Abou Sangaré (L’Histoire de Souleymane)

Meilleur premier film : Vingt Dieux, de Louise Courvoisier 

Meilleur film étranger : La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Meilleur montage : Xavier Sirven (L’Histoire de Souleymane) 

Meilleure photographie : Paul Guilhaume (Emilia Pérez)

Meilleur scénario original : Boris Lojkine et Delphine Agut (L’Histoire de Souleymane)

Meilleure adaptation : Jacques Audiard (Emilia Pérez) 

Meilleure musique originale : Clément Ducol et Camille (Emilia Pérez)

Meilleur son : Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Cyril Holtz et Niels Barletta (Emilia Pérez)

Meilleurs costumes : Thierry Delettre (Le Comte de Monte-Cristo) 

Meilleurs décors : Stéphane Taillasson (Le Comte de Monte-Cristo)

Meilleurs effets visuels : Cédric Fayolle (Emilia Pérez) 

Meilleur film de court métrage d’animation : Beurk !, de Loïc Espuche

Meilleur film de court métrage documentaire : Les Fiancées du Sud, d’Elena Lopez Riera

Meilleur film de court métrage de fiction : L’homme qui ne se taisait pas, de Nebojša Slijepčević 

Meilleur film d’animation : Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau, de Gints Zilbalodis

Meilleur film documentaire : La Ferme des Bertrand, de Gilles Perret

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Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

TOP GENERAL SERIES 2024

1. Mon petit renne (Netflix, Royaume-Uni), de Richard Gadd, 20 points.
2. DJ Mehdi – Made in France (Arte, France), de Thibaut de Longeville, 18 points.
3. D’argent et de sang (Canal Plus, France), de Xavier Giannoli, 16 points
4. True Detective Saison 4 Night Country, (Pass Warner Prime Video, Etats-Unis), de Issa López, 12 points.
5. Fallout, (Amazon Prime vidéo, Etats-Unis), de Geneva Robertson-Dworet et Graham Wagner, 11 points.

• EMMANUELLE ETIENNE

1/ Mon petit renne (Netflix)

Un doigt d’honneur à la masculinité toxique qui nous a touché en plein cœur.

2/ Le Problème à trois corps (Netflix)

Une série prometteuse qui a redonné ses lettres de noblesse à la Science-fiction.

3/ Masters of the Air (Apple TV+)

L’équilibre parfait entre combats aériens spectaculaires et bouleversements intimes au sol.

4/ Squeezie : Merci Internet (Amazon Prime Video)

Le portrait touchant d’une génération connectée mais esseulée. 

5/ True Detective saison 4 Night Country (Pass Warner Prime Video)

Le renouveau féminin et féministe de la série créée par Nic Pizzolatto.

6/ My Lady Jane (Amazon Prime Video)

Une série d’époque complètement déjantée où se mêlent fantasy et romance.

7/ Fallout (Amazon Prime Video)

Après The Last of Us l’année dernière, une nouvelle adaptation de jeu vidéo très réussie.

8/ Monsters : l’histoire de Lyle et Erik Menendez (Netflix)

La révélation de deux grands acteurs : Nicholas Chavez et Cooper Koch.

9/ Agatha All Along (Disney +)

Marvel réinvente le mythe de la sorcière avec un certain brio. 

10/ The Bear saison 3 (Disney +)

Une saison sauvée de justesse par l’excellent épisode Napkins réalisée par Ayo Edebiri. 
Mention spéciale pour Sugar (Apple TV +) et Under the Bridge (Disney +)

• QUENTIN ELUAU

2024 se termine lentement mais sûrement. Elle nous aura proposé une cuvée séries plutôt bonne avec quelques pépites sortant du lot. Je retiens forcément Shogun, qui aura marqué par sa réalisation soignée, Penguin, pour son adaptation réussie du roi de la pègre de Gotham ou encore Fallout et Arcane (les adaptations de jeux vidéo ont trouvé leur salut dans les séries).

Mais c’est aussi une année de découverte marquante avec From, un savoureux mélange de Stephen King et Lost, et Dan da Dan du côté des animés.

J’attends donc avec impatience 2025 pour la saison 2 de The Last of Us, la saison 2 de One Piece ou encore le chapitre final de Stranger Things.

—–

1) Shogun

2) Penguin

3) Arcane

4) Fallout

5) From

6) Dan da dan

7) The Bear

8) Le seigneur des anneaux : les anneaux de pouvoir

9) D’argent et de sang 

10) Ted

• XAVIER AFFRE

1. D’argent et de sang 2e partie

2. Ripley

3. DJ Mehdi

4. Outreau

5. Ceux qui rougissent

• DAVID SPERANSKI

1. Mon petit renne, de Richard Gadd
2. DJ Mehdi – Made in France, de Thibaut de Longeville
3. True Detective Saison 4 Night Country, de Issa López
4. Fargo Saison 5, de Noah Hawley
5. Becoming Karl Lagerfeld, d’Isaure Pisani-Ferry, Jennifer Have et Raphaëlle Bacqué

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Toute la rédaction de MovieRama vous souhaite de très Joyeuses Fêtes !

TOP GENERAL FILMS 2024

1. The Substance de Coralie Fargeat, 30 points.
2. Anora de Sean Baker, 24 points.
3. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer, 22 points
4. Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof, 21 points.
5. Le Mal n’existe pas de Ryusuke Hamaguchi, 20 points.
6. Los Delincuentes de Rodrigo Moreno, 15 points.
7. L’Histoire de Souleymane de Boris Lojkine, 14 points.
8. In water de Hong Sang-soo, 13 points.

9. Ex aequo All we imagine as light de Payal Kapadia, 12 points.
Flow de Gints Zilbalodis, Furiosa : une Saga Mad Max de George Miller, Jeunesse (Le Printemps) de Wang Bing, Miséricorde d’Alain Guiraudie, Pauvres créatures de Yorgos Lanthimos

15. Dahomey de Mati Diop, 11 points

• XAVIER AFFRE

1. Le Mal n’existe pas (Ryūsuke Hamaguchi)

Le plus beau film de l’année, sublimement mis en scène. A la fois fable écologiste, thriller psychologique et métaphysique déroutant. La plus belle expérience au cinéma en 2024.

2. All We Imagine as Light (Payal Kapadia)

L’un des plus beaux films de la compétition cannoise cette année. Un long métrage fascinant, hypnotique et sensoriel suivant le chemin de 3 femmes en quête d’émancipation. Bouleversant.

3. La Bête (Bertrand Bonello)

Bertrand Bonello confirme son statut de cinéaste français passionnant et exigeant avec ce long métrage expérimental, sous le patronage de David Lynch, et explore l’amour ainsi que la fin de l’humanité.

4. Miséricorde (Alain Guiraudie)

Un conte noir, mêlant tragédie et burlesque, légèreté et gravité, humour et mélancolie, désirs et mystères. Cinéaste qui occupe une place à part dans le paysage cinématographique français.

5. Los Delincuentes (Rodrigo Moreno)

La proposition la plus excitante de l’année. Une œuvre qui commence comme un polar avant de se transformer en fable philosophique sur la liberté.  

6. May December (Todd Haynes)

Une œuvre magistrale. La relation ambiguë et vénéneuse entre 2 femmes prend la forme d’une satire de la bourgeoisie américaine grinçante et glaçante.

7. Dahomey (Mati Diop)

Un documentaire politique et poétique essentiel, à la lisière du fantastique qui questionne la place de l’art et surtout les méfaits de la colonisation. Puissant et remarquable.

8. Septembre sans attendre (Jonás Trueba)

Une comédie de séparation (ou de remariage) finement ciselée, il y a du Rohmer et du Allen (en grande forme) dans ce film qui finit par être bouleversant.

9. Jeunesse (Le Printemps) (Wang Bing)

Observation de la jeunesse chinoise au travail dans les ateliers de textile par l’un des plus grands documentaristes actuels. Wang Bing y réussit à capter de la plus belle des manières le souffle de la vie.

10. Grand Tour (Miguel Gomes)

Autre grand film cannois de cette année. Un voyage fantasmagorique (et exigeant) en Asie d’une beauté époustouflante. Il confirme le talent et la singularité de Miguel Gomes.

Mentions spéciales :

• In Water (Hong Sangsoo), parce que nouveau long métrage du génial cinéaste coréen…
• Les Graines du figuier sauvage (M. Rasoulof), « mal » récompensé à Cannes ; la forme et le fond réunis dans un grand film
• Ma vie Ma gueule (Sophie Fillières), dernier long métrage de la cinéaste, grand rôle pour Agnès Jaoui, film bouleversant…
• La Zone d’intérêt (Jonathan Glazer), film glaçant sur la banalité du mal, un geste fort et radical…
• Juré n°2 (Clint Eastwood), parce que « Papy fait de la résistance » à 94 ans…
• Le cinéma corse : Le Royaume, A son image, Eat the Night – grande année pour le 7^e art insulaire, puissant et maitrisé…

• KEVIN CORBEL

Une belle année cinématographique qui reste tout de même en dessous des pépites de 2023 (Anatomie d’une chute, Les Feuilles mortes, Babylon ou encore L’Innocence), mais qui a le mérite de proposer un catalogue de longs métrages de qualité, que ce soit chez les films d’auteur, les blockbusters ou même du côté du cinéma documentaire. On peut retenir de mon classement une certaine appétence pour le cinéma politique, surtout concernant les films du podium. Lier cinéma et politique n’est pas nouveau mais semble être particulièrement de mise en 2024, année ô combien politique pour l’Occident. Nul doute que les problématiques diverses qui traversent nos sociétés sauront se diffuser dans l’imaginaire de nos cinéastes préférés pour que les années qui suivent reflètent aussi les tensions, luttes et espoirs d’une époque.

1 – À son image, de Thierry de Peretti

2 – Les Graines du figuier sauvage, de Mohammad Rasoulof

3 – Riverboom, de Claude Baechtold

4 – Challengers, de Luca Guadagnino

5 – La Vie de ma mère, de Julien Carpentier

6 – Anora, de Sean Baker

7 – Furiosa, de George Miller

8 – Civil War, d’Alex Garland

9 – Dune: Deuxième partie, de Denis Villeneuve

10 – La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Mentions honorables :

– Vampire humaniste recherche suicidaire consentant, d’Ariane Louis-Seize

– May December, de Todd Haynes

• QUENTIN ELUAU

Pour moi, 2024 fut une année mitigée pour le cinéma. Plusieurs films vus mais est-ce qu’ils méritent une place ici ? Je retiens tout de même quelques visionnages qui m’ont accroché du début à la fin (The Substance, Furiosa ou Dune : 2ème partie), ou encore ceux qui me reviennent à l’esprit au moment de rédiger ces lignes. Espérons que 2025 soit plus riche encore en découvertes et films marquants. J’attends avec impatience : Mickey 17, 28 ans plus tard ou encore Un parfait inconnu pour n’en citer que quelques uns.

1) The Substance de Coralie Fargeat

2) Furiosa : une saga Mad Max de George Miller

3) Le Comte de Monte-Cristo de Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière

4) Dune : 2ème Partie de Denis Villeneuve

5) Smile 2 de Parker Finn

6) L’amour Ouf de Gilles Lellouche

7) Le robot sauvage de Chris Sanders

8) Les pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse

9) Longlegs de Osgood Perkins

10) La nuit se traîne de Michiel Blanchart

Mentions : Un p’tit truc en plus, Deadpool et Wolverine, Here et Conclave.

• SEBASTIEN LAMOTHE

La réalité de notre civilisation occidentale capitaliste mondialisée est celle d’une domination des classes possédantes sur les plus pauvres, les damnés de la Terre, les opprimés, les morts de faim, les plus pauvres et tous ceux qui n’obéissent pas à la morale dominante qui les écrase. Honneur donc au cinéma de combat, de la résistance à l’autorité, au cinéma de la révolte –comme Jean-Baptiste Thoret le disait de Koji Wakamatsu – qui nous décrit la lutte des individus pour échapper à leur condition, qu’il s’agisse de l’immigré en quête d’un pays où il pourra échapper à sa condition misérable et vivre (L’histoire de Souleymane, Moi capitaine), de femmes courageuses luttant contre un régime théocratique autoritaire (Les graines du figuier sauvage, Tatami) – on constate que les femmes sont au premier rang de la lutte au Moyen Orient, peut-être parce qu’elles sont plus que quiconque oppressées par le régime en place – d’autres femmes faisant face à l’atavisme archaïque du mariage forcé (All we imagine as light), d’un jeune homme affrontant le régime violent et corrompu de l’armée (Heroico), ou d’un adolescent cherchant à échapper au déterminisme social dont il est victime en traçant son chemin personnel dans la vie (Leurs enfants après eux). Et vive la Révolution!

1. L’Histoire de Souleymane de Boris Lojkine (France)
2. Heroico de David Zonana (Mexique)
3. Les graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof (Iran)
4. Moi capitaine de Matteo Garrone (Italie)
5. Leurs enfants après eux de Ludovic et Zoran Boukherma (France)
6. Anora de Sean Baker (Etats-Unis)
7. Tatami de Zar Amir Ebrahimi (Géorgie)
8. All we imagine as light de Payal Kapadia (Inde)
9. Emilia Pérez de Jacques Audiard (France)
10. Memory de Michel Franco (Mexique)

• PIERRE LARVOL

1. The Substance de Coralie Fargeat
2. Flow de Gints Zilbalodis
3. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer
4. Dahomey de Mati Diop
5. Le Roman de Jim des frères Larrieu
6. In Water de Hong Sang-soo
7. La Plus précieuse des marchandises de Michel Hazanavicius
8. Juré n° 2 de Clint Eastwood
9. Riddle of fire de Weston Razooli
10. Leni Riefenstahl, la lumière et les ombres d’Andres Veiel

Mentions spéciales :

• Les Pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse
• Alien : Romulus de Fede Alvarez
• Smile 2 de Parker Finn
• Le Robot Sauvage de Chris Sanders

• POULET POU

1. Jeunesse (Le Printemps), de Wang Bing

Drague et jeux, amitiés et amours, chamailleries et blagues éclairent et humanisent le quotidien harassant — et donnent peut-être aux héroïnes et héros le surcroît d’énergie pour négocier âprement un salaire un (tout petit) peu meilleur, avant de rentrer enfin à la maison.

2. Walk up, de Hong Sang-soo

Walk Up est davantage centré sur les personnages d’âge mûr — celui où les conflits sont gommés, car on est passé maître dans l’art du compromis, mais aussi celui où on a abandonné pour de l’argent une part de ses idéaux, où on se fatigue plus vite, et où on se demande si on ne préférerait pas être seul et dormir.

3. In Water, de Hong Sang-soo

C’est de plus en plus beau jusqu’à la dernière image — que l’affiche reprend, du reste —, où notre héros, tel Snoopy romancier dans certains strips des Peanuts, lie les différentes parties qui semblaient n’avoir rien à voir dans un tout cohérent.

4. Une Famille, de Christine Angot

Beau film émouvant, qui parmi ses nombreuses qualités a celle de ne jamais chercher à se rendre sympathique.

5. La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer

Les dispositifs, c’est parfois très bien, cf. La Zone d’intérêt, film qui passe d’ailleurs son temps à aller à l’encontre des règles qu’il fait mine de s’être fixées, puisqu’on n’arrête pas de sortir de la villa des Höss, y compris pour accompagner une résistante polonaise. Je dis, très bien, du reste n’oublions pas non plus que tout cela, en plus d’être affreusement compliqué, est surtout parfaitement subjectif. Je dirais même plus, la réussite d’un dispositif ne se juge-t-elle pas à la capacité qu’il a à se faire oublier.

6. Juré n° 2, de Clint Eastwood

Eastwood goes full Fritz Lang. En tant que buñuelo-langien, votre humble serviteur ne peut que trouver ce film-de-procès-expérience-des-limites-de-la-morale super, et ne peut non plus pas résister au plaisir de vous infliger la blague, Pas besoin de voir le 1 pour kiffer. Tous les acteurs y compris le jeune premier Nicholas Hoult sont top, mention spéciale à Toni Collette dont le jeu tout en mimiques m’a beaucoup plu.

7. Le Roman de Jim, des frères Larrieu

Tout le monde — y compris la mauvaise mère Dosch — est bon, c’est-à-dire que chacun tente de faire au mieux avec ce qu’il a, les contingences, son intelligence, sa sensibilité, sa morale. J’ai déjà eu cette impression de repos agréable qu’engendre la bienveillance des personnages devant les films de Weerasethakul, ou La Féline de Tourneur, par exemple. Bienveillance et capacité à trouver les mots justes (les dialogues sont beaux), qui n’empêchent pas le drame, mais l’atténuent — sans que les émotions du spectateur s’en trouvent diminuées, au contraire.

8. Ma vie, ma gueule de Sophie Fillières

L’art a ceci de plus fort que la mort qu’il donne à ceux qui restent l’impression que le disparu leur cause encore, et pour longtemps. Certains réussissent particulièrement leur sortie, question de timing et d’image marquante, pensez Bowie David et son armoire normande là, Fillières Sophie et son ferry-boat ici.

9. Le Mal n’existe pas, de Ryusuke Hamaguchi

Le tchékhovisme du récit est emballé dans une forme harmonieuse, lumière et couleurs hivernales de la montagne japonaise, rythme pondéré, plans-séquences un peu techniques — je ne résiste pas au plaisir de m’en remémorer quelques-uns.

10. Les Graines du Figuier sauvage, de Mohammad Rasoulof

Les Graines, après un début d’apparence froidement réaliste, dans la lignée de l’édifiant Diable n’existe pas, prennent pour dénoncer l’odieux patriarcat iranien une tangente inattendue, et de plus en plus terrifico-grotesque. Le mélange fonctionne plutôt, soit sur le mode glaçant — éprouvante scène dite de l’extraction de la chevrotine —, soit sur un mode rire très jaune, à partir des cascades en bagnole de fonction, et jusqu’à la fin.

Mentions spéciales pour Miséricorde d’Alain Guiraudie et Le Deuxième acte de Quentin Dupieux.

• THOMAS POUTEAU

1 – Anora (Sean Baker) :
Par deux années consécutives, le jury du Festival de Cannes semble détenir les clés du bon goût. Anora est une explosion de vie, un diamant temporel poli par plusieurs rythmes,
une course folle qui brille dans son détail de la condition des prolétaires. Le seul film de
l’année qui m’a fait racheter trois tickets dans la même journée, et dévorer la filmographie de son réalisateur.
2 – Los Delincuentes (Rodrigo Moreno) :
L’année passée, il fallait déjà regarder de l’autre côté de l’Atlantique, pas aux Etats-Unis
mais en Argentine pour trouver une inventivité de la narration avec Trenque Lauquen. Une
nouvelle fois, avec Los Delincuentes, les limites sont franchies. C’est entraînant, lancinant,
magique. Un des plus beaux braquages de ces dernières années.
3 – Le Mal n’existe pas (Ryûsuke Hamaguchi) :
Chez Hamaguchi, il s’agit souvent de déployer des mondes. Des dizaines s’offrent à nous,
compactés seulement en une expérience, là entre les plis des hommes et de leur
environnement. Entre le ciel et la terre, des images venues d’on ne sait où.
4 – Septembre sans attendre (Jonas Trueba) :
Après les trois premiers films cités, la maîtrise du temps semble être la matrice du septième art. Ici, chez Trueba, la séparation n’est qu’une excuse pour ressusciter l’amour qui se mêle à la vie qui, eux-mêmes, se mêlent au cinéma. Tout se confond, nous aussi.
5 – Pauvres créatures (Yorgos Lanthimos) :
Le scientifique grec réitère son goût pour l’expérience en implantant un cerveau d’enfant
dans un corps d’adulte. Cette fable rappelle à bien des égards un art que cultivait l’autrice
italienne Goliarda Sapienza : l’art de la joie.
6 – Miséricorde (Alain Guiraudie) :
Guiraudie atteste une nouvelle fois son talent à croquer des dialogues et des situations
rocambolesques en mêlant un trouble, indéfini et infini avec des questions morales posées par l’Église depuis des siècles.
7 – L’histoire de Souleymane (Boris Lojkine) :
Le cinéma, c’est la fête de la matière. Ici, un corps affecté par les multiples courses répétées pour quelques pécules de monnaie. Souleymane est le dernier rouage d’un capitalisme ubérisant. Une histoire frontale, dans la jungle de Paris, qui met au jour l’hypocrisie d’une institution française qui invite au mensonge.
8 – Flow (Gints Zilbalodis) :
Entre animation et documentaire, Flow fait naviguer un chat et d’autres animaux qui se
retrouvent pris par la montée des eaux. Cette relecture du Déluge est une fable
foncièrement angoissante où le vivre-ensemble devient un impératif de survie.
9 – Memory (Michel Franco)
Certains croyaient Franco sauvé de ce qu’ils appellent son misanthropisme. Au-delà des
raccourcis gênants et imprécis que cela engendre, soulignons que Franco est toujours fidèle à lui-même et toujours aussi proche de ces âmes humaines. Une magnifique rencontre entre deux êtres cabossés par la vie, filmés avec autant de précision, pour accumuler deux troubles, deux tragédies qui mettent à nu une émotion confuse.
10 – La Bête (Bertrand Bonello)
On ne pouvait se quitter sans souligner l’un des gestes les plus dingues de cette année,
avec un monstre difforme, le nouveau long-métrage de Bertrand Bonello. Un même couple, sur trois époques différentes, une scène sous l’eau qui inonde encore l’esprit.

Mentions spéciales au cinéma corse (Le Royaume, À son image, Borgo) qui a été
l’enchantement du cinéma français de cette année – la découverte d’un grand réalisateur, la confirmation d’un autre et le travail remarquable de Stéphane Demoustier qui nous fait dire, une nouvelle fois, que Hafsia Herzi est un ravissement. Cent mille milliards, c’est bien le prix d’un film précieux de Virgil Vernier qui vaut largement cette mise. Pour terminer, une pensée à toutes ces chaudes larmes versées devant La Mémoire éternelle.

• DAVID SPERANSKI

1. The Substance de Coralie Fargeat

Parce qu’aucun film n’a autant fait bouger les lignes cette année.

2. The Outrun de Nora Fingscheidt

Parce que, en mélangeant passé, présent et avenir, on retrouve l’identité d’un être.

3. Good one de India Donaldson

Parce que, dans la nature, on est confronté à sa propre vérité.

4. La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer

Parce que la conscience de bourreau est toujours difficile à assumer.

5. Pauvres créatures de Yorgos Lanthimos

Parce que, sur cette terre, voir le monde avec les yeux d’un enfant révèle son absurdité.

6. Emilia Pérez de Jacques Audiard

Parce que mélanger comédie musicale transgenre et guerre des cartels est improbable.

7. Anora de Sean Baker

Parce qu’une strip-teaseuse a droit à la dignité, à l’honneur et au respect.

8. Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof

Parce que femme, vie, liberté.

9. Grand Tour de Miguel Gomes

Parce qu’un Portugais a peut-être réalisé l’un des meilleurs films sur l’Asie.

10. Juré n° 2 de Clint Eastwood

Parce que la vérité n’est pas toujours juste.

Mentions spéciales :

Los Delincuentes de Rodrigo Moreno

Priscilla de Sofia Coppola

Apolonia, Apolonia de Léa Glob

Kinds of Kindness de Yorgos Lanthimos

Une langue universelle de Matthew Rankin

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