A l’occasion de la sortie le 25 novembre 2025 du coffret de la Trilogie d’Oslo de Dag Johan Haugerud, rassemblant les trois films, Rêves, Désir et Amour, en Blu-ray et DVD chez Pyramide Vidéo, MovieRama est heureux et fier de s’associer avec l’éditeur pour vous offrir 2 coffrets Blu-ray de cette trilogie de films ayant définitivement marqué le cinéma contemporain cette année. A l’instar des cycles de films d’Eric Rohmer (Contes moraux, Comédies et proverbes, Contes des Quatre saisons) ou de Kieslowski (Le Décalogue, Trois Couleurs), Dag Johan Haugerud a constitué un ensemble de films sur la vie sentimentale des habitants d’Oslo, couvrant ainsi différentes thématiques éternelles et universelles : la sexualité, l’amour, le trouble dans le genre, etc. En explorant le décalage entre vérité et fiction, le vertige de la parole, ainsi que les croisements entre êtres humains s’interrogeant sur leur humanité, ces trois films comme ceux de Joachim Trier, permettent de faire mieux connaître la beauté de la ville d’Oslo, capitale de la Norvège, et de ses habitants. Si Rêves est certainement le plus brillant, Désir est sans doute le plus intrigant, tandis que Amour, véritable conclusion de la trilogie, est probablement le plus émouvant. Mais il est possible de les voir dans n’importe quel ordre, voire dans le désordre, pour mieux appréhender leurs correspondances et leurs dissemblances. Tous les trois sont en tout cas formidables. de profondeur, de réflexion et de beauté. Grandes réussites de l’année, ces trois films sont accompagnés de quelques bonus vidéo absolument indispensables pour leur appréciation :

• Entretien original avec le réalisateur Dag Johan Haugerud
• 3 courts métrages :
  – « 16 clichés vivants » (1998, 4′)
  – « Luxure » (2000, 7′)
  – « Clinton the musical » (2006, 28′)
• Bandes-annonces

Dag Johan HAUGERUD, écrivain et cinéaste norvégien reconnu, signe une trilogie inédite et ambitieuse composée de trois films indépendants, subtilement reliés par leurs thématiques communes.

À travers ces comédies de mœurs, il explore avec intelligence, douceur et sensualité les relations humaines, l’amitié, la sexualité, le trouble du genre….

Chaque film saisit avec justesse et bienveillance la complexité de l’intime et des liens qui nous unissent et nous réconcilient.

DES FILMS RÉCOMPENSÉS

Avec cette œuvre libre, sensible et cohérente couronnée de l’Ours d’or (Berlinale 2025) pour Rêves, Dag Johan Haugerud s’impose comme une figure majeure du cinéma européen contemporain.

• Désir – prix Panorama du public au Festival de Berlin
• Rêves – Ours d’or à la Berlinale 2025
• Amour – sélection en compétition à la Mostra de Venise 2024

Sur Allociné, les trois films sont tous notés à 3,8/5 par la presse et à 4 ou 4,1/5 par le public.

« Une fresque revigorante qui ausculte les rapports contemporains au sexe et au sentiment amoureux » – Les Inrockuptibles.

Pour gagner 2 coffrets Blu-ray de cette oeuvre essentielle qui a marqué le cinéma d’auteur cette année, il suffit de participer jusqu’au lundi 22 décembre 2025 inclus. N’hésitez pas!

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Disponible en coffret Blu-ray et DVD depuis le 25 novembre 2025

Une jeune femme vit sa première histoire d’amour et bouscule les rêves de sa mère et sa grand- mère. Une médecin et un infirmier confrontent leurs regards sur l’amour et ses conventions. Deux collègues ramoneurs se confient sur les interdits et les possibles du genre et du désir. A Oslo, dans les rues, sur les toits ou à bord d’un ferry, on croise tous les visages de l’intime et de l’engagement.

Genre : comédie dramatique. Trois films de Dag Johan Haugerud, avec Ane Dahl Torp, Ella Øverbye, Marte Engebrigtsen, Thomas Gullestad, Thorbjørn Harr, Durée : 5h47 pour les trois films. (1h50 pour Rêves, 1h58 pour Désir, 1h59 pour Amour).

Critique du film Rêves

Critique du film Désir

Critique du film Amour

REGLEMENT

1. Participation et participants : L’enregistrement de vos coordonnées complètes (adresse postale, adresse mail et téléphone) constitue l’émission d’un bulletin de participation. Une seule participation par personne. Concours valable uniquement en France métropolitaine et en Corse (sauf précision contraire). 2. Concours : Le concours prendra fin à la date indiquée sur la page. Les bulletins reçus après cette date limite ou contenant des coordonnées erronées ne seront pas valides. Aucune réclamation ne sera autorisée. Jeu gratuit sans obligation d’achat. 3. Attribution et envoi des lots : Les lots seront attribués aux personnes ayant été tirées au sort parmi les bonnes réponses. Les lots sont offerts par la revue MovieRama. Les lots seront sauf exception envoyés par l’éditeur. Le délai d’envoi des lots peut varier d’un concours à l’autre et peut prendre entre 1 semaine et 8 semaines. MovieRama ne peut pas être tenu responsable en cas de non-réception des lots suite à des soucis d’envois postaux. Sauf précision des éditeurs partenaires, les lots perdus ou retournés (mauvaise adresse) ne seront pas réexpédiés. MovieRama se réserve le droit d’affecter les lots gagnés mais non attribués à la dotation d’un autre jeu concours. 4. Codes VOD : Les codes VOD étant envoyés par email, ce dernier est susceptible d’être utilisé par l’éditeur ou l’organisme gérant les codes VOD. L’utilisation de votre adresse email ne pourra en aucun cas faire l’objet d’offres publicitaires ou promotionnelles. 5. Publication règlement : Le règlement est intégralement consultable par les internautes sur le site. Vous disposez d’un droit d’accès, de modification, de rectification et de suppression des données qui vous concernent (art.34 de la loi Informatique et Libertés). Pour l’exercer, contactez le webmaster : movierama.redaction@gmail.com. Bonne chance à tous.

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Dans un futur pas si lointain, en 2075, une petite fille nommée Iris assiste à une scène étrange : un objet lumineux zigzague dans le ciel, traçant derrière lui des lignes colorées. Quelques minutes plus tard, au cœur de la forêt, l’objet termine sa chute. Iris découvre alors qu’il s’agit d’un jeune garçon vêtu d’une combinaison bariolée de couleurs. Lui, c’est Arco, venu d’une époque lointaine où l’homme a appris à voler et voyager dans le temps Comprenant qu’il est poursuivi par trois mystérieux individus, Iris décide de le recueillir. Ensemble, ils vont tenter de trouver un moyen de le renvoyer chez lui, dans le futur.

Une jolie aventure, pleine de courage, de solidarité, d’abnégation et d’espoir pour demain.

Alors qu’il rêvait de voir un jour les dinosaures, le jeune Arco découvre un tout autre passé en débarquant en 2075. Dans son présent, l’humanité a fait le choix de vivre parmi les nuages, loin de la terre ferme : partir pour mieux revenir, lorsque la planète aura retrouvé une forme d’équilibre. En attendant, les habitants de ces îlots vivent paisiblement, perché dans un ciel, libres des entraves du mouvement et du temps. Grâce à d’étranges tenues, ils peuvent en effet s’envoler et explorer le passé. Bien que curieux et volontaire, Arco doit attendre l’âge de douze ans pour avoir sa propre combinaison. Ses désirs vont toutefois l’amener à transgresser cette règle, sans qu’il en mesure les conséquences. Ailleurs dans le temps, à une autre époque, Iris rêve quant à elle d’un autre présent : si la technologie a sans doute rendu la vie plus agréable, elle n’a pourtant pas permis l’essentiel, c’est-à-dire nous libérer du temps. La jeune fille est entourée de robots à tout faire (professeurs, policiers, etc.). Son monde est étrangement synthétique et surtout solitaire : ses parents, souvent retenus par le travail, ne lui apparaissent plus que par substitution, sous forme d’hologrammes. Heureusement, elle peut compter sur Mikki, un automate touchant.

Si la réalité du jeune Arco semble utopique, celui d’Iris est toutefois à nos portes : un peu à la manière de l’excellent Mars Express de Jérémie Périn, le film imagine un futur plausible, peuplé de technologies utiles, discrètes et parfois étonnement sensibles. Si les machines sont bien synthétiques, les moments partagés, eux, ne le sont pas. Une société qui, à défaut d’avoir renversé le changement climatique, a appris à vivre avec ses conséquences. Ainsi, les habitations sont désormais équipées de bulles de protection, capables de les isoler en cas d’orage ou d’incendie. Avec son univers créatif et curieux, Arco est une œuvre qui ne cesse de surprendre : entre ses couleurs chatoyantes, la finesse de son dessin et sa belle bande originale, c’est un plaisir de tous les instants. Si le récit ne brille peut-être pas par son originalité, le film trouve toute sa grandeur dans la relation entre les personnages : comme dans Le Robot Sauvage, le don de soi occupe une grande place dans le film. Une jolie aventure, pleine de courage, de solidarité, d’abnégation et d’espoir pour demain.

RÉALISATEUR : Ugo Bienvenu
NATIONALITÉ : France
GENRE : Animation, Science fiction
AVEC : Swann Arlaud, Alma Jodorowsky, Margot Ringard Oldra
DURÉE : 1h28
DISTRIBUTEUR : Diaphana Distribution

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Lorsque Marcel Pagnol, un peu mal en point, reçoit la commande d’une rédactrice en chef d’un célèbre magazine féminin pour l’écriture d’un feuilleton sur sa vie, le cinéaste se laisse tenter. Et pourquoi pas ? Le problème, c’est par où commencer ? Heureusement, Monsieur Pagnol va pouvoir compter sur le petit Marcel pour retrouver le chemin de son passé. Ensemble, ils vont explorer une vie passionnée, au service de l’art dramatique.

Sans être d’une grande originalité, Marcel et Monsieur Pagnol vaut le détour autant pour sa beauté visuelle que son portrait mature et touchant d’un artiste complet, tout droit venu du pays des cigales.

Qu’il utilise une plume ou une caméra, le Marcel Pagnol du cinéaste Sylvain Chomet ne recule jamais devant la nouveauté ou l’adversité. La plume en main, il ne trouve dans son passé que des souvenirs flous. Emporté dans le maelstrom d’une vie faite de passion, d’amour et de créativité, l’artiste provençal doit s’arrêter un instant et revenir à ses origines. Alors que dans Le Petit Nicolas – Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ?, Sempé et Goscinny échangent avec leur création, ici l’artiste discute avec l’enfant qu’il a été. De sa jeunesse ensoleillée dans le sud de la France à ses débuts dans le théâtre à Paris en passant par son passage remarqué dans l’industrie cinématographique, en temps de guerre, le film revisite avec générosité les grandes heures de la vie de l’artiste, de Marcel à Monsieur Pagnol. Sans tomber dans l’hagiographie, le biopic montre les différentes facettes de l’homme, à la fois curieux, intelligent et grand romantique. Ayant longtemps grandi dans l’ombre de son père, il doute et apprend de ses échecs : toujours en mouvement et bien accompagné, il se réinvente sans cesse.

Une audace qui, en son temps, a fait bouger les lignes, notamment celle du cinéma en France. Voyant les choses en grand, il a profité de l’avènement du parlant pour repousser les limites du septième art : le cinéaste étend le langage cinématographique avec ses dialogues travaillés et ses décors réalistes. Le film accompagne d’ailleurs cette démarche en faisant évoluer, au fil du temps, sa propre palette de cadrages. Lorsque le cinéma entre dans la vie de Marcel Pagnol, la réalisation gagne en mobilité, l’oeuvre s’affranchit des codes du théâtre. Côté animation, le style si unique de Sylvain Chomet retranscrit avec soin l’esprit d’une époque, alliant minutie, légèreté et poésie. Sans être d’une grande originalité, Marcel et Monsieur Pagnol vaut le détour autant pour sa beauté visuelle que son portrait mature et touchant d’un artiste complet, tout droit venu du pays des cigales.

RÉALISATEUR : Sylvain Chomet
NATIONALITÉ : France, Belgique, Luxembourg
GENRE : Animation
AVEC : Laurent Lafitte, Géraldine Pailhas, Thierry Garcia
DURÉE : 1h30
DISTRIBUTEUR : Wild Bunch Distribution
SORTIE LE 15 octobre 2025

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Le jeune homme reste sans voix : son ancienne petite amie est enceinte… et il est le père. Que va-t-il faire ? Accepter l’enfant ? Le rejeter ? Il n’en sait rien, tout ce qu’il sait, c’est qu’il a du mal à respirer et que ce couloir de métro n’en finit pas. Le panneau de la sortie numéro 8 réapparaît inlassablement, tout comme ces affiches. Qu’il aille dans un sens ou dans l’autre, il revient sans cesse au même endroit. Heureusement, un panneau indique comment sortir de cet étrange lieu : il suffit de détecter les anomalies dans les différents couloirs. S’il en voit une, il doit faire demi-tour. S’il se trompe, il est renvoyé à la case départ.

A la jonction entre le minimalisme visuel de Cube et les questionnements de Vivarium, le film de Genki Kawamura est autant un puzzle horrifico-fantastique qu’un récit d’émancipation.

Ce n’est pas un hasard si Exit 8 évoque l’esthétique et la mécanique d’un jeu vidéo : le film est l’adaptation directe d’une courte expérience vidéoludique. Dès l’introduction, filmée à la première personne, on adopte le regard du protagoniste, comme plongé dans le jeu. On observe et entend comme le personnage. Une manière de nous immerger dans le récit et de multiplier les points de vue, la caméra finissant par se détacher du personnage. Le film s’amuse avec notre curiosité et cultive ses effets, entre tension et révélation. Si les premiers niveaux sont faciles, arriver jusqu’au huitième n’a rien de simple : à mesure qu’il avance, l’espace liminal s’infiltre dans l’intimité du jeune homme, jusqu’à bousculer sa perception du réel. Est-ce que cette personne est réelle ? Cette porte était bien fermée ?

Construit autour de la répétition, Exit 8 est conscient des limites de son concept et parvient, avec plus ou de moins de brio, à échapper à la monotonie. Tout ramène naturellement au chiffre huit, symbole de l’infini : le Boléro M.81 du compositeur français Maurice Ravel, la structure de l’espace liminal ou les informations sur les affiches. A la jonction entre le minimalisme visuel de Cube et les questionnements de Vivarium, le film de Genki Kawamura est autant un puzzle horrifico-fantastique qu’un récit d’émancipation. Le couloir, allégorie de nos ruminations mentales, agit comme un rite de passage, confrontant le personnage aux enjeux de la paternité et de la responsabilité. Au bout du chemin de croix, l’espoir d’une renaissance… et une adaptation très réussie d’un jeu vidéo.

RÉALISATEUR : Genki Kawamura
NATIONALITÉ : Japon
GENRE : Epouvante-horreur
AVEC : Kazunari Ninomiya, Yamato Kôchi, Naru Asanuma
DURÉE : 1h35
DISTRIBUTEUR : ARP Sélection
SORTIE LE 3 septembre 2025

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La petite fille dévore le monde de son regard : elle est une spectatrice muette, un tube digestif qui assimile, un Dieu impassible qui se contente d’être. Les parents, qui vivent temporairement au Japon, ne s’en font pas, « la plante » pousse à son rythme et finira bien par fleurir. A la fin des années 60, un tremblement de terre secoue la maison d’Amélie : elle sort avec fracas de sa coquille. Les cris remplacent le silence, la petite ne tient pas en place. Jusqu’au jour où, à la faveur d’une simple tablette de chocolat blanc, Amélie naît enfin. Et déjà, elle doit dire adieu à son royaume : la famille doit rentrer en Belgique.

Amélie et la Métaphysique des tubes est un récit initiatique singulier aussi touchant que poétique, sublimé par une grande beauté visuelle.

Périlleuse expérience que d’adapter la Métaphysiques des tubes et d’en faire un film d’animation à destination des petits et grands, d’autant plus dans le cadre d’un premier long métrage. C’était toutefois sans compter le talent du duo Mailys Vallade et Liane-Cho Han, qui ont su transposer avec sensibilité et intelligence l’ouvrage d’Amélie Nothomb. Le temps d’un film, on retombe dans un âge lointain : celui de la petite enfance. Dotée d’une certaine maturité, la petite voit (à son échelle) et tente de comprendre le monde qui l’entoure. Le dessin coloré et lumineux embrasse le regard curieux de la fillette, tout en suggérant l’aspect temporaire de cet état de grâce. Bientôt, il faudra faire face aux premières désillusions et accepter de laisser certaines choses derrière soi : ni Dieu, ni plante, ni éternelle, Amélie doit se résoudre à trouver sa place parmi les autres. Pour avancer, on doit parfois se délester de nos croyances et regrets. Le film explore notre relation au passé et ses répercussions, notamment à travers les personnages de Nishio-san et Kashima-san. En définitive, Amélie et la Métaphysique des tubes est un récit initiatique singulier aussi touchant que poétique, sublimé par une grande beauté visuelle. À l’image de sa jeune héroïne, on ressort grandi de ce joli voyage… métaphysique.

RÉALISATEUR : Mailys Vallade, Liane-Cho Han
NATIONALITÉ : France
GENRE : Animation
AVEC : Loïse Charpentier, Victoria Grosbois, Isaac Schoumsky
DURÉE : 1h17
DISTRIBUTEUR : Haut et Court
SORTIE LE 25 juin 2025

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Du 13 au 24 mai 2024, retrouvez notre couverture complète de cette 78ème édition du Festival de Cannes : nos critiques des films projetés, nos photos de l’évènement et plus encore. Vivez le festival avec MovieRama !

Tout savoir sur l’édition 2025 du Festival de Cannes

Demandez le programme !

• LA SÉLECTION OFFICIELLE. ANALYSE ET DÉCRYPTAGE
• QUINZAINE DES CINEASTES : DES CINEASTES ÉLECTRIQUES
• CANNES 2025 : PRONOSTICS ET CHOIX PERSONNELS
• BILAN DU FESTIVAL DE CANNES 2025 : POLITIQUE VERSUS ESTHETISME CHAPITRE 137

Nos critiques des films projetés

SELECTION OFFICIELLE

En compétition

• Sirat d’Oliver Laxe
• Dossier 137 de Dominik Moll
• Deux procureurs de Sergei Loznitsa
• Sound of Falling de Mascha Schilinski
• Eddington d’Ari Aster
• Renoir de Chie Hayakawa
• La Petite dernière de Hafsia Herzi
• Die, my love de Lynne Ramsay
• Nouvelle vague de Richard Linklater
• L’Agent secret de Kleber Mendonça Filho
• The Phoenician Scheme de Wes Anderson
• Alpha de Julia Ducournau
• Fuori de Mario Martone
• Les Aigles de la Répubique de Tarik Saleh
• Un Simple accident de Jafar Panahi
• Romeria de Carla Simon
• The History of Sound de Oliver Hermanus
• Valeur sentimentale de Joachim Trier
• Résurrection de Bi Gan
• Jeunes mères de Jean-Pierre et Luc Dardenne
• Woman and Child de Saeed Roustaee
• The Mastermind de Kelly Rechardt

Hors compétition

• Partir un jour d’Amélie Bonnin (film d’ouverture du Festival)
• Highest 2 lowest de Spike Lee
• Mission : Impossible – The Final Reckoning de Christopher McQuarrie
• Vie privée de Rebecca Zlotowski

Un Certain Regard

• Promis le ciel d’Erige Sehiri
• Le Mystérieux regard du flamant rose de Diego Cespedes
• L’Inconnu De La Grande Arche de Stéphane Demoustier
• Météors de Hubert Charuel et Claude Le Pape
• Love me tender d’Anna Cazenave Cambet
• My Father’s shadow d’Akilona Davies Jr
• Urchin de Harris Dickinson
• Eleanor the Great de Scarlett Johansson
• Caravane de Zuzana Špidlová
• Un Poète de Simón Mesa Soto
• Once upon a time in Gaza de Tarzan Nasser, Arab Nasser
• Le Rire et le Couteau de Pedro Pinho
• The Plague de Charlie Pollinger
• The Chronology of water de Kristen Stewart

Cannes Première :

• Ma Frère de Lise Akoka et Romane Guéret
• L’Amour qu’il nous reste de Hlynur Palmason
• La Disparition de Josef Mengele de Kirill Serebrennikov
• Libre échange de Michael Angelo Covino
• Love on trial de Koji Fukada

Séances Spéciales ou de Minuit

• Arco d’Ugo Bienvenu
• Marcel et Monsieur Pagnol de Sylvain Chomet
• Amélie et la Métaphysique des tubes, de Maïlys Vallade et Liane-Cho Han

Cannes Classics

• Barry Lyndon de Stanley Kubrick

QUINZAINE DES CINEASTES :

• La Mort n’existe pas de Félix Dufour-Laperrière
• The President’s Cake d’Hasan Hadi
• L’Engloutie de Louise Hémon
• Miroirs No.3 de Christian Petzold
• Enzo de Robin Campillo
• Dangerous animals de Sean Byrne
• Militantropos d’Alina Gorlova, Yelizaveta Smith, Simon Mozgovyi
• Oui de Nadav Lapid
• Indomptables de Thomas Ngijol

SEMAINE DE LA CRITIQUE

• L’Intérêt d’Adam de Laura Wandel
• Kika de Alexe Poukine
• Nino de Pauline Loquès
• Ciudad sin sueno de Guillermo Galoe
• Des Preuves d’amour d’Alice Douard

SELECTION DE L’ACID

• Put Your Soul on Your Hand and Walk de Sepideh Farsi
• L’Aventura de Sophie Letourneur
• Nuit obscure – Au revoir ici, n’importe où, de Sylvain George
• La Couleuvre noire d’Aurélien Vernhes-Lermusiaux

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Sous le regard de curieux, des lumières colorées s’évanouissent dans un ciel orageux. Au loin, une ville s’illumine lentement, le temps reprend son cours. Pour les spectateurs de cette surprenante scène, c’est une nouvelle page qui s’ouvre : une image s’est imposée, elle va rapidement devenir une obsession, une fuite en avant. Bien que père et mari, Roy Neary échappe lentement aux siens. Comme les lumières, il ne laisse dans son sillage qu’incompréhension et grondement. Cette obsession, c’est aussi celle de Steven Spielberg qui, de 1977 à 2023, n’a cessé de graviter autour du thème de la famille. Avec Rencontres du troisième type, son quatrième long métrage métrage (cinquième en comptant la version cinéma de Duel), le cinéaste s’échappe des fonds marins et s’élève vers d’autres cieux. Un premier rendez-vous avec les extra-terrestres dans une carrière parsemée d’étranges rencontres avec des êtres venus d’ailleurs (pas toujours bien intentionnés).

Des faits étranges se produisent un peu partout dans le monde : des avions qui avaient disparu durant la Seconde Guerre mondiale sont retrouvés au Mexique en parfait état de marche, un cargo est découvert échoué au beau milieu du désert de Gobi.

Dans l’Indiana, pendant qu’une coupure d’électricité paralyse la banlieue, Roy Neary, un réparateur de câbles, voit une « soucoupe volante » passer au-dessus de sa voiture. D’autres personnes sont également témoins de ce type de phénomène : Barry Guiler, un petit garçon de quatre ans, est réveillé par le bruit de ses jouets qui se mettent en route.

Roy vit son rêve, quoi qu’il en coûte. Derrière ce comportement immature, on retrouve le thème de l’enfance, cher à Spielberg, mais aussi celui de la fragilité de la cellule familiale, gangrenée par un élément extérieur.

En 1977, le Nouvel Hollywood, un mouvement inspiré par la Nouvelle Vague, se trouve à la croisée des chemins : il faut choisir entre la marginalisation ou le début de l’ère des superproductions. Quelques années avant la fin de cette brève parenthèse, deux jeunes cinéastes commencent déjà à scruter par-delà l’horizon : George Lucas et Steven Spielberg. La même année, ils sortent Star Wars et Rencontres du troisième type. La science-fiction, le cinéma de genre, est à l’honneur, c’est une rupture de ton et un changement important de paradigme. On se met à rêver d’un nouveau monde, le rêve américain de Ronald Reagan, passé d’Hollywood à la Maison-Blanche, approche.

Là où le film de Lucas se déroule dans une galaxie lointaine peuplée de différentes races d’extraterrestres, Rencontres du troisième type s’inscrit dans un contexte bien plus terre-à-terre. En Indiana, un réparateur de câbles, Roy Neary, est témoin d’un phénomène étrange dans le ciel. Son visage brûlé est autant marqué que son esprit : il doit comprendre ce qui s’est passé cette nuit. Une forme l’obnubile sans qu’il ne sache ce que c’est, ni où elle se situe. Ailleurs dans le pays, une mère cherche désespérément Barry, son enfant enlevé lors d’une nuit étrangement lumineuse. Enfin, le savant français Claude Lacombe parcourt le monde à la recherche de réponses : d’où vient ce cargo échoué dans le désert de Gobi, ces avions de la Seconde Guerre au Mexique, et ces entêtantes notes de musique ?

La réponse à ces questions se trouve quelque part dans l’ombre, dans le hors-champ. Comme dans Les Dents de la mer, Spielberg construit son film autour d’un paradoxal duo absence physique/présence permanente. Eblouis, les personnages ne peuvent voir ce qui se cache dans le halo, c’est à la fois un mystère et une invitation. Baigné dans la lumière, Roy se transforme en un Moïse en quête de sa terre promise. Pour atteindre son objectif, le père de famille doit se dépouiller de ce qui l’alourdit : son mode de vie, sa famille et sa maison. Un geste de destruction libérateur, sans remords, une véritable fuite vers un avenir impénétrable. Roy vit son rêve, quoi qu’il en coûte. Derrière ce comportement immature, on retrouve le thème de l’enfance, cher à Spielberg, mais aussi celui de la fragilité de la cellule familiale, gangrenée par un élément extérieur. On ne comprend plus le père de famille, qui agit et parle comme un illuminé, comme sous le coup d’une maladie qui ne dit pas son nom. La communication étant impossible, les liens se défont. Et c’est justement tout l’enjeu de Rencontres du troisième type : créer un langage commun.

Une thématique que l’on retrouve notamment dans Premier Contact de Denis Villeneuve. Dans l’oeuvre de Spielberg, ce sont cinq petites notes du compositeur John Williams qui nous permettent d’échanger avec nos visiteurs nocturnes. Un lexique épuré, pour ne rien dire de plus que l’essentiel. En haut d’un monolithe, la Devils Tower, l’entêtante musique transcende les frontières. Une conclusion mémorable, teintée d’innocence, où se rencontrent l’intime et le collectif, ici et au-delà. Les yeux dans le ciel, on rêve d’ailleurs.

RÉALISATEUR : Steven Spielberg 
NATIONALITÉ :  américaine 
GENRE : aventure, drame, science-fiction
AVEC : Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr
DURÉE : 2h15
DISTRIBUTEUR : Park Circus France
SORTIE LE 24 février 1978

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En août 1792, la famille royale est incarcérée au donjon de la Tour du Temple. Des centaines de gardes se relaient pour surveiller Louis XVI et Marie-Antoinette. Dans les mois qui suivent, la monarchie tombe et le roi est condamné à mort. Pour le couple royal, c’est un véritable déluge : alors qu’un nouveau monde naît, le leur s’écroule.

Un film sensible, incarné et minimaliste, tout en finesse.

Enfermé dans un long couloir fastueux, Louis XVI et Marie-Antoinette se préparent : ils enfilent les habits royaux, se maquillent. Avec rigueur et solennité, les époux se rapprochent, ils sont prêts. Ce sont deux statues dans un musée, des figures vivantes qui appartiennent à une période révolue, les ultimes avatars d’un pouvoir qui n’a jamais imaginé sa fin. Au bord du précipice, le couple continue son cérémonial : la monarchie défaite résiste dans un jeu de dupes. Construit en trois temps (les Dieux, les hommes, les morts), le film suit le dépouillement du roi, de monarque divin à simple citoyen. De l’opulence à la promiscuité, il n’y a qu’un pas pour Louis XVI et sa famille. Face à la marche du temps, il fait bonne mine, contrairement à Marie-Antoinette, résolue à se battre contre l’évidence. Au fil des semaines et des humiliations, la royauté s’évapore, l’humilité apparaît. Vivre comme tout le monde, est-ce encore possible ? Un monarque désavoué peut-il devenir un citoyen ? Si l’ancien roi paraît déboussolé, quelque part fuyant, ce n’est qu’une apparence : il sait au fond de lui ce qui se trame. Sa femme aussi, mais il lui est plus difficile d’accepter son destin. Lorsque Marie-Antoinette apprend le sort réservé à son mari, l’émotion l’emporte, les larmes coulent, les cris s’échappent. Derrière une porte en verre, des députés assistent à la scène : est-ce une tentative désespérée d’émouvoir ou un cri du cœur ? Dans les deux cas, plus qu’à l’histoire, ils assistent à la fin d’une famille.

Le film de Gianluca Jodice humanise sans faire fi du passé, Le Déluge tente d’atteindre l’essentiel : ce qui se cache derrière les ornements. Comment le torrent de l’histoire peut déshabiller les êtres et comment nous survivons dans un monde en pleine mutation. Une transformation qui touche tout le monde : le pouvoir change de main, les rôles aussi. C’est une pièce de théâtre à ciel ouvert où chacun doit trouver sa place, en accord avec soi. La réalisation fait vivre ces mouvements : aux plans fixes et construits des premiers instants succède une caméra portée dans la deuxième partie du film, plus éprouvante. La magnifique photographie du film, froide et esthétique, s’accorde très bien avec la bande originale de Fabio Massimo Capogrosso, aussi élégante que pertinente. Le roi est mort, vive la République !

RÉALISATEUR : Gianluca Jodice
NATIONALITÉ : France, Italie
GENRE : Drame, historique
AVEC : Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Aurore Broutin
DURÉE : 1h41
DISTRIBUTEUR : Memento Distribution
SORTIE LE 25 décembre 2024

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Quelque part dans un bois enneigé, vivent un pauvre bûcheron et une pauvre bûcheronne. Ils résistent tant bien que mal au froid, à la faim et aux affres d’une guerre devenue mondiale. Un terrible conflit qui oppose ceux qui ont un cœur aux « sans-cœurs ». Près de la cabane du couple passe régulièrement un train de marchandises, lancé à toute allure. Un jour, une petite marchandise tombe d’un wagon : un bébé, enveloppé dans un tissu. Un cadeau inespérée pour pauvre bûcheronne, qui y voit un signe du destin. Avec son mari, ils vont devoir faire face à la haine et à la délation. A quelques kilomètres de là, les parents de l’enfant arrivent dans un camp de la mort.

Tiré du roman de Jean-Claude Grumberg, La Plus Précieuse des marchandises affronte notre mémoire collective : l’œuvre ancre la Shoah dans un conte intemporel, entre humanité et monstruosité. Dans une Pologne qui ne dit pas son nom, sont déportées des personnes portant une étoile jaune. Pourquoi ? Parce qu’ils sont différents, parce qu’ils n’ont pas de cœur, parce qu’ils sont responsables des maux du monde, parce que, tout simplement. Dans les bois, un train anonyme passe encore et encore, il carbure à la haine, indifférent au sort des « marchandises » qu’il transporte. Dans cette nature blanche, le bruit des wagons brise la douceur des bois. Pourtant, en tendant bien l’oreille, on peut entendre plus que la fureur : le rythme s’apparente à celui du battement d’un cœur.

Au bout du chemin de croix, fait d’espoir et de courage, la voix de l’acteur Jean-Louis Trintignant : l’essentiel, c’est l’amour, « tout le reste est silence ».

Alliant pesanteur et grâce, le film de Michel Hazanavicius parvient toujours à être à bonne distance de son sujet. Un regard délicat, tout en justesse, qui touche par sa sensibilité. La Plus Précieuse des marchandises est tout autant capable de faire rire, pleurer, que réfléchir, sans jamais basculer dans le pathos. Un récit entrecoupé de moments d’une tension rare, bousculant la narration, percutant nos attentes et nos sens. D’un coup, le conte au drame qui ne dit pas son nom se transforme en une véritable expérience visuelle et sonore : des visages dessinés au fusain envahissent l’écran, ils ont la bouche ouverte, un cri sans cri, une détresse muette. On n’entend que la musique d’Alexandre Desplat, impeccable, puissante et soignée. Une scène qui glace le sang. On est réellement surpris par la force de la mise en scène, évocatrice des sentiments des personnages et du choc émotionnel ressenti. Au bout du chemin de croix, fait d’espoir et de courage, la voix de l’acteur Jean-Louis Trintignant : l’essentiel c’est l’amour, « tout le reste est silence ».

RÉALISATEUR : Michel Hazanavicius
NATIONALITÉ : Belgique, France
GENRE : Animation, drame
AVEC : Jean-Louis Trintignant, Dominique Blanc, Denis Podalydès
DURÉE : 1h21
DISTRIBUTEUR : StudioCanal
SORTIE LE 20 novembre 2024

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Un chat casanier vit dans une maison abandonnée, au beau milieu d’une épaisse forêt. Il n’y a pas l’ombre d’un humain, seulement des vestiges et d’imposantes statues à l’effigie des chats. Un cataclysme va changer la vie du félin et de ses voisins : lorsque l’eau se met subitement à grimper, s’adapter est une question de vie ou de mort.

Un joli voyage initiatique, touchant et attachant, au service d’un message d’unité et d’entraide

Variation autour de l’arche de Noé, Flow embarque dans son navire une joyeuse troupe d’animaux : un chien joueur, un lémurien légèrement kleptomane, un capybara curieux et un valeureux serpentaire. C’est à la faveur de ce bouleversement qu’ils se rencontrent et collaborent. Ensemble, ils vont surmonter des obstacles et apprendre à accepter leurs différences. Le chat, peureux, n’est pas dans son élément et pourtant, il doit affronter ses angoisses pour survivre dans ce monde réinventé. Un univers vert et mystérieux que l’on découvre de manière sensorielle, à hauteur d’animal, sans parole. L’héritage de l’humanité est visiblement matériel : des débris, des outils et surtout, des bateaux. Au fil de l’eau, on navigue entre gravité et légèreté. Tantôt contemplatif, tantôt nerveux, Flow nous convie à un beau et surprenant périple émotionnel. Comme son titre le laisse deviner, le film existe avant tout dans le mouvement : plus le film s’agite, plus il éveille nos sens. Singulier, l’aspect visuel impressionne autant par sa fluidité que son sens aigu de la mise en scène, notamment grâce au dynamisme de la caméra. Il faut également souligner la qualité de la bande originale, qui accompagne avec brio le récit. Un joli voyage initiatique, touchant et attachant, au service d’un message d’unité et d’entraide.

RÉALISATEUR : Gints Zilbalodis
NATIONALITÉ : Lettonie, France, Belgique
GENRE : Animation
DURÉE : 1h25
DISTRIBUTEUR : UFO Distribution
SORTIE : le 30 octobre 2024 

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