Comme le dit également Thierry Frémaux, délégué général du Festival de Cannes, le cinéma est loin d’être mort, contrairement à ce que pouvaient prophétiser dans les années 80 Jean-Luc Godard, Serge Daney, voire Wim Wenders : 2541 longs métrages venant de 141 pays ont été vus cette année par le comité de sélection, soit 1 000 de plus qu’en 2016. Selon lui, dans cette sélection, il existe cette année « des choses très belles, des films très intelligents, montrant un très haut niveau de pensée, nous disant ce qu’est le monde contemporain », mettant en valeur la vie en groupe, à travers la douceur, la nature, les chansons, la famille, etc.

Plus prosaïquement, le cinéphile pourra constater que cette sélection poursuit le mouvement amorcé à partir de l’année dernière, soit un renouvellement naturel des générations. Les grands maîtres tournent plus rarement ; d’autres metteurs en scène plus jeunes prennent leur place, héritent de la pleine lumière et construisent une oeuvre qui fera ensuite référence comme celles de leur prédécesseurs. On ne peut en effet plus guère faire le reproche à Thierry Frémaux de se reposer sur une politique des auteurs abonnés. Cette année en 2026, sur 21 films sélectionnés en compétition, onze viennent de metteurs en scène primo-entrants qui n’avaient jamais été sélectionnés. Mais explorons plus en détail cette compétition de la Sélection Officielle.

Le cinéma français en force

Il est difficile de ne pas constater une certaine hégémonie française : un quart de la compétition est strictement français (Charline Bourgeois-Tacquet, Arthur Harari, Léa Mysius, Emmanuel Marre, Jeanne Herry) mais cet ensemble déjà imposant se gonfle de trois unités supplémentaires avec les films français de cinéastes étrangers, Moulin de Laszlo Némès, Soudain de Ryusuke Hamaguchi, avec Virginie Efira et Histoires parallèles d’Asghar Farhadi, avec Isabelle Huppert, Vincent Cassel et encore Virginie Efira, ce qui fait passer le total à plus du tiers environ de la compétition, sans même compter l’ouverture La Vénus Electrique de Pierre Salvadori, hos compétition. Dans ces huit films figurent les actrices françaises en vogue du moment, récemment nommées aux César : Adèle Exarchopolos (Garance de Jeanne Herry), Léa Drucker et Mélanie Thierry (La Vie d’une femme de Charline Bourgeois-Tacquet), Léa Seydoux (L’Inconnue d’Arthur Harari), Hafsia Herzi (Histoires de la nuit de Léa Mysius, d’après le roman de Laurent Mauvignier, récent Prix Goncourt pour La maison vide), Virgine Efira (Soudain, Histoires parallèles) et l’éternelle Isabelle Huppert (Histoires parallèles). Dans les cinq films du quota français originel, il est possible de se demander lesquels seront distingués pour leur interprétation, en particulier féminine, et ceux qui permettront à leurs autrices ou auteurs d’effectuer une « Justine Triet », soit en un film, de devenir un metteur en scène indispensable et incontestable. Sans avoir vu les films, on ne s’aventurera pas à départager Jeanne Herry, Léa Mysius et Charline Bourgeois-Tacquet (même si les deux premières semblent a priori les hypothèses les plus favorables), tant le Festival de Cannes a été propice aux surprises les plus invraisemblables. Néanmoins une énorme curiosité va sans doute entourer L’Inconnue d’Arthur Harari, avec Léa Seydoux et Niels Schneider, inspiré d’un roman graphique, dont le point de départ, à grand renfort de substitution de personnalité et de schizophrénie, semble rappeler The Substance de Coralie Fargeat. Frémaux évoque au sujet de L’Inconnue un des films les plus disputés au sein du comité de sélection et une possible bataille d’Hernani comparable à celles de L’Avventura et de La Dolce Vita, On a hâte d’y être.

Le cinéma américain en berne

On peut se demander si cette mise en avant du cinéma français n’est pas également due en compensation à une grande discrétion du cinéma américain, par effet de vases communicants. Frémaux, en préambule, a d’ailleurs prévenu que cette année, les majors américaines ne seraient pas au rendez-vous, contrairement aux années précédentes où Top Gun : Maverick, Furiosa, Killers of the flower moon, Mission : Impossible : the final reckoning avaient fait les belles heures des amateurs de spectacle hollywoodien. Par conséquent, cette année, on ne pourra pas trop compter, à moins d’immenses surprises, sur L’Odyssée de Christopher Nolan ou Disclosure day de Steven Spielberg qui ont sans doute emprunté d’autres chemins de promotion. Seul en compétition pour l’instant, apparaît The Man I love d’Ira Sachs, digne représentant du cinéma indépendant américain, sur la vie au temps du Sida dans les années 80, ce qui peut paraître un peu mince. Thierry Frémaux promet néanmoins un film qui ne se trouve pas dans la sélection mais qui devrait y être dans quelques jours, dans les compléments de sélection. Selon toute probabilité, il ne pourrait s’agir que de Paper tiger de James Gray, avec Adam Driver, Scarlett Johansson et Miles Teller, ce qui permettrait de rehausser légèrement le taux de participation du cinéma américain, très faible cette année.

Les cinéastes asiatiques en embuscade

Est-ce parce que Park Chan-wook est président du jury? Cette année, contrairement à l’année dernière, les cinéastes asiatiques sont plutôt bien représentés en compétition, en particulier du côté du Japon. Trois grands cinéastes japonais viennent en délégation : Hirokazu Kore-eda (Sheep in the box, avec un synopsis assez proche de A.I. : intelligence artificielle de Steven Spielberg), Koji Fukada (Quelques jours à Nagi, dont le scénario semble assez correspondre à la description de la beauté entrevue dans les films cette année par Frémaux) et Ryusuke Hamaguchi (Soudain, dont nous avons déjà parlé, sur la vie dans un EHPAD en région parisienne). Pourtant la grande surprise, c’est sans doute la présence en compétition de Hope de Na Hong-jin, l’auteur sud-coréen de thrillers cultes (The Chaser, The Murderer, The Strangers). Thierry Frémaux évoque à son sujet un film qui se métamorphoserait au fil de son déroulement, une sorte de film mutant, avec au milieu d’un casting coréen, la présence intrigante de Michael Fassbender et d’Alicia Vikander. Là aussi, l’impatience est avérée.

L’Europe et les cinéastes en quête de Palme d’or

Le reste de la sélection concerne essentiellement des cinéastes européens, avec un accent particulier sur l’Espagne, après le coup d’éclat l’année dernière réussi par Sirāt d’Oliver Laxe. Le grand patron Pedro Almodóvar (Autofiction, déjà sorti en Espagne et qui sortira en France le 20 mai pendant le Festival) qui a choisi cette fois-ci des acteurs peu habituels dans sa filmographie (Barbara Lennie et Victoria Luengo), est accompagné par des cinéastes de la génération suivante, dans la quarantaine, Rodrigo Sorogoyen (L’Etre aimé, avec Javier Bardem et à nouveau Victoria Luengo) et Javier Calvo et Javier Ambrossi (La Bola Negra, avec une apparition de Penelope Cruz, la muse de Pedro, que Frémaux promet inoubliable). Deux réalisatrices seront également présentes : Marie Kreutzer (Corsage) pour l’Autriche, avec Gentle Monster, une étrange histoire de couple, bénéficiant de la présence de Léa Seydoux, et Valeska Grisebach (L’Aventure rêvée), produite par Maren Ade (Toni Erdmann). Enfin quatre cinéastes européens complètent la sélection : l’un, Cristian Mungiu, cinéaste roumain, est un habitué de la compétition et a déjà remporté la Palme d’or avec 4 mois, trois semaines et deux jours en 2007. Avec Fjord, il expérimente un casting totalement inédit pour lui : Sébastien Stan (le Donald Trump de The Apprentice) et Renate Reinsve, la muse norvégienne des récents Joachim Trier (Julie (en douze chapitres) et Valeur sentimentale). Il pourrait très bien rééditer l’exploit de remporter la Palme d’or, presque vingt ans après sa première, avec l’histoire d’un couple roumano-norvégien aux principes d’éducation peut-être trop traditionnels. Les trois autres ont tous reçu des honneurs divers au Festival de Cannes et sont des postulants sérieux pour la Palme d’or : Lukas Dhont (Caméra d’or pour Girl, Grand Prix du jury pour Close), jeune cinéaste belge de 34 ans, présente son troisième film, Coward, film d’époque et de guerre, sur la Première Guerre Mondiale ; Pawel Pawlikowski, metteur en scène polonais (Ida, Oscar du meilleur film étranger en 2015, Cold War, Prix de la mise en scène à Cannes en 2018), propose Fatherland , oeuvre en noir et blanc comme ses deux précédents films, sur le retour de Thomas Mann en terre allemande, qu’il avait fuie à l’arrivée au pouvoir des nazis, avec Hanns Zischler, Sandra Hüller, August Diehl ; enfin Andreï Zviaguintsev (Prix du Scénario pour Léviathan en 2014, Prix du jury pour Faute d’amour en 2017) , cinéaste russe ayant quitté la Russie, met en scène avec Minotaure la vie d’un chef d’entreprise en Russie en 2022 qui va basculer dans la violence. Si on rajoute donc Pedro Almodóvar et James Gray (potentiel sélectionnable) qui n’ont jamais vaincu le signe indien, en dépit d’un record remarquable de sélections en compétition, cela constitue un nombre impressionnant de prétendants sérieux à la Palme d’or, récompense qu’ils n’ont jamais remportée.

Les autres sections, les oubliés, les pronostics

Cet article est essentiellement centré sur la compétition de la Sélection Officielle. Pourtant les autres sections offriront certainement leur lot de bonnes surprises. Citons presque au hasard par exemple dans Un Certain regard son film d’ouverture Teenage sex and death at camp miasma de Jane Schoenbrun, un film d’horreur avec Hannah Eibinder, la star de Hacks et Gillian Anderson, Les Eléphants dans la brume de Abinash Bikram Shah, premier film népalais sélectionné à Cannes, Club Kid, premier film de Jordan Firstman, avec Cara Delevingne, Quelques mots d’amour de Rudi Rosenberg, avec Hafsia Herzi, De toutes les nuits, les amants de Yukiko Sode, sans doute le plus beau titre des films de la Sélection officielle, en espérant que le film se montrera à la hauteur de son titre. Pour le hors compétition, on sera sans doute intéressé par L’Abandon de Vincent Garencq sur le destin tragique de Samuel Paty, le retour d’Agnes Jaoui dans L’Objet du délit sur #MeToo à l’opéra, ainsi que par le nouveau Nicolas Winding Refn, Her private hell, avec Sophie Thatcher, Quant aux séances de minuit, c’est évidemment le refuge des marginaux et excentriques : Quentin Dupieux (Full Phil avec Kristen Stewart, Woody Harrelson), Bertrand Mandico (Roma Elastica, avec Marion Cotillard et Noémie Merlant), Marion Le Coroller (Sanguine, premier film à la Ducournau), Marco Nguyen et Nicolas Athane (Jim Queen, film d’animation sur un virus qui transformerait les gays en hétérosexuels), et Yeon Sang-ho (Colony sur la contamination et le confinement), quelques années après Dernier train pour Busan. Pour Cannes Première, citons Le château d’Arioka de Kiyoshi Kurosawa, l’un des maîtres de Ryusuke Hamaguchi, et pour les séances spéciales, L’Affaire Marie-Claire de Lauriane Escaffre et Yvo Muller, où Charlotte Gainsbourg interprète Gisèle Halimi.

En revanche, hormis James Gray (Paper Tiger) dont la présence serait attendue dans les compléments de sélection, certains cinéastes manquent à l’appel : Albert Serra (Out of this world, au beau titre inspiré par The Cure, avec Riley Keough, remplaçant Kristen Stewart), Kantemir Balagov (Butterfly Jam), Werner Herzog (Bucking Fastard, avec les soeurs Mara), David Robert Mitchell (The End of Oak Street, avec Anne Hathaway et Ewan MacGregor), Joel Coen (Jack of Spades), Kirill Serebrennikov (Après, avec un casting principalement français), Nanni Moretti (It will happen tonight, avec Louis Garrel, Jasmine Trinca), Bruno Dumont (Les Roches rouges), Radu Jude (Journal d’une femme de chambre), etc. Si certains pourront trouver refuge cannois à la Quinzaine des Cinéastes (peut-être Serra, Balagov, Serebrennikov, Dumont, Jude), d’autres choisiront sans doute l’option Venise (Herzog, Moretti, Mitchell, Coen), à moins que Frémaux n’en rattrape in extremis certains dans ses fameux compléments de sélection. Quoi qu’il en soit, deux absents de marque ont probablement décidé de retrouver la Croisette pour le 80ème Festival dans un choc hors du commun : Terrence Malick qui achèvera peut-être son projet serpent de mer sur la vie du Christ (The Way of the Wind) versus Ruben Östlund qui est reparti peaufiner le montage de The Entertainment System is down, avec Keanu Reeves et Kirsten Dunst, pour essayer d’obtenir une troisième Palme d’or, ce qui représenterait un record inégalé dans l’histoire du Festival.

D’après certains commentaires que Thierry Frémaux a laissé échapper lors de la conférence de presse, Javier Bardem ferait une performance d’acteur monumentale dans L’Etre aimé de Rodrigo Sorogoyen, tandis que Lukas Dhont (Coward) et les réalisateurs de La Bola Negra se signaleraient particulièrement par leur mise en scène. De là à ce qu’ils obtiennent les prix correspondants…On peut aussi remarquer la longueur impressionnante de Soudain de Ryusuke Hamaguchi, 3h16 qui laisse augurer d’un beau et immersif voyage cinématographique. Il est possible aussi de remarquer que, hormis l’Almodóvar qui sortira le 20 mai et le Kore-eda qui reste fidèle à son sacro-saint mois de décembre, certains films ont déjà leur date de sortie en France calée entre août et octobre 2026 : Soudain, L’Inconnue, Fjord, Histoires de la nuit, Moulin, Minotaure. Auto-satisfaction un peu précoce ou prévision raisonnable de possibles récompenses?

L’Histoire, la fiction, la vie en groupe

Trois thématiques semblent se partager assez équitablement les films de cette compétition : la fiction à travers des comparaisons entre fiction et réalité ou des histoires de cinéma (Autofiction de Pedro Almodovar, Histoires parallèles d’Asghar Farhadi, La Vie d’une femme de Charline Bourgeois-Tacquet, Garance de Jeanne Herry, L’Etre aimé de Rodrigo Sorogoyen, L’Inconnue d’Arthur Harari) ; l’Histoire sur différentes périodes, avec un focus particulier sur la Seconde Guerre Mondiale (Notre Salut d’Emmanuel Marre, Moulin de Laszlo Némès, La Bola Negra de Javier Calvo et Javier Ambrossi, Fatherland de Pawel Pawlikowski, Coward de Lukas Dhont, The Man I love d’Ira Sachs), la vie en groupe, de couple ou de famille (Soudain de Ryusuke Hamaguchi, Gentle monster de Marie Kreutzer, Fjord de Cristian Mungiu, Histoires de la nuit de Léa Mysius, Minotaure de Andrey Zviaguintsev, Hope de Na Hong-Jin, Sheep in the box de Hirokazu Kore-eda, Quelques jours à Nagi de Koji Fukada, L’Aventure rêvée de Valeska Grisebach). A travers ces trois thématiques, cette édition du Festival de Cannes compte bien radiographier, pour paraphraser Quentin Dupieux dans Fumer fait tousser, ce « changement d’époque en cours », que nous vivons tous actuellement. Un changement de génération mais aussi d’époque tout court, dont ce Festival se fera le témoin.

COMPÉTITION
12 au 23 Mai 2026

Film d’Ouverture :
LA VÉNUS ÉLECTRIQUE Pierre SALVADORI Hors Compétition

AMARGA NAVIDAD Pedro ALMODÓVAR
HISTOIRES PARALLÈLES Asghar FARHADI
LA VIE D’UNE FEMME Charline BOURGEOIS-TACQUET
LA BOLA NEGRA Javier CALVO et Javier AMBROSSI
COWARD Lukas DHONT
DAS GETRÄUMTE ABENTEUER Valeska GRISEBACH
SOUDAIN HAMAGUCHI Ryusuke
L’INCONNUE Arthur HARARI
GARANCE Jeanne HERRY
SHEEP IN THE BOX KORE-EDA Hirokazu
HOPE NA Hong-jin
NAGI NOTES FUKADA Koji
(QUELQUES JOURS À NAGI)
GENTLE MONSTER Marie KREUTZER
NOTRE SALUT Emmanuel MARRE
FJORD Cristian MUNGIU
HISTOIRES DE LA NUIT Léa MYSIUS
MOULIN László NEMES
FATHERLAND Pawel PAWLIKOWSKI
THE MAN I LOVE Ira SACHS

EL SER QUERIDO Rodrigo SOROGOYEN

MINOTAURE Andrey ZVYAGINTSEV

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À quelques jours de leur mariage, l’équilibre d’un couple vacille lorsqu’un secret troublant vient remettre en question tout ce qu’ils croyaient savoir l’un de l’autre.

Excellemment scénarisé et mis en scène, The Drama est une sorte de comédie de remariage, avant le mariage, où le couple doit affronter la rumeur, l’image de l’autre qui s’effondre, la confrontation avec la cérémonie, pour mieux affirmer leurs voeux d’union sacrée.

Le cinéma norvégien a décidément le vent en poupe. Après La Trilogie d’Oslo Désir–Rêves–Amour de Dag Johan Haugerud, Valeur sentimentale de Joachim Trier (Oscar 2026 du meilleur film international) et The Ugly stepsister d’Emilie Blichfeldt, Kristoffer Borgli s’inscrit dans cette vague décapante qui inscrit la Norvège comme l’un des pays actuellement les plus passionnants, cinématographiquement parlant. Et ce, même s’il a quitté la Norvège depuis quatre ans pour vivre à Los Angeles. En effet, même sous l’apparence d’un blockbuster avec les deux acteurs parmi les plus séduisants d’aujourd’hui, The Drama est ainsi complètement un film indépendant, profondément inspiré par le cinéma européen : on y croise une photo de Liv Ullmann dans un film de Bergman, et on y pense très fort à la cérémonie de mariage qui part à la dérive dans Melancholia de Lars von Trier.

Pourtant le film semble commencer de façon anodine : un jeune homme, Charlie (Robert Pattinson), aborde de façon maladroite une jeune femme, Emma, en train de lire dans une cafétéria. Mais Borgli nous met d’emblée la puce à l’oreille en filmant dès le premier plan, justement une oreille de manière insistante, à la manière d’un Lynch dans Blue Velvet. La jeune femme, Emma, est sourde d’une oreille et écoutant de la musique de son oreille valide, n’entendra pas tout de suite son soupirant qui croira avoir été rejeté sans aménité. A partir de là, Borgli nous conduira jusqu’à la raison de cette surdité inattendue.

Très vite, le film avancera rapidement dans le temps. Les tourtereaux tombent amoureux et ne se trouvent plus qu’à une seule semaine de leur mariage. Charlie essaie de rédiger son discours de jeune marié. Les deux fiancés organisent tous les détails de leur mariage : liste des invités, musique sélectionnée par une DJ, danses et photos de mariage, etc. Tout semble se dérouler dans le meilleur des mondes, jusqu’à une scène de repas où Emma et Charlie répondent à un défi de leurs meilleurs amis, Rachel (Alana Haim) et Mike (Mamoudou Athie) : raconter la pire action de leur vie, ce qui rappelle un peu les thématiques de Ruben Ostlund. Petites lâchetés, cruauté mentale et cyberharcèlement se succèdent jusqu’à ce que Emma raconte la sienne.

A partir de là, le film interrogera l’image projetée par chacun, sa façade sociale, et l’être intérieur véritable. Charlie commencera à avoir peur de sa Dulcinée car on ne connaît jamais vraiment quelqu’un. Se déchaîneront ensuite la suspicion des amis et la rumeur colportée par les invités. Utilisant le style fragmenté d’Alain Resnais dans la première partie de son oeuvre ou de Nicholas Roeg, Borgli orchestre cette spirale négative de brillante façon entre flash-backs sur l’adolescence tourmentée d’Emma, et images mentales de Charlie se figurant Emma en psychopathe. Joliment mis en scène, le film enchaîne les plans inattendus de façon toujours surprenante et incongrue.

Dans ses deux précédents films, Borgli avait déjà exploré les dysfonctionnements d’un couple composé d’ultra-narcissiques (Sick of myself) et la viralité des rêves (Dream scenario). Il reprend ici en partie des aspects de ses deux premiers films, mais dans un contexte a priori totalement réaliste. Néanmoins au-delà de son postulat scénaristique de départ, le film ne semble pas creuser très profondément son argument, laissant surtout ses deux vedettes, Zendaya et Robert Pattinson, révéler tout leur potentiel à la fois comique et dramatique. Ce qui n’empêche pas, même s’il ne laisse pas forcément des souvenirs intangibles, The Drama de demeurer une agréable comédie noire, fort divertissante et souvent hilarante.

RÉALISATEUR : Kristoffer Borgli 
NATIONALITÉ :  américaine 
GENRE : comédie noire, comédie romantique 
AVEC : Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie
DURÉE : 1h46 
DISTRIBUTEUR : Metropolitan FilmExport 
SORTIE LE 1er avril 2026 

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Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. .En 1908, il suit Grete, une étudiante surdouée qui lutte pour exister dans un milieu qui l’ignore. Dans les années 70, il voit Hannes, un autre étudiant, s’éveiller à l’amour et au monde des plantes. Aujourd’hui, le vieil arbre parle avec Tony, un neurobiologiste hong-kongais, dans son langage secret. Autour de lui, certains se cherchent, d’autres se rencontrent. Lui demeure, ami silencieux, dans un temps plus vaste que le leur.

Silent Friend d’Idliko Enyedi n’est pas toujours parfaitement compréhensible car jouant souvent de l’ellipse et l’allégorie, mais il demeure de bout en bout fascinant, se prêtant à de multiples visionnages.

Avec Silent Friend, Idliko Enyedi retrouve la nature expérimentale de son travail, en superposant trois histoires se passant à des périodes historiques différentes, dans le même lieu, le jardin botanique de l’université de Marburg. A Cannes, l’année dernière, on se souvient que de manière assez similaire, Mascha Schilinski avait conjugué dans Les Echos du passé (Sound of falling) quatre histoires de jeunes filles vivant dans la même ferme isolée de l’Altmark en Allemagne, en brassant des thématiques autour de la mort, la mutilation et du harcèlement. Pour Enyedi, les thématiques sont différentes mais le procédé est similaire. Tout d’abord, en 1908, Grete (Luna Wedler), étudiante surdouée, avide de savoir, est la première femme admise pour étudier à l’Université de Marburg. Pendant qu’elle tente de s’imposer dans ce monde d’hommes, elle se découvre une passion pour la photographie. Bien des années plus tard, en 1972, l’étudiant Hannes (Enzo Brumm) s’éprend d’une jolie camarade qui mène alors une expérience ambitieuse sur un géranium. Lorsqu’elle part en voyage, il s’occupe de son domicile et par conséquent de la plante. Enfin en 2020, le neuroscientifique Tony Wong (Tony Leung) quitte son Hong-Kong natal pour se rendre à Marburg afin d’y donner une conférence sur les capacités neurologiques des jeunes enfants. Mais la pandémie de coronavirus éclate, et il se retrouve coincé seul avec le concierge sur le campus universitaire désert. Lorsqu’il tombe sur Internet sur un projet de recherche de la biologiste Alice (Léa Séydoux), il décide d’appliquer ses concepts issus des neurosciences au ginkgo du jardin botanique de l’université : la plante peut-elle éprouver des sentiments?

Par conséquent, avec cette oeuvre très dense, Enyedi aborde foultitude de thématiques, en traitant en parallèle et en comparant diverses histoires se passant dans le même lieu : la vie, l’âme et la sensibilité des plantes, l’affranchissement intellectuel des femmes, la solitude, le rejet et le manque de communication. Le festin proposé est très riche, presque trop, d’autant plus qu’Enyedi prend royalement son temps dans l’exposition de ses trois histoires, en les présentant dans le détail. Certains peuvent aisément décrocher, en particulier s’ils ne sont pas rôdés au film d’auteur. Pourtant, une fois les trois intrigues lancées, l’entrecroisement des trois finit par former un enchevêtrement particulièrement jouissif de fictions. La perspective historique permet de comparer les difficultés rencontrées par Grete au début du vingtième siècle et l’épanouissement d’Alice un siècle plus tard, ou encore le déficit de communication lié à la période du Covid et le bouillonnement d’idées et de rencontres dans les années 70, voire la persistance d’un questionnement sur l’âme des plantes.

Pour ce faire, Enyedi mélange joyeusement noir et blanc léché, 16mm granuleux et images numériques, en réconciliant passé et futur du cinéma. Le film ne fonctionne pas comme un suspense narratif mais comme une sorte de méditation poético-lyrique sur la perception du monde, humain et extra-humain. Certes le film ne nous captiverait pas par une certaine magie visuelle, si Enyedi ne multipliait pas les plans à effets : plongées zénithales, contrastes entre infiniment petit et infiniment grand, jeu subtil sur le décalage de la mise au point, visions abstraites très colorées au microscope. Donc la séduction du film passe par une certaine fascination exercée par cette diversité presque infinie de plans qui nous permet d’envisager une certaine globalité de l’univers, à travers des points de vue très opposés.

De plus, le film manifeste un humour certain à travers ses échanges dialogués, même si à l’arrivée, l’incompréhension et le manque de communication entre humains prédomine. Ce qui permet à Enyedi de se reporter vers une autre forme de communication, infra-humaine, avec des végétaux, comme espoir suprême de connexion entre des formes différentes de présence au monde. Les plans les plus impressionnants allant dans ce sens figurent dans la partie contemporaine du film, où, par moments, des visions colorées semblent faire fusionner l’humain et le végétal, dans une conscience augmentée du monde.

Par conséquent, Silent Friend d’Idliko Enyedi n’est pas toujours parfaitement compréhensible car jouant souvent à fond de l’ellipse et l’allégorie, mais il demeure de bout en bout fascinant, se prêtant à de multiples visionnages.

RÉALISATRICE : Idliko Enyedi 
NATIONALITÉ :  hongroise 
GENRE : drame 
AVEC :  Tony Leung Chiu-Wai, Léa Seydoux, Luna Wedler
DURÉE :  2h27 
DISTRIBUTEUR : KMBO 
SORTIE LE 1er avril 2026 

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Rose et Jean n’ont rien en commun. Rose est une force de la nature qui affronte tous ses problèmes avec une désarmante joie de vivre. Elle campe avec ses 3 enfants à l’étage de l’hôtel de famille qui ne leur appartient plus, et non, ils ne sont pas pauvres, ils sont fauchés. C’est temporaire. Jean est un homme solitaire et taciturne qui a fini par enfouir son grand cœur sous des couches de pudeur et de résignation. Quand il arrive malgré lui dans cette famille hors norme, il va très vite devenir indispensable. Qu’attendaient-ils avant de se rencontrer ? Sans doute plus rien. Et pourtant, ensemble, tout va devenir possible.

Ceux qui comptent semble le film le plus sincère, le plus humain, de Leonetti, entre rires et larmes, s’inspirant à la fois de l’esprit frondeur et tendrement anarchiste de Bertrand Blier, Jean-Pierre Jeunet ou d’Albert Dupontel ou des comédies italiennes des années soixante

Le film commence de manière explosive, en orchestrant la rencontre entre Rose, une mère de famille qui vole de la nourriture dans un supermarché et Jean, un taciturne laveur de voitures, expert en coups de boule. L’un finit par défendre l’autre. Une amitié paraît naître, surtout du côté de la mère de famille, restauratrice ruinée qui habite des locaux inoccupés avec ses trois enfants, deux filles et un garçon. Rose et Jean cachent tous les deux un secret, l’une une maladie grave, l’autre une trahison vécue qui l’a définitivement blessé.

Ceux qui comptent commence donc sur les chapeaux de roue, film tendrement anar qui ressemble à une comédie italienne drolatique reposant sur des échanges mouchetés entre la prolixe Rose et le taiseux Jean. Leonetti possède le sens de la mise en scène et de l’espace et surprend par des plans éloignés et une formidable science du cadre. Ceux qui comptent, c’est évidemment ceux qui, bénéficiant de revenus plus que modestes, comptent à la fin du mois ou même pendant, pour savoir s’il va leur rester assez, et aussi ceux qui comptent réellement dans la vie, les gens sur qui on peut se reposer qui ne trahissent pas et pour qui on ferait tout.

On pense à de brillants devanciers pour cette comédie loufoque qui reste pourtant réaliste, à la lisière de l’absurde : Bertrand Blier (pour cette référence au cancer), Albert Dupontel (via Sandrine Kiberlain et son jeu au tempo comique toujours si affûté). Le rythme du film, en particulier, s’avère extrêmement efficace avec un montage particulièrement aux taquets : citons la séquence hilarante avec Madame Medrano, où la famille faussement recomposée reçoit une assistante sociale. Signalons que, accompagnés par de très bons adolescents ou enfants acteurs, Sandrine Kiberlain revient à son meilleur niveau et Pierre Lottin surprend encore après En fanfare et L’Etranger, et dévoile une gamme impressionnante de jeu dramatique dans le minimalisme. Si le film touche juste dans sa description de déclassés, c’est en effet dans sa deuxième partie plus mélodramatique où Léonetti parvient à éviter le pathos inutile et privilégie la pudeur et la sobriété. Un joli film qui résonne dans l’humain, et c’est bien l’essentiel.

RÉALISATEUR : Jean-Baptiste Leonetti 
NATIONALITÉ :  française 
GENRE : comédie, comédie dramatique 
AVEC : Sandrine Kiberlain, Pierre Lottin, Louise Labéque 
DURÉE : 1h38 
DISTRIBUTEUR : UGC Distribution
SORTIE LE 25 mars 2026 

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Fleur et Julian tombent follement amoureuses et décident de se marier dans chaque pays où leur union peut être légalement reconnue. Portées par leur amour et leur engagement, elles s’élancent cœur et âme dans ce projet. Mais après seulement quatre mariages, leur parcours va s’interrompre brusquement…

En évitant les effets superflus, Nina Meurisse devient parfaitement émouvante, en jouant avec presque rien, quelques répliques, un mouvement d’épaule, un regard penché. Du très grand art qui finit par rendre Julian extrêmement poignant.

Le film démarre de manière intrigante. Un concert commence. Une spectatrice se trompe de place et en croise une autre. Elle finit par s’installer quelques rangs au-dessus, mais n’arrêtera pas de fixer la nuque de l’autre spectatrice. C’est plutôt bien filmé car tout semble se passer de manière hasardeuse. De manière incidente et presque accidentelle, on a assisté à la naissance d’un coup de foudre. Par un simple coup d’oeil (« love at first sight »), Fleur a « reconnu » Julian comme si elle l’avait déjà connue, comme si elle l’avait toujours connue, dans une vie antérieure. Après le générique, selon une brutale ellipse, les deux femmes sont ensemble et partagent déjà une intimité de couple.

Fleur et Julian sont inséparables et conçoivent un projet fou, voyager et se marier dans tous les pays où le mariage entre femmes est légalement autorisé. Elles se filment souvent l’une l’autre grâce aux petites caméras vidéos qui ont envahi notre quotidien et servent à emmagasiner des souvenirs provisoires d’un quotidien éphémère. Arrivés à ce point du film, même les plus grands partisans du mariage pour tous peuvent légitimement se demander où se trouve en fait le cinéma.

Le cinéma va pourtant survenir car assez vite, Cato Kusters va entrecroiser passé, présent et futur. Très vite, au vu de la coupe de cheveux changeante, on comprendra que Fleur se souvient de son passé avec Julian, et que le film est composé de blocs de mémoire qui s’effritent en essayant d’être préservés, comme le disque contenant les apparitions filmiques de Julian. Un peu, à son modeste niveau, le film va emprunter au Resnais première manière en entrechoquant entre eux des fragments de vie, des images de personne disparue, des moments douloureux de solitude. Julian finit par ressembler à un puzzle formel et temporel intrigant qui évoque les lambeaux de souvenirs qui finissent par hanter la mémoire.

Mais tout cela ne serait qu’un jeu sans conséquence si une actrice miraculeuse ne s’y était prêtée. Nina Meurisse s’est révélée dans Saint Cyr et Complices, où elle était une jeune actrice prometteuse. Or depuis quelques films (Camille, Le Ravissement, L’Histoire de Souleymane), elle atteint la quintessence de son art. Ce style dépouillé lui a d’ailleurs permis de décrocher un César mérité du meilleur second rôle féminin pour L’Histoire de Souleymane. En évitant les effets superflus, elle devient parfaitement émouvante, en jouant avec presque rien, quelques répliques, un mouvement d’épaule, un regard penché. Du très grand art qui finit par rendre, en dépit des quelques réserves de départ, Julian extrêmement poignant.

RÉALISATRICE :  Cato Kusters 
NATIONALITÉ :  belge 
GENRE : drame 
AVEC :  Nina Meurisse, Laurence Roothooft, Rosalia Cuevas
DURÉE : 1h31 
DISTRIBUTEUR : JHR Films 
SORTIE LE 25 mars 2026 

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• un passionnant making-of.

LA PRESSE EN PARLE

« L’un des plus beaux films français de l’année » – PARIS MATCH

« Charmant, poétique, écologique » – ELLE

« Une réussite époustouflante » – TÉLÉRAMA

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« Une réussite époustouflante » – TÉLÉRAMA

UN PUR BIJOU D’ANIMATION

Des doublages par des acteurs de renom

Ugo BIENVENU signe un film singulier, porté par une animation d’une finesse éblouissante, qui s’allie à des thématiques politiques fortes telles que le réchauffement climatique et la robotisation du travail.

Une œuvre percutante, à la fois engagée et profondément contemporaine, qui apporte un véritable vent de fraîcheur, aussi bien sur le fond que sur la forme.

Les voix sont incarnées par Alma Jodoroswky, Swann Arlaud, Vincent Macaigne, Louis Garrel, Oxmo Puccino… un véritable casting 5 étoiles.

UN FILM MERVEILLEUX ET TOUCHANT

Primé par les festivals: Présenté en Séance Spéciale à Cannes – Cristal du meilleur film au Festival d’Annecy.

CÉSAR 2026 du Meilleur Film d’animation.

CÉSAR 2026 de la Meilleure Musique originale pour Arnaud Toulon.

Pour gagner 4 DVD de cette merveille de film d’animation, il suffit de participer jusqu’au mardi 14 avril 2026 inclus. N’hésitez pas!

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Disponible en DVD depuis le 17 mars 2026

En 2075, une petite fille de 10 ans, Iris, voit un mystérieux garçon vêtu d’une combinaison arc-en-ciel tomber du ciel. C’est Arco. Il vient d’un futur lointain et idyllique où voyager dans le temps est possible. Iris le recueille et va l’aider par tous les moyens à rentrer chez lui.

Genre : animation, avec Alma Jodoroswky, Swann Arlaud, Vincent Macaigne, Louis Garrel, Oxmo Puccino, Durée : 1h24.

Critique du film

REGLEMENT

1. Participation et participants : L’enregistrement de vos coordonnées complètes (adresse postale, adresse mail et téléphone) constitue l’émission d’un bulletin de participation. Une seule participation par personne. Concours valable uniquement en France métropolitaine et en Corse (sauf précision contraire). 2. Concours : Le concours prendra fin à la date indiquée sur la page. Les bulletins reçus après cette date limite ou contenant des coordonnées erronées ne seront pas valides. Aucune réclamation ne sera autorisée. Jeu gratuit sans obligation d’achat. 3. Attribution et envoi des lots : Les lots seront attribués aux personnes ayant été tirées au sort parmi les bonnes réponses. Les lots sont offerts par la revue MovieRama. Les lots seront sauf exception envoyés par l’éditeur. Le délai d’envoi des lots peut varier d’un concours à l’autre et peut prendre entre 1 semaine et 8 semaines. MovieRama ne peut pas être tenu responsable en cas de non-réception des lots suite à des soucis d’envois postaux. Sauf précision des éditeurs partenaires, les lots perdus ou retournés (mauvaise adresse) ne seront pas réexpédiés. MovieRama se réserve le droit d’affecter les lots gagnés mais non attribués à la dotation d’un autre jeu concours. 4. Codes VOD : Les codes VOD étant envoyés par email, ce dernier est susceptible d’être utilisé par l’éditeur ou l’organisme gérant les codes VOD. L’utilisation de votre adresse email ne pourra en aucun cas faire l’objet d’offres publicitaires ou promotionnelles. 5. Publication règlement : Le règlement est intégralement consultable par les internautes sur le site. Vous disposez d’un droit d’accès, de modification, de rectification et de suppression des données qui vous concernent (art.34 de la loi Informatique et Libertés). Pour l’exercer, contactez le webmaster : movierama.redaction@gmail.com. Bonne chance à tous.

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1542, Marguerite de la Rocque est promise à son oncle, vice-roi du Canada et commandant de l’expédition vers le Nouveau Monde. Elle fait la connaissance de Thomas d’Artois, un homme de l’équipage qui finit par abuser d’elle. Lorsque sa grossesse est découverte en pleine traversée, Marguerite est abandonnée sur une île déserte avec Thomas et sa servante. Isolés, ils vont devoir lutter contre les éléments, tandis que le désespoir et la folie menacent de les emporter…

Le film d’époque n’est intéressant que s’il trouve des résonances dans notre temps mais l’époque représentée peut parfois servir d’écran infranchissable à des préoccupations d’ordre intemporel.

En lisant l’histoire de Marguerite de la Rocque dans L’Heptaméron de Marguerite de Navarre, on imagine sans mal le profit qu’un cinéaste pourrait en tirer : des thématiques dans l’air du temps exaltant la résilience féminine et condamnant l’invocation de la sorcellerie. Malheureusement, si les thèmes existent bel et bien dans le film, Micha Wald n’en fait pas grand’chose et en tire prétexte pour quelques jolis moments d’atmosphère esthético-sensorielle, dans le cadre des beaux décors naturels des îles d’Ouessant.

C’est bien là l’aspect le plus réussi du film car, malheureusement, l’interprétation s’avère bien trop inégale pour pouvoir espérer une oeuvre passionnante. La mise en scène du procès de la jolie Marguerite paraît bien trop statique, approximativement dans le même style des dramatiques télévisées de la SFP. Quant au fond, bien que parfois en résonance avec notre époque, il n’est pas suffisamment mis en valeur pour pouvoir déclencher des échos fructueux dans notre conscience. Le résultat est bien trop décoratif alors que les thématiques promettaient une histoire en prise sur notre époque.

Par conséquent, le film d’époque n’est intéressant que s’il trouve des résonances dans notre temps mais l’époque représentée peut parfois servir d’écran infranchissable à des préoccupations d’ordre intemporel. C’est peut-être le cas ici dans L’Ile de la demoiselle, où le décorum et l’atmosphère esthético-sensorielle prennent le pas sur le reste.

RÉALISATEUR : Micha Wald 
NATIONALITÉ :  belge 
GENRE : drame, historique 
AVEC : Salomé Dewaels, Louis Peres, Candice Bouchet
DURÉE : 1h41 
DISTRIBUTEUR : The Jokers 
SORTIE LE 25 mars 2026

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Deux amis, Jean Luchaire et Otto Abetz, se battent pour la paix en Europe. Dans les années 1920, ils œuvrent pour l’amitié franco-allemande, en participant à la revue de Jean, Notre Temps, et luttent contre l’antisémitisme. Quand vient la Seconde Guerre mondiale, , ils sombrent peu à peu dans la collaboration. Le premier fonde en 1940 les Nouveaux Temps, alors que sa fille Corinne, actrice de cinéma, tente de se faire une place dans la France occupée. Otto Abetz est nommé ambassadeur du Troisième Reich à Paris.

Il serait plus juste de penser à certains films de Scorsese comme Casino ou Le Temps de l’innocence, où le souci de la reconstitution historique ne prend jamais le pas sur l’évolution des personnages, où les destins sont pris dans une spirale négative qui ne s’arrête jamais

En 1948, une jeune femme est agressée sur un banc à Paris. Elle s’appelle Corinne Luchaire et fut actrice de cinéma. Atteinte de tuberculose, elle a abandonné sa carrière et profite de ce choc traumatique pour tenter de se remémorer sa vie en la racontant devant un magnétophone. Il s’agit donc au sens littéral d’un devoir de mémoire qu’elle s’impose et qu’elle va nous faire partager, en essayant de mieux comprendre ce que fut sa vie.

A partir de là, Giannoli va traverser en 3h15 plus de vingt ans d’Histoire de France : de l’enfance de Corinne dans les années 20 à sa déchéance, étant frappée d’indignité nationale, en passant par les débuts de sa carrière prometteuse au cinéma, les petits arrangements de son père avec la morale, ainsi que les manipulations d’Otto Abetz, diplomate francophile, entremêlant trois destins tragiques sous l’éclairage d’une des périodes les plus sombres de l’histoire. Pour ce faire, il faut pouvoir disposer du souffle lyrique et romanesque nécessaire. Les Rayons et les Ombres est mené de main de maître, à un rythme soutenu qui ne laisse aucun répit. Certains ont pu évoquer David Lean à son sujet. Il serait plus juste de penser à certains films de Scorsese comme Casino ou Le Temps de l’innocence, voire le plus récent Killers of the flower moon, où le souci de la reconstitution historique ne prend jamais le pas sur l’évolution des personnages, dont les destins sont pris dans une spirale négative qui ne s’arrête jamais, au point que les personnages ou les spectateurs ne savent pas exactement déterminer à quel moment les premiers ont basculé dans la compromission la plus définitive. Comme chez Scorsese, c’est la mauvaise conscience qui traverse les scènes du film et la rend de plus en plus impardonnable au fur et à mesure des scènes, dans un processus cumulatif.

Scorsese n’est pas la seule influence de ce film tourmenté par la faute et la rédemption. Il est possible de déceler dans certaines scènes l’influence de Klute d’Alan J. Pakula (toutes les scènes déroulant la bande magnétique du magnétophone) ou celle plus récente de Babylon de Damien Chazelle (les séquences de fêtes décadentes de l’Occupation ainsi que la scène de cinéma refaite par Corinne ad vitam aeternam). Alors que la plupart des critiques recherchent une influence française, Giannoli est plutôt inspiré dans la forme de son film par les cinéastes américains. Il existe ainsi une sorte de contraste productif entre la forme et le fond qui, lui, provient davantage de problématiques issues de romans de Modiano, où la fréquentation de milieux interlopes finit par contaminer l’âme des personnages. Sans aller jusqu’à la magnificence des Damnés de Visconti, un peu trop hors de portée, nul doute que Giannoli y a pensé pour dresser le constat sans appel du procès de ses anti-héros.

Le contexte actuel fait qu’il est impossible de ne pas entendre résonner profondément certaines phrases de dialogue du film, par exemple lorsque Luchaire déclare que « la guerre ne sert à rien sinon à préparer d’autres guerres » ou qu’il affirme avec cynisme, que, « vivre, c’est se compromettre » et que si l’on sombre dans l’infamie, autant essayer d’y adjoindre le profit. On pourrait croire que le fait de rendre humains ces personnages consisterait à permettre de les excuser. Or l’intervention torrentielle du procureur Raymond Lindon dans le dernier quart d’heure du film ne dédouane nullement Jean Luchaire de ses actes. Mais, dans le film, il s’agit d’essayer de comprendre et ne pas juger, comme dirait Simenon.

Afin de dresser le portrait de cette époque troublée, il fallait des interprètes exemplaires : Jean Dujardin, parfait dans l’expression de la mauvaise conscience qui trouve dans la morale des petits services une manière d’effacer ses remords de participer à l’horreur du Troisième Reich ; August Diehl (Une vie cachée, La Disparition de Josef Mengele) donnant une noblesse ambigüe au personnage d’un nazi malgré lui ; enfin l’âme du film, Nastya Golubeva, miraculeuse, la fille de l’héroïne des films de Sharunas Bartas et de Leos Carax, qui donne une douceur mélancolique et tragique au commentaire en voix off et à toutes les apparitions de Corinne Luchaire, A la fin, comme le dira Léonide Moguy, son premier mentor et metteur en scène, « il nous restera le cinéma« , mais même cela lui sera retiré. On s’apercevra alors que tout le dispositif sur lequel repose le film s’évaporera, comme dans les films de John Huston. Très belle idée exprimant la métaphore d’une vie qui s’évanouit finalement sans laisser de traces.

RÉALISATEUR : Xavier Giannoli 
NATIONALITÉ :  française 
GENRE : biopic, drame, historique 
AVEC : Jean Dujardin, Nastya Golubeva, August Diehl
DURÉE : 3h19 
DISTRIBUTEUR : Gaumont 
SORTIE LE 18 mars 2026 

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Ryland Grace, professeur de sciences, se réveille seul à bord d’un vaisseau spatial, à des années-lumière de la Terre, sans aucun souvenir de son identité ni des raisons de sa présence à bord. Peu à peu, sa mémoire lui revient, et il comprend l’enjeu de sa mission : résoudre l’énigme de la mystérieuse substance qui cause l’extinction du Soleil. Pour tenter de sauver l’humanité, il va devoir faire appel à ses connaissances scientifiques et à des idées peu conventionnelles … Mais une amitié inattendue pourrait bien l’aider à ne pas affronter cette mission tout seul.

Comme si Projet Dernière Chance digérait et recrachait toutes les prestations de ses acteurs et des films antérieurs se situant dans l’espace, ce qui en fait un divertissement sympathique mais un peu décevant et inconsistant par rapport aux attentes.

Un homme se réveille seul dans un vaisseau spatial. Il arbore les cheveux longs ainsi qu’une barbe hirsute et mal taillée. Ses coéquipiers sont morts. Ce début ne sera pas sans vous évoquer quelques lieux communs de la Science-fiction, le récent Passengers, le moins récent Solaris. Néanmoins on évite de justesse le poncif du film de fantômes dans l’espace, dont Solaris était symptomatique. Rylance Grace ne sera pas hanté par ses collègues décédés ou le fantôme de sa bien-aimée. En revanche, il cherchera à se souvenir de ce qui l’a mené jusque-là, à des années-lumière de la Terre. Le film sera donc structuré entre deux lignes narratives, celle du présent où Grace va tenter de mener à bien une mission spatiale qui le conduit à sauver le monde (à la manière d’un Bruce Willis, aujourd’hui tristement aphasique), et l’autre, celle du passé où il va progressivement identifier son cheminement.

La campagne publicitaire autour de ce film évoque de prestigieux prédécesseurs, en le situant entre E.T. et Interstellar. Soyons clairs, même si la recherche mémorielle peut évoquer de loin Interstellar, et les rapports avec un extra-terrestre la complicité avec la créature de Spielberg, Projet dernière chance est fort éloigné de ces classiques. Le style cinématographique demeure très fonctionnel et impersonnel, tandis que la construction narrative est, en-dehors de l’alternance entre présent et passé, extrêmement linéaire et peu encline à la complexité temporelle des oeuvres nolaniennes. Tout s’éclaire lorsqu’on apprend que Drew Goddard a rédigé l’adaptation de Seul sur Mars de Ridley Scott. Projet Dernière chance ressemble en effet davantage à un Gravity léger ou un mélange entre Seul au monde de Robert Zemeckis dans l’espace, ou Seul sur Mars. Car, en-dehors des flash-backs, Ryan Gosling assure sur les parties au présent une sorte de one-man-show, dialoguant avec un extra-terrestre, reminiscence de La Grande aventure Lego, au bout de 50 minutes de film.

Mais contrairement à Premier contact de Denis Villeneuve ou Abyss de James Cameron, Phil Lord et Christopher Miller ont opté pour le ton de la comédie dans la description des rapports entre l’astronaute et l’extra-terrestre. Sous des airs ludiques, il s’agit d’ailleurs de la partie la plus passionnante du film : comment communiquer avec un extra-terrestre, en bâtissant un semblant de langage commun. Le film pâtit surtout d’une atmosphère bon enfant, comique et conventionnellement humaniste, qui ne le fait pas sortir des sentiers battus. Cette oeuvre ressemble en fait à une resucée comique de la plupart des films se situant dans l’espace, sans jamais les égaler ni d’ailleurs chercher à le faire. Le seul personnage véritablement intéressant, celui de la scientifique interprétée par Sandra Hüller, coincée dans un professionnalisme aliénant, n’échappe pas à ce phénomène de répétition généralisé. Le seul moment où elle se lâche un peu, c’est dans une séquence de karaoké évoquant directement celle de la chanson de Whitney Houston dans Toni Erdmann. C’est comme si Projet Dernière Chance digérait et recrachait toutes les prestations de ses acteurs et des films antérieurs se situant dans l’espace, ce qui en fait un divertissement sympathique mais un peu décevant et inconsistant par rapport aux attentes.

RÉALISATEURS : Phil Lord et Christopher Miller 
NATIONALITÉ :  américaine 
GENRE : action, aventure, science-fiction
AVEC : Ryan Gosling, Sandra Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, Milana Vayntrub, James Ortiz
DURÉE : 2h37
DISTRIBUTEUR : Sony Pictures Releasing France 
SORTIE LE 18 mars 2026

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Vous l’aurez compris : hormis Jimmy Kimmel, ce sont des étrangers qui ont eu une prise de parole politique. Mais les Américains présents en avaient-ils besoin? Puisque leurs votes parlaient en fait pour eux. En couronnant Une Bataille après l’autre, ils avaient déjà choisi délibérément le film le plus anti-trumpiste possible, l’un des rares films à la hauteur de notre époque chaotique, en prise directe avec la bipolarisation de la société américaine. Le fait que le deuxième film soit Sinners de Ryan Coogler, une oeuvre-témoignage fantasmatique de la diversité montrant des vampires blancs s’accaparant le sang de la communauté noire ne laissait guère de doutes sur l’orientation politique de l’Académie des Oscars.

Pendant longtemps, dans la soirée des Oscars, les deux films furent au coude-à-coude : Sinners remportant les Oscars de la meilleure photographie (Autumn Durald Arkapaw étant la première lauréate femme dans cette catégorie), de la meilleure musique et du meilleur scénario original, tandis que Une Bataille après l’autre glanait ceux du meilleur scénario adapté, du meilleur second rôle masculin, du meilleur montage, et du meilleur casting. Il a fallu attendre les quatre dernières récompenses pour que la cérémonie bascule définitivement, le film de PTA remportant les Oscars du meilleur film et de la meilleure réalisation (six Oscars au total) alors qu’à la surprise générale Michael B. Jordan gagnait celui du meilleur acteur (quatre Oscars à l’arrivée pour Sinners).

Grâce à ces Oscars, Paul Thomas Anderson met fin au signe indien qui l’a empêché de remporter le moindre trophée, malgré onze nominations depuis une trentaine d’années. Une Bataille après l’autre collectait déjà treize nominations (trois de moins que le record absolu de Sinners) et lui permet d’en remporter trois à titre personnel, en tant que producteur (meilleur film), réalisateur (meilleure réalisation), et enfin scénariste (meilleure adaptation pour s’être librement inspiré de Vineland de Thomas Pynchon). PTA a donc attendu longtemps, quasiment trente ans mais son triomphe est absolu. Il quitte enfin le Club redoutable des grands metteurs en scène qui n’ont jamais reçu d’Oscars, celui dont a fait partie Steven Spielberg avant La Liste de Schindler ou Martin Scorsese avant Les Infiltrés, le club dont les membres s’appellent Orson Welles, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, David Lynch, pour les disparus, Terrence Malick, Brian de Palma, David Fincher, Darren Aronofsky ou Quentin Tarantino, pour ceux qui sont encore vivants. Depuis Boogie Nights, Magnolia, There will be blood, The Master, Inherent vice, Phantom Thread et Licorice Pizza, personne ne doutait de la place éminente de Paul Thomas Anderson dans le cinéma américain contemporain, voire mondial, au point qu’elle pourrait être plus importante que celle d’un Tarantino en définitive. Après Christopher Nolan, c’est le deuxième représentant de cette génération des années 90 qui s’impose au plus haut niveau. Ce n’est que justice.

Pour le reste, l’avènement de Jessie Buckley avec Hamnet de Chloé Zhao était plus qu’attendu et n’a en fait surpris qu’elle-même, émerveillée comme une gamine et rendant hommage au « chaos du coeur des femmes« . La victoire de Chloé Zhao avec Nomadland était sans doute bien trop récente pour pouvoir espérer davantage de cette oeuvre inspirée librement par l’oeuvre et la vie de l’éternel William Shakespeare. La plus grosse surprise est venue de la victoire de Michael B. Jordan terrassant Timothée Chalamet, donné comme l’immense favori pour Marty Supreme. Précisons que sa défaite n’est pas imputable à ses propos contestables sur le ballet de l’Opéra de Paris, le scrutin étant déjà clos à ce moment-là. L’Académie a sans doute considéré que Chalamet était encore trop jeune et pouvait attendre, faisant s’évanouir ses espoirs d’égaler Marlon Brandon, oscarisé à 30 ans à sa troisième nomination. Pourtant, au-delà de la polémique, Chalamet est assez (trop?) parfait dans son rôle de tête à claques et méritait sans doute de surclasser Michael B. Jordan qui a bénéficié de la vogue et du succès commercial de Sinners à travers le monde. Souvenons-nous que Di Caprio, autre ex-jeune surdoué, a dû attendre The Revenant, soit sa quatrième nomination, pour remporter son premier et pour l’instant seul Oscar du meilleur acteur.

La dernière grosse surprise de la soirée résidait dans la catégorie du meilleur film international. On y retrouvait les principaux films concurrents de Cannes, L’Agent secret, Sirat, Un Simple accident et Valeur sentimentale. Mais l’Académie a pris un malin plaisir à démentir le Palmarès du jury cannois. Souvent les Oscars servent à confirmer ou infirmer le Palmarès du Festival de Cannes de l’année précédente. Cette fois-ci, l’Académie a infirmé le choix du jury cannois, en délaissant Un Simple accident, et en désignant à son avis Valeur sentimentale comme le meilleur film de la Sélection officielle cannoise, effectuant un rectificatif utile pour l’Histoire du cinéma. Dans une avalanche de films politiques, cette mise en avant d’un film avant tout esthétique, centré sur une famille dysfonctionnelle et le cinéma, apparut comme une sorte d’oasis bienfaisante.

Enfin, cette cérémonie des Oscars 2026 représentait surtout une sorte d’enterrement fastueux pour Warner dont les jours sont peut-être comptés, partagée entre les repreneurs possibles, Netflix ou Paramount : onze trophées au total, grâce à Une Bataille après l’autre, Sinners et Evanouis. C’est un record comparable à ce qui s’était passé pour la MGM et Ben-Hur en 1960 ou Paramount avec Titanic, à la différence que les trophées n’ont pas été remportés par un seul film. Un chant du cygne aussi beau que les formidables heures que le studio Warner nous a fait passer.

Signalons pour conclure que Sean Penn, absent de la cérémonie, Oscar du meilleur second rôle masculin, est allé en Europe pour rencontrer Volodimyr Zelinsky, comme quoi il a fait passer la politique au-dessus du cinéma.

• Meilleur film :

Frankenstein (Netflix)
Hamnet (Focus Features)
L’Agent secret (Neon)
Valeur sentimentale (Neon)
Sinners (Warner Bros.)
Marty Supreme (A24)
Une bataille après l’autre (Warner Bros.) – VAINQUEUR
Bugonia (A24)
Train Dreams (Netflix)
F1 (Apple Studios)

• Meilleure actrice :

Jessie Buckley, Hamnet (Focus Features) – VAINQUEURE
Renate Reinsve, Valeur sentimentale (Neon)
Rose Byrne, If I Had Legs I’d Kick You (A24)
Emma Stone, Bugonia (Focus Features)
Kate Hudson, Sur un air de Blues (Universal)

• Meilleur acteur :

Michael B. Jordan, Sinners (Warner Bros.) – VAINQUEUR
Wagner Moura, L’Agent secret (Neon)
Timothée Chalamet, Marty Supreme (A24)
Leonardo DiCaprio, Une bataille après l’autre (Warner Bros.)
Ethan Hawke, Blue Moon (Sony Pictures Classics)

• Meilleur acteur dans un second rôle :

Benicio Del Toro, Une bataille après l’autre (Warner Bros.)
Jacob Elordi, Frankenstein (Netflix)
Sean Penn, Une bataille après l’autre (Warner Bros.) – VAINQUEUR
Stellan Skarsgård, Valeur sentimentale (Neon)
Delroy Lindo, Sinners (Warner Bros)

• Meilleure actrice dans un second rôle :

Elle Fanning, Valeur sentimentale (Neon)
Inga Ibsdotter Lilleaas, Valeur sentimentale (Neon)
Amy Madigan, Évanouis (Warner Bros.) – VAINQUEURE
Teyana Taylor, Une bataille après l’autre (Warner Bros.)
Wunmi Mosaku, Sinners (Warner Bros.)

• Meilleur réalisateur :

Paul Thomas Anderson, Une bataille après l’autre (Warner Bros.)
Ryan Coogler, Sinners (Warner Bros.)
Josh Safdie for Marty Supreme (A24)
Joachim Trier, Valeur sentimentale (Neon)
Chloé Zhao, Hamnet (Focus Features)

• Meilleure musique de film :

Frankenstein (Netflix), Alexandre Desplat
Hamnet (Focus), Max Richter
Bugonia (Focus Features), Jerskin Fendrix
Une bataille après l’autre (Warner Bros.), Jonny Greenwood
Sinners (Warner Bros.), Ludwig Göransson – VAINQUEUR

• Meilleurs décors :

Frankenstein (Netflix), Tamara Deverell – VAINQUEURE
Sinners (Warner Bros.), Hannah Beachler
Hamnet (Focus), Fiona Crombie
Marty Supreme (A24), Jack Fisk
Une bataille après l’autre (Warner Bros.), Florencia Martin

• Meilleur scénario original :

Marty Supreme (A24), Ronald Bronstein et Josh Safdie
Sinners (Warner Bros.), Ryan Coogler – VAINQUEUR
Valeur sentimentale (Neon), Joachim Trier et Eskil Vogt
Un simple accident (Neon), Jafar Panahi
Blue Moon (Sony Pictures Classics), Robert Kaplow

• Meilleur scénario adapté :

Hamnet (Focus), Maggie O’Farrell & Chloé Zhao
Une bataille après l’autre (Warner Bros.), Paul Thomas Anderson – VAINQUEUR
Train Dreams (Netflix), Clint Bentley & Greg Kwedar
Bugonia (Focus), Will Tracy
Frankenstein (Netflix), Guillermo Del Toro

• Meilleur film international :

Un simple accident (Neon), Jafar Panahi
L’Agent secret (Neon), Kleber Mendonça Filho
Valeur sentimentale (Neon), Joachim Trier – VAINQUEUR
La Voix de Hind Rajab (Willa), Kaouther Ben Hania
Sirât (Neon), Oliver Laxe

• Meilleur mixage de son :

F1 (Apple/Warner Bros.) – VAINQUEUR
Sinners (Warner Bros.)
Une bataille après l’autre (Warner Bros.)
Frankenstein (Netflix)
Sirât (Neon)

• Meilleur casting :

Sinners, Francine Maisler
Une bataille après l’autre, Cassandra Kulukundis – VAINQUEURE
Marty Supreme, Jennifer Venditti
Hamnet, Nina Gold
L’Agent secret, Gabriel Domingues

· Meilleure photographie :
Frankenstein
Marty Suprême
Une Bataille après l’autre
Sinners – Autumn Durald Arkapaw VAINQUEURE
Train Dreams

• Meilleurs costumes :

Frankenstein, Kate Hawley – VAINQUEUR
Sinners, Ruth E. Carter
Hamnet, Malgosia Turzanska
Marty Supreme, Miyako Bellizzi
Avatar : De feu et de cendres, Deborah L. Scott

• Meilleur montage :

Une bataille après l’autre, Andy Jurgensen – VAINQUEUR
Sinners, Michael Shawver
Marty Supreme, Ronald Bronstein & Josh Safdie
F1, Stephen Mirrione
Valeur sentimentale, Olivier Bugge Coutté

• Meilleurs maquillages et coiffures :

Frankenstein – VAINQUEUR
The Smashing Machine
Sinners
Le maître du Kabuki
The Ugly Stepsister

• Meilleur film d’animation :

Arco (Neon), Ugo Bienvenu
Elio (Pixar), Adrian Molina, Domee Shi, Madeline Sharafian
KPop Demon Hunters (Netflix), Maggie Kang et Chris Appelhans – VAINQUEUR
Zootopie 2 (Walt Disney Pictures), Jared Bush et Byron Howard
Amélie et la métaphysique des tubes (Ikki films), Mailys Vallade et Liane-Cho Han

• Meilleurs effets visuels :

Avatar : De feu et de cendres – VAINQUEUR
F1
Sinners
Jurassic World Rebirth
The Lost Bus

• Meilleur court-métrage de fiction :

Deux personnes échangeant de la salive, Natalie Musteata et Alexandre Singh – VAINQUEUR ex-æquo
A Friend of Dorothy, Lee Knight
The Singers, Sam A. Davis – VAINQUEUR ex-æquo
Butcher’s Stain, Meyer Levinson-Blount
Jane Austen’s Period Drama, Julia Aks and Steve Pinder

• Meilleur court-métrage d’animation :

The Three Sisters, Konstantin Bronzit
Forevergreen, Nathan Engelhardt & Jeremy Spears
Retirement Plan, John Kelly
La jeune fille qui pleurait des perles, Maciek Szczerbowski et Chris Lavis – VAINQUEUR
Papillon, Florence Miailh

• Meilleure chanson originale :

Golden : KPop Demon Hunters (Netflix), EJAE and Mark Sonnenblick – VAINQUEUR
I Lied to You : Sinners (Warner Bros.), Raphael Saadiq & Ludwig Göransson
Dear Me : Diane Warren : Relentless (MasterClass), Diane Warren
Train Dreams : Train Dreams (Netflix), Nick Cave & Bryce Dessner
Sweet Dreams of Joy : Viva Verdi !, Nicholas Pike

• Meilleur court-métrage documentaire :

Armed Only with a Camera : The Life and Death of Brent Renaud, Craig Renaud and Juan Arredondo
Toutes les chambres vides, Joshua Seftel – VAINQUEUR
Children No More : Were and are Gone, Hilla Medalia
The Devil Is Busy, Christalyn Hampton et Geeta Gandbhir
Une parfaite étrangeté, Alison McAlpine

• Meilleur documentaire :

The Alabama Solution, Andrew Jarecki et Charlotte Kaufman
Come See Me in the Good Light, Ryan White
Cutting Through Rocks, Sara Khaki et Mohammadreza Eyni
Mr. Nobody Against Putin, David Borenstein et Pavel Talankin – VAINQUEUR
The Perfect Neighbor, Geeta Gandbhir

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