Ren arpente les rues de Shibuya en livrant des orchidées, tandis que son père, Hajime, architecte, consacre sa vie à imaginer des foyers pour les autres sans jamais parvenir à préserver le sien. Une livraison fortuite les remet sur le même chemin, ravivant des blessures anciennes et des sentiments enfouis.

Pour autant, Danzuka refuse les facilités du mélodrame dans une forme épurée

De ce point de départ d’une grande simplicité naît un récit d’une rare sensibilité, où chaque geste semble plus éloquent que les mots. Pour autant, Danzuka refuse les facilités du mélodrame dans une forme épurée (certaines mauvaises langues diraient plutôt asséchée). Son film avance avec une infinie retenue, préférant les silences, les regards et les absences aux grandes déclarations. Cette économie de dialogues donne toute sa puissance émotionnelle aux retrouvailles entre le père et le fils. L’émotion ne surgit jamais de manière forcée ; elle s’installe progressivement, presque imperceptiblement, jusqu’à bouleverser le spectateur.

Le cinéaste construit son récit comme une analogie entre l’évolution d’une cellule familiale et celle de la capitale japonaise. Cette idée irrigue tout le film. Le centre commercial conçu par Hajime devient un symbole particulièrement fort : incarnation de la modernité et du progrès, il est aussi le lieu où s’entrelacent destruction et possible renaissance du foyer familial. L’architecture n’est jamais un simple décor, elle raconte elle aussi les fractures et les espoirs des personnages. Cette réflexion était déjà présente dans les intentions du réalisateur, qui imaginait d’abord son histoire loin de Tokyo, dans une aire de repos et un gîte isolé au cœur de l’été. Si le récit rejoint finalement la métropole, cette origine se ressent encore dans la manière dont les lieux conservent une forme de respiration contemplative, comme s’ils portaient en eux la mémoire d’un ailleurs.

Danzuka accorde une place monumentale aux décors, laissant régulièrement les arrière-plans prendre le dessus sur les personnages.

La mise en scène impressionne par sa maturité. Danzuka accorde une place monumentale aux décors, laissant régulièrement les arrière-plans prendre le dessus sur les personnages. Cette composition crée une étrange sensation de distance, presque spirituelle, où les êtres humains apparaissent minuscules face à une ville en perpétuelle transformation. Les cadres sont d’une grande beauté plastique sans jamais tomber dans l’esthétisme gratuit. Ils participent pleinement au discours du film sur le temps, la mémoire et la transmission. Le film s’autorise également une parenthèse onirique inattendue, qui vient ouvrir le récit vers une dimension plus symbolique. Loin de rompre son équilibre, cette séquence apporte une respiration poétique supplémentaire à une œuvre déjà traversée par une grande douceur.

Au cœur de cette réussite se trouve également Kenichi Endo, remarquable dans le rôle d’Hajime. Habitué aux univers rugueux de Takeshi Kitano et Takashi Miike, l’acteur trouve ici un registre beaucoup plus nuancé. Sa masculinité intériorisée, à la fois rude et profondément touchante, correspond parfaitement au personnage imaginé par Danzuka. Derrière son apparente froideur se cache un homme incapable d’exprimer son affection autrement que par son travail, ce qui rend ses hésitations particulièrement émouvantes. Il illustre également les ravages du capitalisme tout comme le dévouement absolu des Japonais à leur travail (thème que l’on retrouve dans d’autres longs métrages tels que Tokyo Sonata de Kiyoshi Kurosawa).

Un premier film attachant, élégant et habité, qui confirme qu’il faudra désormais compter sur ce jeune cinéaste japonais.

Dédié à sa mère et à Tokyo, Des fleurs pour Tokyo ressemble finalement à une déclaration d’amour pudique autant qu’à une réflexion sur les liens familiaux. Son rythme lent et contemplatif pourra désarçonner les amateurs de récits plus démonstratifs, mais ceux qui accepteront de se laisser porter par son tempo découvriront un film profondément émouvant, porté par une mise en scène d’une étonnante maîtrise pour un premier long métrage. Yuiga Danzuka réussit donc un début de carrière particulièrement prometteur. Sans jamais céder au pathos, il compose un récit sensible où la ville devient un personnage à part entière et où les non-dits racontent bien davantage que les mots. Un premier film attachant, élégant et habité, qui confirme qu’il faudra désormais compter sur ce jeune cinéaste japonais.

RÉALISATEUR : Yuiga Danzuka
NATIONALITÉ : Japon
GENRE : Drame 
AVEC : Kodai Kurosaki, Ken'ichi Endô, Haruka Igawa
DURÉE : 1h55 
DISTRIBUTEUR : Nour Films
SORTIE LE 5 août 2026

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Le couple roumano-norvégien Gheorghiu s’installe avec ses enfants dans un village norvégien situé au fond d’un fjord. Cette famille très croyante se lie rapidement d’amitié avec ses voisins, les Halberg. Malgré leurs styles éducatifs différents, les enfants des deux familles tissent des liens étroits. Un jour, lorsque des enseignants constatent des traces de maltraitance physique sur Elia, l’aînée des Gheorghiu, le soupçon s’installe dans la communauté. Les pratiques éducatives conventionnelles des parents auraient-elles franchi la limite de la violence ? L’enquête qui s’ensuit plonge toute la famille dans le chaos

un beau film humaniste, parfaitement non-manichéen, qui renvoie dos à dos conservatisme rigoriste et progressisme borné, magistralement écrit, dialogué et réalisé en plans-séquences souvent fixes, où la fluidité de la mise en scène et du jeu d’acteurs n’a d’égale que sa discrétion.

Le dernier jour du Festival de Cannes, Fjord faisait partie des favoris pour la Palme au même titre que Minotaure d’Andrei Zviaguintsev et Fatherland de Pawel Pawlikowski. Dans un festival un peu gris, où aucun choc esthétique ne s’est signalé et aucun film ne se détachait véritablement, on ne peut que se féliciter avec le recul du choix effectué par le jury. Grâce à la précision de son écriture quasi chirurgicale et son humour pince-sans-rire, laissant deviner les mensonges des uns et les a priori des autres, Fjord l’emportait assez justement sur les évolutions de caméra somptueuses et ostentatoires de Minotaure ou le formalisme hiératique de Fatherland.

Partant d’un fait divers s’étant déroulé en Norvège dix ans auparavant, Cristian Mungiu interroge les extrêmismes idéologiques, d’où qu’ils viennent. le rigorisme chrétien qui est assez évident dans ses limites mais surtout le progressisme imbu de lui-même, de ses valeurs et son bien-fondé idéologique. Cela lui a valu suite à sa projection cannoise et sa Palme d’or méritée, une levée de boucliers de la gauche bien-pensante, lui reprochant d’avoir retourné sa veste, depuis sa défense de l’avortement dans 4 mois, 3 semaines et 2 jours. Or il n’en est évidemment rien, Mungiu souhaitant réunir tout le monde dans un esprit mutuel de compréhension réciproque, en reconnaissant une intangible part d’humanisme aux chrétiens radicaux du couple Gheorghiu mais aussi en questionnant l’acharnement suspect des services sociaux de l’enfance qui décide de retirer leurs enfants au couple.

Ce faisant, Mungiu procède à une inversion des valeurs, se moquant un peu des films-dossiers complètement manichéens qui instruisent uniquement à charge contre telles personnes qui n’ont pas l’heur d’avoir les valeurs politiquement correctes du moment. Ceux qui protestent contre le film sont paradoxalement les progressistes qui se considèrent ridiculisés. Pourtant il ne s’agit pas ici de ridiculiser les wokistes comme le fait Todd Field dans Tár ou Agnès Jaoui dans L’Objet du délit, en montrant des personnages stupides et intellectuellement limités (l’élève du cours de Lydia Tàr ou la metteuse en scène débile d’opéra). Imaginons ainsi Fjord mis en scène par un metteur en scène moins profond et subtil, cela aurait donné un film de type « soviétique » où les chrétiens seraient accablés tout au long de l’intrigue, comme des individus ignobles et tortionnaires. Dans Fjord, le doute est au contraire permis, aucune scène ni le moindre dialogue n’attestant de réelle maltraitance ni de châtiments corporels. Rappelons que, lors de l’Antiquité, les chrétiens étaient persécutés par les Romains. Remplaçons « chrétiens » par « musulmans » ou « pro-palestiniens », on se rendra compte que, comme par magie, la donne s’en trouve complètement modifiée de la part de la gauche idéologiquement bornée. Mungiu montre ainsi que toutes les positions sont finalement réversibles, qu’il n’existe pas forcément un camp du Bien immuable, et qu’il faut laisser sa chance surtout à l’humanité.

Du côté de la mise en scène, Mungiu organise admirablement sa gestion de l’espace en plans-séquences autonomes, souvent fixes (mais pas toujours) qui pourrait ravir les admirateurs de Tati et d’Haneke car il laisse totalement le choix au spectateur de voir ce qu’il souhaite voir dans chaque plan, certains réunissant parfois plus de dix personnages dans le même cadre. Les membres de la famille Gheorghiu, ceux de la famille Halberg, les représentants de l’Aide Sociale à l’enfance, se partagent souvent l’écran, sans que la mise en scène n’exprime de préférence nette, les traitant sur un pied d’égalité, comme dans la vie, selon une vision démocratique de la mise en scène. Tout est si fluide et peu ostentatoire que le spectateur novice pourrait très bien ne pas remarquer le formidable travail de mise en scène et de direction d’acteurs, permettant une circulation apparemment libre des acteurs au sein d’un même plan, le tout ayant le bel effet du plus grand naturel. Narrativement, Mungiu organise une narration à deux étages en fonction des générations, montrant une aussi grande facilité à dépeindre les tourments des parents adultes que les enthousiasmes et débordements des enfants adolescents.

Avec Fjord, Cristian Mungiu poursuit et prolonge ses oeuvres antérieures : l’amitié et plus si affinités de Noora et Elia évoque l’amitié sororale et indéfectible des deux colocataires de 4 mois, 3 semaines et 2 jours, ainsi que celle des deux orphelines d’Au-delà des collines. De même, son nouveau film est lié à son précédent R.M.N. qui montrait comment le mépris des classes populaires pouvait réveiller à tort l’étincelle du nationalisme. Comme dans tous ses films, Mungiu ne cherche pas à opposer le Bien au Mal mais à explorer une zone grise, où personne n’a vraiment tort ni totalement raison, comme dans la vie. Concernant Mungiu, comme personne ne tombera jamais d’accord, il se permet de poser la question fondamentale : comment réussir à vivre ensemble, malgré toutes les croyances, les opinions, les expériences différentes, comment comprendre ceux qui ne pensent pas comme nous, ceux que l’on croit avoir toujours tort, ceux qui peuvent avoir peut-être raison tout autant que nous. Alors que Jean Renoir disait dans La Règle du jeu, « ce qui est terrible sur cette terre, c’est que tout le monde a ses raisons« , Cristian Mungiu se montre digne du tragique constat de son brillant devancier car, entre conservatisme et progressisme, entre Charybde et Scylla, Fjord pourrait en être l’une des plus justes illustrations.

RÉALISATEUR : Cristian Mungiu 
NATIONALITÉ :  roumaine 
GENRE : drame 
AVEC : Sebastian Stan, Renate Reinsve, Alin Panc, Lisa Loven Kongsli, Ellen Dorrit Petersen, Henrikke Lund-Olsen, Vanessa Ceban
DURÉE : 2h26 
DISTRIBUTEUR : Le Pacte 
SORTIE LE 19 août 2026 

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Charlie prend la route sans véritable destination. Encore bouleversée par la disparition de sa grand-mère, elle avance au volant de sa vieille Twingo, avec pour seul bagage quelques vinyles disco. Ces disques deviennent le fil invisible qui relie les êtres : ils réveillent les souvenirs de Titou, caviste sensible et mélancolique, tout en accompagnant la rencontre avec Marina, jeune femme en quête d’une liberté qu’elle peine à trouver dans le quotidien d’une petite pizzeria méditerranéenne. Plus qu’un road-movie, Les matins merveilleux est un voyage intérieur où chaque rencontre semble ouvrir une nouvelle possibilité de se reconstruire.

La réalisatrice privilégie une narration impressionniste, laissant les émotions émerger sans jamais les souligner avec insistance.

Avril Besson signe une mise en scène délicate, attentive aux silences, aux regards et aux instants suspendus. La réalisatrice privilégie une narration impressionniste, laissant les émotions émerger sans jamais les souligner avec insistance. Cette approche confère au film une authenticité touchante, même si elle peut parfois donner le sentiment d’un récit qui s’étire, tout comme on peut regretter un manque de tension narrative.

Cependant, la véritable force du film réside dans son casting. India Hair compose une Charlie d’une grande justesse, fragile sans jamais tomber dans le pathos. Son interprétation tout en retenue traduit avec finesse le poids du deuil et l’élan timide vers une nouvelle vie. Face à elle, Raya Martigny, actrice trans, apporte une énergie lumineuse et une spontanéité qui insufflent de la vitalité au récit. Leur relation se construit avec beaucoup de naturel et offre au film ses plus beaux moments. Éric Cantona surprend également. Habitué à imposer une présence magnétique à l’écran, il incarne ici un homme discret, rêveur et profondément humain. Son jeu, tout en sobriété, apporte une émotion sincère qui contraste agréablement avec son image habituelle et participe pleinement au charme de l’ensemble.

Visuellement, Les matins merveilleux s’imprègne de la lumière méditerranéenne sans jamais tomber dans la carte postale. Les paysages accompagnent les personnages plus qu’ils ne les écrasent, tandis que les vinyles disco apportent une touche chaleureuse et nostalgique qui fait écho au thème central du film : celui des souvenirs qui continuent de nous faire avancer.

On pourra reprocher à Avril Besson un certain manque d’ampleur dramatique. Quelques scènes semblent s’étirer

On pourra reprocher à Avril Besson un certain manque d’ampleur dramatique. Quelques scènes semblent s’étirer davantage qu’elles ne développent réellement les personnages, et le film ne trouve pas toujours le rythme qui lui permettrait de transformer sa délicatesse en véritable émotion durable. Mais cette modestie constitue aussi sa singularité. Dans un paysage cinématographique souvent tenté par la surenchère émotionnelle, Les matins merveilleux choisit la simplicité et la sincérité.

Sans révolutionner le genre du récit initiatique, Avril Besson signe avec Les Matins merveilleux, un premier film touchant, délicat et profondément humain

Sans révolutionner le genre du récit initiatique, Avril Besson signe avec Les Matins merveilleux, un premier film touchant, délicat et profondément humain. Un film qui séduit moins par ce qu’il raconte que par la manière dont il accompagne ses personnages, porté par trois très belles prestations d’India Hair, Raya Martigny et Éric Cantona. Une parenthèse douce et charmante qui laisse derrière elle un agréable parfum de mélancolie, comme les dernières notes d’un vieux morceau disco que l’on continue d’entendre longtemps après la fin de la musique.

RÉALISATEUR : Avril Besson
NATIONALITÉ : France
GENRE : Comédie, romance
AVEC :  India Hair, Raya Martigny, Eric Cantona
DURÉE : 1h27
DISTRIBUTEUR : Arizona Distribution
SORTIE LE 29 juillet 2026

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Pour gagner sa vie, Laura accepte un emploi au service de Souria. Installée dans un hôtel particulier du triangle d’or par son amant, un riche prince saoudien, Souria vit dans l’attente de ses visites.

En s’intéressant à ces histoires fascinantes de captivité au sein du triangle d’or parisien, Hélène Rosselet-Ruiz prend le parti d’un quasi huis clos, où une femme est enfermée dans l’attente des visites de son amant, un riche prince saoudien. Seule pour la distraire, une jeune femme de ménage, Laura est embauchée, dans l’attente de son proche engagement dans l’armée. Plus grande, plus belle, plus riche et cultivée, Souria domine de la tête et des épaules sa jeune servante qu’elle se plaît à humilier quotidiennement. Avec elle, la politesse n’existe pas : pas de ‘merci », pas de « s’il vous plaît », elle ordonne, il faut obéir. Dans le rôle de Laura, Malou Khebizi parvient à s’échapper de l’emploi phagocytant de bimbo écervelée qui l’avait fait découvrir dans Diamant Brut d’Agathe Riedinger, et donne une réelle consistance à son personnage de domestique corvéable à merci.

On ne peut dire autant de sa collègue de jeu, Soundos Mosbah, qui, en-dehors d’une plastique irréprochable, peine un peu à effectuer le basculement de maîtresse sadisante à soeur de combat. C’est pourtant la principale originalité du film qui ne se réduit pas à dépeindre une relation maître-esclave mais la croise avec un rapport de sororité. Comme cette luxueuse demeure est placée sous surveillance permanente, Hélène Rosselet-Ruiz utilise un gimmick récurrent qui devient progressivement très agaçant, celui de montrer des plans éloignés du point de vue de la caméra placée en plongée en haut à droite de l’écran. Malheureusement cet effet, en-dehors d’une direction d’acteurs inégale, tient lieu principalement de mise en scène.

A la fin du film, Souria disparaît, kidnappée en adressant un dernier regard à la caméra de surveillance. On ne peut alors que déplorer que le film s’arrête, car il aurait pu consacrer une demi-heure de plus à la quête de Laura, à la recherche de son amie. Le véritable film aurait pu commencer là.

RÉALISATRICE  : Hélène Rosselet-Ruiz
NATIONALITÉ : française 
GENRE : drame, thriller
AVEC :  Malou Khebizi, Soundos Mosbah, Ziad Bakri
DURÉE : 1h27
DISTRIBUTEUR : Ad vitam 
SORTIE LE 29 juillet 2026

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Il est à noter que le personnage du père ne porte pas de nom avant la fin du film, lui conférant le titre de représentant anonyme de la classe pauvre, sans que le film ne tombe dans les clichés portant sur la white trash américaine. C’est en effet l’envers du décor d’une Amérique triomphante que nous présente le film. Ainsi, même si les enfants ne manquent de rien au cours de leur voyage, le père doit faire attention au peu d’argent qu’il a su conserver – n’achetant qu’un cerf-volant sur deux mais leur offrant des glaces à chaque halte. De même, il n’a pas les moyens d’acheter une nouvelle voiture, la sienne démarrant difficilement à tel point qu’il lui est parfois nécessaire de la pousser avec l’aide de la petite Ella. Si les lieux obligés de la route tels le motel, la station-service sont visités et/ou habités temporairement par l’équipée, les paysages grandioses défilent le long de la route comme une échappatoire à l’espace clos de la maison familiale, leitmotiv du road-movie. Ils offrent un terrain de jeu propice aux enfants faisant voler leur cerf-volant sur un terrain contingent au bitume de la route. De même, la piscine du motel offre une parenthèse enchantée à la petite famille.

C’est en effet l’envers du décor d’une Amérique triomphante que nous présente le film.

La destination du voyage reste secrète malgré les questions insistantes d’Ella sur le sujet. Secret soigneusement gardé par le personnage du père jusqu’à ce qu’il cite le Nebraska comme point de chute. Mais pourquoi le Nebraska : c’est ce que se demandent les enfants en même temps que le spectateur. Seule la fin du film nous l’explique, qu’il n’est pas question ici de dévoiler. Ils devront ainsi traverser pour parvenir au but pas moins de trois États : l’Utah, le Wyoming et le Nebraska jusqu’à Omaha, d’où le titre du film. Et pourquoi un tel secret ? C’est que le père de famille, malgré la patience et le caractère gai et enjoué des enfants en général, contraste violemment avec leur comportement – même s’il se veut rassurant – par son mutisme et une angoisse sourde qui ne le quitte pas. La bande sonore se tait alors et nous sommes plongés avec lui dans un abîme sans fond qui respire l’inquiétude. Avec pour seuls mots, lorsque sa fille vient le rejoindre la nuit, assis sur son lit : Je suis fatigué.

Fatigue d’un homme au bout du rouleau malgré les apparences, lui si doux et attentionné avec ses enfants. Ce n’est pas par goût pour la liberté et les grands espaces que celui-ci a décidé de prendre la route mais contraint et forcé, ne sachant plus quoi faire d’autre et s’en remettant à l’âme montée au ciel de sa femme qu’il invoque la nuit lorsque les enfants dorment. Constat amer d’une Amérique qui se délabre à travers un homme isolé du reste du monde qui se heurte au mur de l’indifférence et de l’hostilité de la société – cf. le gérant d’un café avec lequel il se querelle. Histoire universelle d’un homme brisé par la société et qui décide de partir en abandonnant tout, miné par le désespoir. Une interprétation magistrale de la part de John Magaro (le père) mais aussi des deux enfants particulièrement formidables et criants de vérité dans le film. Une réussite.

RÉALISATEUR : Cole Webley
NATIONALITÉ :  Etats-Unis
GENRE : Drame, road-movie
AVEC : John Magaro, Molly Belle Wright, Wyatt Solis
DURÉE : 1h33
DISTRIBUTEUR : Condor Distribution
SORTIE LE 22 juillet 2026

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Le point de départ du récit coïncide avec le début de fouilles archéologiques dans la ville bulgare de Svilengrad, proche de la Turquie et de la Grèce, placées sous la responsabilité d’une universitaire nommée Veska, venue de Sofia. Cependant, étant elle-même originaire de la région où se concentre désormais sa recherche, les secrets de son passé personnel ressurgissent inévitablement — notamment à travers les hommes de sa jeunesse, impliqués dans le trafic, la contrebande et d’autres petits commerces nationaux à peine légaux. Veska elle-même n’est pas un parfait exemple de civilité européenne et développe ainsi davantage d’intérêt pour les activités illégales dissimulées sous la trame du quotidien que pour ses recherches archéologiques.

Présentée par son héroïne affirmée et par son titre même comme une aventure, la narration de L’Aventure rêvée s’effondre progressivement sous le poids des décisions douteuses du personnage principal, de son comportement erratique et de son attachement croissant à un environnement patriarcal toujours agressif…

Situé sous le soleil brûlant de la Bulgarie, L’Aventure rêvée ne cherche aucun raffinement esthétique dans ses plans. Aussi simples et bruts que les paysages ruraux du sud-est européen, les images reflètent la banalité de ce territoire et de ceux qui l’habitent. Tourné principalement avec des acteurs non professionnels, le film accentue cette impression d’approche quasi documentaire, laissant apparaître sa véritable intention : non pas tant raconter l’histoire de Veska et de son passé endurci, mais imprimer sur pellicule les marges de l’Europe où les guerres et les crises économiques de la fin du XXe siècle ont laissé une empreinte durable.

En effet, les références aux guerres de l’ex-Yougoslavie voisine, à la pression soviétique et aux violences constantes de la vie dans cette région de l’Europe dans les années 1990 traversent les conversations sur presque tous les sujets, expliquant en partie les difficultés et la morale déformée de cette terre. Pourtant, ce qui fait dérailler le film dans sa tentative de construire une étude anthropologique cohérente, c’est précisément l’intrigue qui relie presque tous les personnages à l’écran. Présentée par son héroïne affirmée et par son titre même comme une aventure, la narration de L’Aventure rêvée s’effondre progressivement sous le poids des décisions douteuses du personnage principal, de son comportement erratique et de son attachement croissant à un environnement patriarcal toujours agressif, qui regarde avec mépris quiconque refuse d’adhérer à ses valeurs. Veska semble peu à peu engloutie par l’obscurité de cet endroit, et les allers-retours constants entre les hommes — anciens et nouveaux — de sa vie soulignent l’incertitude de sa boussole morale, laquelle ne peut peut-être pas être autrement dans sa situation. Pourtant, cette même situation pousse sincèrement à se demander si un tel récit mérite réellement les deux heures et demie qu’il exige du spectateur.

Finalement, L’Aventure rêvée est avant tout une étude anthropopolitique conçue sous forme de film. Accumulant scrupuleusement de nombreux détails sur la Bulgarie rurale contemporaine et sur son passé encore omniprésent, le film effleure de multiples genres — du western (bien qu’implanté à l’est de l’Europe) au récit policier en passant par le mélodrame — mais finit par s’effondrer sous le poids de tant de concepts à l’écran.

RÉALISATEUR : Valeska Grisebach
NATIONALITÉ : Allemagne, France, Bulgarie, Autriche
GENRE : Drame
AVEC : Syuleyman Alilov Letifov, Yana Radeva, Velko Frandev
DURÉE : 2h 41min
DISTRIBUTEUR : Haut et Court
SORTIE LE 15 juillet 2026

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Voiseux ne filme pas le hasard. Il filme une confiance lentement constituée, avec des gens qui savent ce qu’une caméra leur demande. La comparaison avec Boyhood de Linklater s’impose et s’épuise vite : là où Linklater construisait une fiction sur le temps réel, Voiseux laisse chaque scène dériver au-delà de sa mise en place initiale, vers ce moment imprévisible où la conversation bifurque. Le document absorbe le dispositif.

Le film mesure, avec une précision presque impitoyable, l’écart entre ce qu’on désire et ce qu’on réalise, entre ce qu’on transmet et ce qu’on lègue sans le savoir.

Le format 1:33 — choix revendiqué — dit cela autrement. Ce cadre qui rogne les bords contraint l’image comme le milieu contraint Gabin : le monde de l’obligation et de l’autorité entre par le hors-champ plutôt que de s’imposer frontalement. Et parce que ce format a un cousinage avec la photographie, avec la mémoire figée, il dit d’emblée que ce qu’on regarde appartient déjà, d’une certaine façon, au passé — que ce petit garçon qui conduit à toute berzingue dans les champs est déjà, en même temps, un souvenir.

On ne voit pas Gabin vieillir, on le constate : une mâchoire qui s’affirme, une voix qui descend, une posture dans la voiture qui n’est plus tout à fait celle d’un enfant. Regarder un enfant grandir, c’est aussi assister à une expérience capillaire. Entre chaque bloc temporel, les saisons ont tourné, les rapports se sont déplacés, les rêves ont changé de forme. La mère rêvait du Canada ; c’est son fils qui finira par y partir. Le film mesure, avec une précision presque impitoyable, l’écart entre ce qu’on désire et ce qu’on réalise, entre ce qu’on transmet et ce qu’on lègue sans le savoir.

Le père a la tronche d’un Galabru et la figure du patriarche à la Gabin — comme si le prénom de l’enfant était une revanche sur le silence paternel. Bourru, souvent cassant, il ne laisse rien passer à son fils et semble parfois ne pas voir à quel point il lui ressemble. Pourtant, la scène où il craque devant son propre frère révèle une faille que le film guettait sans la forcer : sous le patriarche, un homme épuisé qui se projette dans Gabin en comparant leurs enfances, deux garçons également contraints par un monde qui ne leur laissait pas beaucoup de choix. Gabin, lui, a cette phrase dite un soir dans une voiture : “le monde des garçons, il comprendrait pas des choses que je veux dire.” C’est peut-être la clé de tout le film — un garçon trop sensible pour son milieu, trop attaché à sa mère pour se laisser modeler par son père, trop lucide pour croire qu’on peut hériter sans choisir.

Le premier plan montre le père et Gabin au petit-déjeuner ; le dernier montre la mère, dont le regard seul convoque l’absence du fils. Cette circularité dit ce que les ellipses avaient tu : que l’identité de Gabin se situe quelque part entre ces deux plans, entre ces deux regards, dans l’espace que dix ans de film ont lentement ouvert. Avant l’aéroport, une larme coule sur le museau d’une vache dans le tracteur. À l’aéroport, une larme coule sur le visage de Gabin. Disons que je change — voilà ce qu’il dit, bien jeune, bien lucide, à peine la puberté démarrée et que le cinéma, patiemment, l’aura vu tenir.

RÉALISATEUR :  Maxence Voiseux
NATIONALITÉ : française
GENRE : documentaire
DURÉE : 1h45
DISTRIBUTEUR : Arizona Distribution
SORTIE LE 18 novembre 2026

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Le tout premier échange entre les sœurs : “tu laisses toujours tout traîner”. La phrase, banale, résonnera longtemps, parce que c’est précisément ce que fera l’absence de Jessie dans le reste du film : traîner partout, sans jamais se laisser ramasser. La nuit qui précède leur départ en vacances, Jessie monte sur un toit avec Lux (Tristan López), son petit ami. Ils ont pris des substances. Le soleil se lève, orange vif, imprégné de quelque chose de trop intense. La chute est filmée par quelqu’un dont on ne saura jamais l’identité, la caméra souple, large, suit le regard de Jessie vers un oiseau avant de revenir lentement, sans hâte. Après, elle continue son chemin, indifférente, vers la quiétude des arbres du matin. On pense à un Tati inversé : chez Tati, l’œil navigue à l’intérieur d’un tableau fixe ; ici, le monde est un tableau et la caméra en révèle les parties l’une après l’autre, comme si plusieurs réalités coexistaient.

Everytime tient dans cet écart : entre la circularité des espaces et la verticalité brutale d’une mort, entre la précision documentaire du début et la dissolution onirique de la fin.

L’ellipse plonge ensuite le spectateur dans une temporalité étrange, celle du deuil qui comprime, dilate, suspend le temps selon ses propres règles. On retrouve la mère, Ella (Birgit Minichmayr), qui parle de comptabilité avec un collègue tout en arrosant les plantes posées sur la tombe de sa fille. On y lit : 2007-2024. Jessie avait dix-sept ans. Aucune larme — pendant une heure entière, le film refuse le pathos qu’on lui tend. Lux revient du Texas où il était parti après le drame. La petite sœur, Melli, continue d’envoyer des messages sur le téléphone de Jessie. Pendant ce temps, c’est elle qui reprend la manette de la console, joue à Minecraft : un monde que l’on construit bloc par bloc, carré par carré, qui se révèle infini à mesure qu’on avance, exactement comme ces souvenirs de Jessie que le film laisse affleurer par fragments.

La mère décide de les emmener tous les deux à Tenerife, ce lieu des premières vacances de Jessie enfant. Sous un soleil qui irradie tout, les cœurs s’entrouvrent et la réalité se plie. Dans les couloirs de l’hôtel, on retrouve Jessie enfant, même image que celles des archives regardées un soir de nostalgie. La côte montagneuse devient un quatrième personnage, silencieux et envahissant, témoin d’une histoire écrite il y a longtemps. La mère s’en occupe. Des scènes fantasmagoriques succèdent à la retenue berlinoise — enfants perdus en bord de mer, fusée de détresse qui ressemble à une étoile filante, et dans le ciel, un carré minecraftien aux angles nets qui s’ouvre sur quelque chose d’autre. La nouvelle dimension où la voix de Melli dit que le soleil ne s’est jamais couché.

Everytime tient dans cet écart : entre la circularité des espaces et la verticalité brutale d’une mort, entre la précision documentaire du début et la dissolution onirique de la fin. Ce qu’il fait du deuil — le projeter vers l’extérieur, laisser l’intériorité brisée métamorphoser le monde jusqu’à ce que Jessie soit à la fois nulle part et partout, mais everytime là — reste, malgré quelques lourdeurs symboliques dans son dernier tiers, une réussite formelle rare : un carré dans un rond, et l’étrange beauté de ne pas savoir lequel finit par contenir l’autre.

RÉALISATRICE:  Sandra Wollner
NATIONALITÉ : autrichienne
GENRE : drame
AVEC : Birgit Minichmayr, Tristan López, Lotte Shirin Keiling
DURÉE : 2h04
DISTRIBUTEUR : New Story
SORTIE LE 28 octobre 2026

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Christophe, 11 ans, vit avec sa famille dans une ferme située dans la Beauce, une région agricole au sud-ouest de l’Île-de-France. Alors qu’il imagine suivre la voie de son père agriculteur, un simple objet va toutefois tout remettre en question : un corset. En effet, incapable de tenir droit en raison d’une scoliose, le garçon est dans l’obligation de porter une armature. Désormais, pour lui et sa famille, plus rien ne sera comme avant.

Brillamment mis en scène, mêlant traits minimalistes à l’encre de Chine et couleurs à l’aquarelle, Le Corset fait son petit effet.

Rien à part quelques arbres et l’église au loin ne vient briser l’horizon. Les champs s’étendent encore et encore. Dans ce paysage aride, le jeune Christophe est corseté avant de porter un véritable corset : il grandit dans une famille où la parole ne traduit pas les sentiments. Son père, un homme relativement mutique, souffre en silence des problèmes qu’il rencontre à la ferme. Il peut toutefois compter sur la présence de sa mère et de son grand frère, lui-même contraint par la ferme. Dans les moments difficiles, son imagination s’emballe, sa tête se penche, et le monde tombe à la renverse. Un ouragan au milieu d’une paisible campagne. C’est autant une façon de s’échapper de la réalité que de traduire ses sentiments. À la faveur de son corset, il va se découvrir et apprendre à s’accepter.

Film d’émancipation, Le Corset parle avant tout des changements qui traversent nos vies : le passage de l’enfance à l’adolescence et les mutations du monde agricole. Bien qu’attaché au personnage de Christophe, le film tente subtilement de rendre compte des évolutions de l’agriculture, et des familles qui ont, parfois sur plusieurs générations, vécu dans des fermes. Comme avec l’armature du jeune garçon, tout est finalement question d’adaptation. Si le récit ne brille pas particulièrement par son originalité, sa sincérité et son écriture sans fioriture touchent juste. Ce qui distingue véritablement le film, c’est sa formidable réalisation : le dessin est fin, tout est dans le détail, des décors à la lumière, jusqu’aux émotions des personnages. Un vrai plaisir visuel, sublimé par plusieurs compositions à l’orgue. Au bout du trait, un joli film, délicat et humain.

RÉALISATEUR : Louis Clichy
NATIONALITÉ : France, Belgique
GENRE : Animation
AVEC : Gary Clichy, Rod Paradot, Brune Moulin
DURÉE : 1h30
DISTRIBUTEUR : KMBO
SORTIE LE 14 octobre 2026

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Lui s’appelle AJ, elle Kristen. Tous les deux sont passionnés par le mouvement : l’un skate sur la terre ferme à Los Angeles, l’autre surfe sur les vagues californiennes. Lorsqu’ils se rencontrent, ils deviennent rapidement inséparables. Comme une marque du destin, ce qui fut le geste de leur rencontre marquera tout le reste de leur histoire : la chute. Une nuit, la jambe de Kristen devient douloureuse. Une vague s’écrase sur le couple : le cancer s’est invité dans la vie de la jeune femme. Ensemble et avec leurs amis, ils vont faire face à la fragilité de la vie.

Pour la cinéaste Phuong-Mai Nguyen, le baptême de feu est passé, et elle a assurément su choisir sa vague.

In Waves est une histoire de premières fois : premier long-métrage, premier roman graphique et premier film d’animation à ouvrir la Semaine de la Critique lors du Festival de Cannes. Une œuvre comme une vague émotionnelle, à la fois douce et puissante. L’histoire fait cohabiter les époques, des débuts du surf (dans un magnifique style noir et blanc) à sa pratique actuelle, jouant de métaphores pour annoncer la catastrophe à venir. Bien que le passé n’apparaisse que lors de courtes interludes, elle souligne néanmoins la principale qualité du film : sa fluidité. Tout est fluide, flux, eau qui ruisselle, bulles à profusion et corps qui flottent. 

Ode à la solidarité, à l’amour et au temps présent, In Waves sonne toujours juste, à bonne distance de son sujet et de ses personnages. Pour AJ, dans la vie comme dans le surf, l’essentiel est le tempo : il faut savoir choisir sa vague. Très bien interprété dans sa version anglaise (Will Sharpe et Stephanie Hsu, Lyna Khoudri et Paul Kircher dans la version française), merveilleusement rythmé par les musiques de Oklou & Rob, le film rappelle l’énergie visuelle des derniers épisodes animés de la série Spider-Man. Pour la cinéaste Phuong-Mai Nguyen, le baptême de feu est passé, et elle a assurément su choisir sa vague.

RÉALISATEUR : Phuong-Mai Nguyen
NATIONALITÉ :  France, Belgique
GENRE : Animation, drame
AVEC : Lyna Khoudri, Rio Vega, Paul Kircher
DURÉE : 1h31
DISTRIBUTEUR : DIAPHANA
SORTIE LE 1er juillet 2026

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