Voilà un Paris reconstruit de toutes pièces, vitré, homogène, sans aspérité. Moins un décor qu’un système continu, où chaque surface répond à une autre. À sa sortie, en 1967, le film déroute : démesuré, presque muet, traversé de paroles flottantes et de langues qui se croisent sans s’accrocher. Dans Playtime, l’ouïe comme le regard ne sont jamais guidés ; ils doivent choisir eux-mêmes où se poser. Mais cette désorientation n’est pas un piège, Tati fait confiance à l’attention du spectateur, à sa capacité de discerner les détails dans la profondeur du cadre. Tout est visible, rien n’est immédiatement lisible ; l’œil hésite, circule, compose son propre trajet.

Chez Tati, les objets parlent plus distinctement que les hommes : le claquement d’une semelle, le froissement d’un cuir artificiel ou le sifflement d’une porte automatique deviennent les voix de la modernité. L’espace sonore ne double pas l’image, il la déborde. Dans le hall d’exposition, les objets se neutralisent à force d’accumulation ; dans les bureaux, les silhouettes se confondent ; dans la rue, les corps se réduisent à des reflets. Le film fonctionne autant par saturation que par soustraction. Les vitres ne séparent plus intérieur et extérieur, elles remplacent le réel par sa circulation en images. Ce qui à l’époque relevait de l’anticipation est devenu décor ordinaire. Aujourd’hui, certains halls d’aéroport, open spaces ou coworking semblent sortis du film.

Hulot, dès lors, ne peut plus faire centre. Il passe, hésite, disparaît, parfois sans que l’on sache quand il quitte le champ. Il faut le traquer parmi les imperméables gris et les trajectoires parallèles. Le film devient jeu : un Où est Hulot ? sans indice ni hiérarchie. On serait tenté de lui prêter un signe distinctif — un bonnet, une écharpe, un pull à rayures rouges et blanches — n’importe quoi pour stabiliser la perception. Mais le cinéaste s’y refuse. Hulot devient un personnage fantôme, présent par intermittence, comme si le monde moderne dissolvait toute figure trop nette. Dans cet univers d’équivalences, la singularité survit par éclats : maladresses, retards, gestes infimes.

La longue séquence du Royal Garden concentre cette logique pour mieux la fissurer. Trop neuf pour tenir, le lieu se dérègle par glissements successifs. Une dalle cède, une porte vitrée se brise, un uniforme lâche, une erreur circule. À la rectitude du décor répond l’élasticité des corps. Un serveur remplace une porte absente par un geste improvisé ; les clients s’y adaptent sans lever les yeux. Ce que l’architecture voulait figer, Tati le remet en mouvement.

Peu à peu, la ville cesse de tenir en ligne droite. Au rond-point final, les flux se courbent, se répondent, composent un mouvement circulaire, presque rituel. On pense à la France des ronds-points, où la circulation devient négociation et friction des corps. Rien ne s’effondre vraiment, rien ne se résout ; quelque chose se desserre simplement. Playtime ne commente pas le monde : il en déplace les réglages. Là où l’ordre voulait des trajectoires, Tati retrouve des gestes.

RÉALISATEUR :  Jacques Tati
NATIONALITÉ : française
GENRE : comédie
AVEC : Jacques Tati, Barbara Dennek, Jacqueline Lecome
DURÉE : 2h04
DISTRIBUTEUR : Carlotta Films
RESSORTIE LE 15 juillet 2026

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L’histoire se déroule dans la capitale de la République centrafricaine, où Robert, âgé de 17 ans, doit s’occuper de ses frères et sœurs en l’absence de ses parents emprisonnés, tout en poursuivant ses études et son rêve de carrière musicale. Réfugié congolais, Robert dissimule ses origines alors que les tensions politiques et le danger militaire s’intensifient dans la ville. Lorsqu’il apprend qu’une ONG internationale organise un concours de musique, ses rêves se transforment en objectif concret : gagner. Mais cette quête sera compliquée non seulement par les travaux épuisants du quotidien, mais aussi par le conflit grandissant avec son père.

Une autre découverte marquante du film réside dans la manière dont il relie la quête artistique d’expression de soi à la question des réfugiés.

S’il fallait choisir un adjectif pour décrire ce film, ce serait sans doute « inspirant », car malgré les nombreux obstacles à une vie normale auxquels Robert et sa famille font face dans un pays traversé par les opérations militaires, il est presque impossible de douter du succès futur du personnage. Dans ce mouvement constant d’un problème à un autre et le rythme soutenu des événements, Congo Boy propose moins un drame au sens conventionnel — bien que les situations dramatiques soient nombreuses — qu’un récit profondément optimiste de dépassement des difficultés de la vie.

Une autre découverte marquante du film réside dans la manière dont il relie la quête artistique d’expression de soi à la question des réfugiés. Robert, considéré comme un étranger potentiellement dangereux, commence ses premières tentatives musicales sous un nom générique ne révélant rien de son origine ethnique, avant de finalement participer au concours sous le nom de Congo Boy. Dans cet acte à la fois de rébellion et d’affirmation de soi se déploie une relation particulièrement forte que le film parvient à représenter avec finesse.

Finalement, Congo Boy est un récit profondément réconfortant qui apporte une dose d’espoir bienvenue à la section Un Certain Regard de cette année à Cannes et donne surtout envie de découvrir ce que son jeune réalisateur a encore à raconter.

RÉALISATEUR : Rafiki Fariala
NATIONALITÉ :   Congo (Kinshasa), France, Italie
GENRE : Drame
AVEC : Bradley Fiomona, Dieufera Sana, Hubert Ngbolo
DURÉE : 1h 30min
DISTRIBUTEUR : Jour2fête
SORTIE LE Prochainement

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Violemment attaqué par la critique dans les années 1970, The Devils avait pourtant rencontré un grand succès auprès du public et figurait parmi les films les plus populaires du box-office britannique en 1972. Face à l’avalanche d’accusations, de censures, de coupures et d’interdictions qui ont limité la diffusion du film dans d’autres pays, cette nouvelle restauration 4K offre une renaissance méritée et la version la plus proche du director’s cut que Ken Russell aurait souhaité voir exister. Une première tentative de restauration avait été présentée à Londres en 2002 et demeure à ce jour la seule version que le réalisateur ait lui-même visionnée avant sa mort en 2011.

…derrière cette profusion de visions délirantes, de retournements audacieux et d’une énergie omniprésente se cache une réflexion politique complexe, que l’auteur lui-même rattachait moins à une période historique précise qu’à la structure même des rapports de pouvoir.

L’histoire se déroule dans la ville-forteresse de Loudun, dans la France du XVIIème siècle, où le père Urbain Grandier se distingue par un tempérament excessivement épris de liberté et une interprétation très personnelle des dogmes religieux. À défaut de cela, c’est certainement la force et l’indépendance de sa ville sous son autorité qui attirent la colère des courtisans du roi. Incapables de supporter l’autonomie de Loudun, ils accusent Grandier de sorcellerie et lancent une enquête autour des nonnes prétendument possédées, qui finira par détruire à la fois la ville et le sens même de la morale.

Le film déborde de costumes flamboyants signés Derek Jarman et de plans impeccables du directeur de la photographie David Watkin, mais l’accumulation de scènes de corporéité explicite, de blasphème et de torture, ainsi qu’une orgie culminante de nonnes autour d’une statue du Christ, explique sans peine pourquoi le film fut interdit. Pourtant, derrière cette profusion de visions délirantes, de retournements audacieux et d’une énergie omniprésente se cache une réflexion politique complexe, que l’auteur lui-même rattachait moins à une période historique précise qu’à la structure même des rapports de pouvoir. Selon Mark Kermode, le critique britannique qui a retrouvé les images dans les archives de Warner Bros. et initié le projet de restauration il y a plusieurs années, Ken Russell aurait affirmé que The Devils était le seul véritable film politique qu’il ait jamais réalisé.

Les « démons » du titre désignent presque tous ceux qui détiennent ne serait-ce qu’une parcelle de pouvoir à l’écran : du roi jusqu’aux bourreaux locaux de Loudun, il n’y a pratiquement aucun personnage avec lequel il soit possible d’éprouver de l’empathie. Pourtant, dans cette ronde permanente de fautes et de violences, certains souffrent davantage de ce système et suscitent plus facilement l’inquiétude du spectateur. Il est notable que toutes les victimes soient des femmes, et plus particulièrement le groupe de nonnes qui déclenche la chasse aux sorcières dans la ville. De ce point de vue, il est important de rappeler qu’une femme — précisément Madeleine de Brou, qui a perdu sa mère durant l’épidémie — est la seule personne à franchir les murs effondrés de Loudun et, symboliquement, à sortir de son ordre oppressif. Ce n’est guère une fin heureuse, mais certainement une interprétation intéressante de ce que pourrait être une échappatoire à cette structure de pouvoir suicidaire présentée comme l’ordre établi.

Issu du monde de la danse, Ken Russell disait avoir retrouvé avec The Devils un rythme qu’il avait perdu depuis longtemps. Un rythme, bien sûr, non seulement au sens d’un jeu influent de répétitions et de variations — même si cela est aussi très présent dans le film — mais comme une pulsation reflétant le caractère profond, l’idée centrale d’une œuvre. Et s’il y a bien une chose pour laquelle The Devils ne peut être critiqué, c’est qu’il représente parfaitement cette fièvre du pouvoir oppressif, exagérément guidée par le sexe, aussi pertinente aujourd’hui en Occident qu’elle l’a probablement toujours été.

RÉALISATEUR : Ken Russel
NATIONALITÉ :   Grande-Bretagne
GENRE : Drame, Epouvante-horreur, Historique
AVEC : Vanessa Redgrave, Oliver Reed, Dudley Sutton
DURÉE : 1h 54min
DISTRIBUTEUR : –
SORTIE LE Prochainement

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La projection a d’ailleurs pris une dimension particulière avec la présence du cinéaste, visiblement très ému par l’accueil réservé à son œuvre

Espagne, 1944. Fin de la guerre. Carmen, récemment remariée, s’installe avec sa fille Ofélia chez son nouvel époux, le très autoritaire Vidal, capitaine de l’armée franquiste. Alors que la jeune fille se fait difficilement à sa nouvelle vie, elle découvre près de la grande maison familiale un mystérieux labyrinthe. Pan, le gardien des lieux, une étrange créature magique et démoniaque, va lui révéler qu’elle n’est autre que la princesse disparue d’un royaume enchanté. Afin de découvrir la vérité, Ofélia devra accomplir trois dangereuses épreuves, que rien ne l’a préparée à affronter…

Le fantastique devient alors une manière de transformer l’horreur du réel en récit initiatique.

Toute la force du film réside dans cette manière qu’a Guillermo del Toro d’entremêler la grande Histoire et l’intime. Le contexte politique de l’Espagne franquiste n’est jamais un simple décor : il imprègne chaque plan d’une violence sourde et constante. À travers le personnage du capitaine Vidal, incarnation glaçante de l’autoritarisme fasciste, le réalisateur montre un monde gouverné par la brutalité, l’obsession du contrôle et la destruction de toute innocence. Face à cette réalité insoutenable, Ofélia se réfugie dans l’imaginaire des contes, comme un moyen de survivre psychologiquement au traumatisme. Le fantastique devient alors une manière de transformer l’horreur du réel en récit initiatique. Le film touche justement parce qu’il refuse de séparer totalement rêve et réalité. Le labyrinthe imaginé par Del Toro est autant un espace mental qu’un lieu physique. Chaque créature, chaque épreuve semble refléter les peurs et les blessures d’Ofélia. Le cinéaste construit un véritable univers fantasmagorique où le merveilleux côtoie constamment le macabre. Son bestiaire reste d’ailleurs l’un des plus marquants du cinéma contemporain, à l’image d’un Faune ambigu, à la fois protecteur et inquiétant.

Mais si Le Labyrinthe de Pan impressionne, c’est surtout par son équilibre entre violence et sensibilité. Certaines scènes sont d’une brutalité indéniable, rappelant constamment que le conte ne protège jamais totalement de la réalité historique. Pourtant, le film conserve une immense tendresse pour ses personnages et pour l’enfance. Ofélia devient le symbole d’une innocence menacée par les adultes, par la guerre. Le regard que porte Del Toro sur elle est profondément humaniste : il filme l’imagination comme un acte de résistance. La mise en scène participe énormément à cette émotion. Guillermo del Toro compose des images d’une beauté mélancolique. Chaque décor semble vivant, chargé d’histoire et de mémoire.

Ofélia devient le symbole d’une innocence menacée par les adultes, par la guerre.

En définitive, Le Labyrinthe de Pan apparaît aujourd’hui comme l’un des sommets de la filmographie de Guillermo del Toro, un récit bouleversant et personnel sur l’enfance meurtrie par la guerre et sur la nécessité de préserver une part d’imaginaire dans un monde dominé par la violence.

RÉALISATEUR : Guillermo del Toro
NATIONALITÉ : Espagne, Mexique
GENRE : Epouvante-horreur, Fantastique
AVEC :  Ivana Baquero, Sergi López, Doug Jones
DURÉE : 1h58
DISTRIBUTEUR : Wild Bunch Distribution
SORTIE LE 1er novembre 2006 (date inconnue pour la version restaurée)

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Un film curieux qui nous montre que la ferveur religieuse – ou la superstition – n’a rien perdu de sa force surtout chez les gens pauvres des contrées de Russie où elle fait office de calmant et d’adoucissant à la vie.

Les faits et propos des protagonistes sont présentés tels quels, sans commentaire du narrateur, seule une voix off – celle de Herzog – traduisant les paroles du russe à l’allemand, se refusant à interpréter ce que l’on voit à l’écran et mettant tout sur le même plan : légendes, foi, visions, cérémonial et tout ce qui va avec. Le cinéaste nous donne à réfléchir sur les restes ancrés d’une foi parfois millénaire dans l’esprit des pauvres gens qui habitent ces régions du monde, au milieu de la technologie la plus moderne : on voit des lignes à haute tension traverser le paysage. L’Église orthodoxe n’en a jamais véritablement disparu d’ailleurs et l’on fait la connaissance d’un sonneur de cloches orphelin qui n’a jamais malgré ses efforts réussi à retrouver ses parents. On se rend compte que son métier est tout un art et demande coordination et sens de la musique. Celle des chœurs sacrés qui envahit la bande-son soulignant la ferveur des croyants – gros plans à l’appui – qui viennent visiter et embrasser les icônes religieuses du monastère de Zagork qui abrite la sépulture de Saint Serge. Quant à la légende de Kitej, elle fait l’objet d’un traitement spécial, les premières images du film y renvoyant directement mais le thème n’étant repris qu’au cours de celui-ci. On voit des pèlerins raconter l’histoire de la ville de Kitej, fondée dans la circonscription administrative de Nijni Novgorod par Iouri II Vladimirski au XIIIème siècle, qui, menacée par les Mongols, fut miraculeusement engloutie par les eaux qui forment aujourd’hui le lac Svetloïard, ce qui en fait une sorte d’Atlantide russe. Les plus pieux comme cette dame interrogée pouvant voir les feux des processions religieuses. Des pèlerins avancent à quatre pattes autour du lac devenu sacré. Et Herzog y met du sien puisqu’il invente une séquence qui est de sa pure invention où l’on voit des hommes à plat ventre sur le lac essayer d’y voir à travers la ville de Kitej, tandis que les pêcheurs ont creusé un trou dans la glace pour y attraper le poisson et que des patineurs glissent sur la surface gelée ne semblant pas faire attention à tout ce manège. Un film curieux qui nous montre que la ferveur religieuse – ou la superstition – n’a rien perdu de sa force surtout chez les gens pauvres des contrées de Russie où elle fait office de calmant et d’adoucissant à la vie.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire
AVEC : Werner Herzog, Vissarion, Anna Hitch
DURÉE : 1h
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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Il vit en compagnie de Molly (jouée par Claudia Cardinale) qui tient une pension de jeunes filles qu’elle place ensuite dans les meilleures familles de la ville. Ils s’aiment et partagent les mêmes goûts, et la même folie. Fitz, quant à lui, a déjà échoué dans une entreprise précédente, celle de créer un chemin de fer qui traverse l’Amazonie, et en attendant mieux, il fabrique des pains de glace qu’il distribue à l’occasion aux enfants. Mais cela ne l’enrichit pas suffisamment pour accomplir l’idée qu’il a en tête, qu’il hurle du clocher d’une église au sein de laquelle il s’est enfermé, fou criant à la foule qui l’observe sans comprendre. Il décide alors d’aller recueillir lui aussi le caoutchouc dans une parcelle laissée libre située sur le cours de l’Ucayali, l’un des affluents de l’Amazone. Pour cela il achète – avec l’aide de la petite fortune de Molly – un bateau à vapeur capable d’effectuer la traversée. Mais il faut d’abord le faire remettre en état. Et de le baptiser du nom de sa compagne. Le recrutement de son équipage est à l’image du caractère de son propriétaire, en apparence fantasque et boiteux : un pilote seul survivant d’une expédition ayant fini en catastrophe et un cuisinier ivrogne.

Entraînante aussi la folie du personnage qui nous gagne avec sa fièvre d’une quête démesurée au sein d’une nature hostile et de forces dangereuses.

Fitzcarraldo parvient à nous faire croire à son projet tant sa détermination est intacte quelles que soient les avanies et malgré quelques moments de doute. C’est aussi la magie du cinéma que de nous entraîner dans son aventure. Car c’est d’une véritable aventure qu’il s’agit au cours de laquelle le personnage devra affronter les forces naturelles – les remous du Pongo – défier cette même nature – en faisant passer son bateau par-dessus une colline, et c’est vraiment ce que l’équipe du film fit avec l’aide des Indiens – ainsi que les Shuars, appelés improprement les Navajos (terme dont la signification est « barbare », « sauvage »), redoutable peuplade qui a pour particularité de pratiquer le rite de la réduction de tête, d’où leur réputation caricaturale de coupeurs de tête à laquelle n’échappe pas le film, relatant le sort des deux missionnaires jésuites retrouvés morts avec la tête tranchée.

Le film offre des panoramas fascinants sur la nature amazonienne et les péripéties de l’équipage du bateau se suivent à un rythme entraînant. Entraînante aussi la folie du personnage qui nous gagne avec sa fièvre d’une quête démesurée au sein d’une nature hostile et de forces dangereuses. Ainsi, le mouvement de sympathie qui s’instaure entre l’équipage de Fitz et les indiens est-il miraculeux mais l’on a envie de croire en cette fraternité soudaine même si elle est animée par un calcul plus intéressé qu’il n’y paraît. Il faut savoir que pendant le tournage, les indigènes en butte aux accès de folie furieuse de Kinski offrirent à Werner Herzog de le tuer tant il devenait insupportable à tous. Cet épisode est relaté dans le film qu’il fit ensuite sur ses relations entre lui et l’acteur dans Ennemis Intimes (1999). Un grand souffle épique traverse ce film autour d’un conquistador de l’inutile à l’âme aussi noble que sauvage. L’occasion de voir ou de revoir une grande œuvre de l’histoire du cinéma, avec Kinski à l’écran, ce qui n’est pas rien.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Film d'aventures
AVEC : Klaus Kinski, Claudia Cardinale, José Lewgoy
DURÉE : 2h38
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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Le cinéaste tente de reproduire l’expérience sur le spectateur, cherchant ainsi à surprendre ce qui se passe derrière le voile des apparences jusqu’au plus profond de la réalité. Ainsi, comme le faisait Carl Dreyer avant lui, il met ses acteurs sous hypnose selon les besoins de la scène, ce qui leur donne cette apparence un peu étrange à l’écran et cet aspect stylisé – gestes décomposés de façon théâtrale, regards dans le vide et parole heurtée. Il faut alors se laisser porter par le rythme du film au risque sinon de s’y ennuyer et de trouver le temps un peu long. La voix off de Hias décrit un monde en train de s’écrouler – la menace de décomposition du monde est constante tout au long du film –, de pourrir laissant place à un ordre nouveau : c’est un texte proprement apocalyptique, dans le sens révélateur du terme. Parole prophétique aussi. En effet, le village est en émoi et croît voir apparaître des signes attestant de la fin du monde, comme ce géant destructeur et anthropophage que les villageois croient avoir aperçu rôdant aux alentours.

C’est ainsi que les personnages dans Cœur de verre semblent agis de l’extérieur, semblables à des automates obéissant à leurs pulsions internes les menant à la catastrophe inévitable de la fin du monde.

Car rien ne va plus : la verrerie qui est la principale entreprise du coin et qui fabrique un verre particulier appelé le verre-rubis pour sa couleur rouge a perdu son principal maître d’œuvre, le contremaître Mühlbeck, mort sans avoir dévoilé le secret de la fabrication de son fameux verre. Les maîtres verriers se mettent à l’œuvre mais rien n’y fait et ils échouent lamentablement dans leurs tentatives. Tout l’espoir du village repose pourtant sur ce secret. Le maître de la verrerie, un jeune aristocrate guindé hanté par la folie, se met alors à en chercher la formule dans des grimoires, impuissant lui aussi, sa quête tournant bientôt à l’obsession. Les villageois semblent prisonniers de leur routine comme d’un rêve, accomplissant ainsi les prédictions de Hias. Herzog dénonce ici le caractère soumis de l’homme à un destin que des forces qui le dépassent– économiques, politiques ou autres – lui dictent car même s’ils savent ce qui va leur arriver, ils ne font rien pour l’empêcher. On retrouvera ce même sentiment d’impuissance et de chute dans le vide dans le personnage principal de La Ballade de Bruno (1977), même si dans ce dernier film, le héros se bat quant à lui tant qu’il peut pour échapper à son destin.

Il semble chez Herzog que l’humanité soit aveugle à son propre destin et soit vouée à disparaître pour mieux renaître sous une autre forme comme dans Fata Morgana (1971) où une civilisation meurt pour être remplacée par une autre toute aussi atteinte de cécité que l’autre. C’est ainsi que les personnages dans Cœur de verre semblent agis de l’extérieur, semblables à des automates obéissant à leurs pulsions internes les menant à la catastrophe inévitable de la fin du monde. Un éternel recommencement en somme similaire à la vision en partie nihiliste chez Nietzsche de l’éternel retour du même. Herzog nous emmène à travers cette fable dans un monde étrange fait de signes qu’il s’agit d’interpréter pour le spectateur saisi par l’hébétude et parfois l’incompréhension. C’est un cinéma exigeant qui demande une participation entière de nos sens. Mais qui nous relie au sens profond, souvent caché, de notre propre existence.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Drame
AVEC : Josef Bierbichler, Stefan Güttler, Clemens Scheitz
DURÉE : 1h34
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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Woyzeck est en proie à des hallucinations auditives et son regard semble parfois perdu dans les lointains sans qu’on sache jamais ce qu’il y perçoit. Personnage fantasque, un peu fou sur les bords, à l’esprit du moins dérangé. Il est un pur objet de curiosité scientifique pour le médecin militaire qui l’ausculte, le contraignant à un régime drastique à base de pois, lui reprochant son manque de volonté, émettant l’idée – c’est sa grande théorie – que la volonté peut tout et par-dessus toutes choses corriger ou du moins contrôler la nature. Car Woyzeck est un être naïf au sens premier du mot, innocent comme la nature, qui laisse libre cours à ses impulsions, doutant cependant de ce qu’il faut faire ou ne pas faire, en proie à l’hostilité ou au mépris du monde extérieur, obéissant aux ordres. Et ce même monde en profite, comme Marie qui, en douce, trompe son ami avec le tambour-major, espèce de grand escogriffe, ne se privant pas de danser avec sa dulcinée à la barbe et au nez de ce pauvre Woyzeck qui n’en peut mais.

Dépossédé de son corps, maltraité, humilié, trahi, Woyzeck cherche un sens à ce qui lui arrive mais n’y parvient pas. Quête sans fin à l’issue de laquelle on ne peut que se perdre.

Alors ça tourne dans la tête du petit soldat qui se rend compte de la chose, lui qui adopte pourtant l’attitude du parfait mari et père de famille, offrant toute sa solde à Marie dès qu’il la perçoit. Cette dernière se laisse séduire par le prestige de l’uniforme et la prestance de son amant, victime de l’ennui mortel du quotidien qu’elle vit avec Woyzeck, une autre Emma Bovary en somme. A l’instar de Kaspar Hauser – autre héros de la filmographie de Herzog – Woyzeck se sait prisonnier du monde absurde dans lequel il vit. C’est un être doté d’une clairvoyance supérieure aux autres, une clairvoyance telle qu’elle peut mener à la folie, à la destruction et jusqu’à la mort. Dépossédé de son corps, maltraité, humilié, trahi, Woyzeck cherche un sens à ce qui lui arrive mais n’y parvient pas. Quête sans fin à l’issue de laquelle on ne peut que se perdre. Mais il ne peut s’en tenir à l’immobilisme, contraint qu’il est de regarder se dérouler le long fleuve absurde de la vie devant lui, et il se débat pour essayer de vivre.

Mais traité en cobaye par le médecin militaire aux discours creux qui se prévaut vaniteusement de son titre, humilié et en perte de repères – il perd ainsi le dernier abri où il pouvait se réfugier, c’est-à-dire son foyer imprégné de l’odeur et des traces laissées par son rival en amour – Woyzeck cherche à se confier à son camarade Andrès qui lui adresse en réponse un message de non-retour, lui conseillant de ne pas trop s’en faire. Mais il n’est pas homme à laisser les choses en l’état et c’est ainsi qu’il s’affirme aussi comme un héros cherchant à améliorer sa situation et à donner un sens à la vie et au monde. Kinski incarne à merveille son personnage, fatigué et torturé intérieurement – il sort à peine du tournage de Nosferatu – rendant sensible la tristesse profonde du personnage. Et Herzog est en empathie avec son personnage, prenant son parti, restant près de lui, sobre dans sa manière de le filmer et éloigné de tout pathos. Encore une histoire traduisant le pessimisme noir de son auteur ici merveilleusement sublimé par le film.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Drame historique
AVEC : Klaus Kinski, Eva Mattes, Wolfgang Reichmann
DURÉE : 1h20
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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Car le danger est là, omniprésent, de chute à l’atterrissage et de subir de graves traumas.

La caméra suit le sauteur dans son ascension vertigineuse, sa figure se découpant sur les nuages blancs du ciel bleu des montagnes. Et le risque est sensible pour le spectateur qui ne peut que s’émerveiller devant un tel exploit. Le skieur doit en faire abstraction avant de s’essayer à chaque fois sur la piste. Mais les limites sont à chaque fois repoussées. C’est que les spectateurs, arrivés par bus de tous les coins du pays et d’ailleurs, amassés au bas des pistes, en veulent toujours plus. Et nous en sommes partie prenante même si l’on tremble pour la vie des sauteurs. Les sauts – et les chutes qui en sont parfois l’aboutissement – donc se succèdent, rythmant à intervalles réguliers le déroulement du film. Le réalisateur utilise un procédé de ralentissement de l’image faisant en sorte que nous avons l’impression en voyant le sauteur à ski accomplir son geste qu’il est comme suspendu dans le ciel, en train littéralement de planer semblable à un oiseau. La sensation est encore soulignée par une bande-son adéquate puisque Werner Herzog utilise la musique du groupe allemand Popol Vuh formé en 1969 et ayant déjà contribué aux films du cinéaste pour Aguirre, la colère de Dieu en 1972. Ils continueront à accompagner celui-ci au cours des années suivantes, venant marquer de leur empreinte sa filmographie. Musique elle-même particulièrement planante et connue pour cela. Ici, comme dans plusieurs de ses autres films – dont Gasherbrum, la montagne lumineuse en 1984 – Werner Herzog s’intéresse à une personnalité hors-norme qui s’évertue à défier les lois naturelles comme à un héros en marge de la société.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire 
AVEC : Walter Steiner, Werner Herzog
DURÉE : 45 '
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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C’est alors qu’elle décide à un moment de sa vie de se dévouer à la cause de ceux qui sont comme elle et se met à la tête d’une association de sourds-aveugles en Bavière. Et le film suit ses pérégrinations à travers le territoire, par train et en voiture, pour visiter hommes et femmes qui souffrent du même handicap. Patience, empathie et faculté de compréhension sont mises à l’œuvre pour tenir compte de la situation particulière de chacun. Fini prend le temps de communiquer tant bien que mal avec eux, de se rendre compte de leurs conditions de vie et sa présence se veut réconfortante tant ces derniers ont l’impression d’être complètement oubliés du reste de la société. D’ailleurs, ils ne se plaignent pas mais souffrent en silence, réduits parfois à l’isolement le plus total, envoyés dans un centre psychiatrique au milieu des malades mentaux quand on ne sait plus où les mettre, faute de structure adaptée à leurs besoins. Comme cette femme qui semble avoir abandonné son sort au hasard, n’ayant aucun moyen de communiquer avec les autres, pas même le braille dont elle a oublié l’enseignement.

Que de misère, de souffrance et de solitude nous ressentons à travers ce documentaire mais aussi tant de grandeur d’âme, d’abnégation et de résilience chez cette femme qui consacre sa vie à la communauté des sourds-aveugles dont elle fait elle-même partie.

Laissés seuls à la garde d’un parent s’ils en ont un qui accepte de s’occuper d’eux comme cet ancien paysan qui suit les pas de sa vieille mère, tous deux vivant dans un dispensaire qui les a accueillis, et qui pendant longtemps a vécu au milieu des bêtes, réduit lui-même à l’animalité. Il a les moyens physiques et articulatoires de parler mais refuse pourtant obstinément d’ouvrir la bouche pour proférer des paroles si ce n’est un mot par-ci par-là à l’occasion, et ayant du mal à accepter une présence étrangère à ses côtés comme s’il avait abandonné le monde qui l’a réciproquement oublié et laissé seul face à son destin. C’est ainsi que le travail de Fini pour parvenir à intégrer ces sourds-aveugles à la société s’avère particulièrement difficile et ardu. Et c’est à cette aune que l’on perçoit l’abnégation et la force de résilience qu’elle porte en elle pour accomplir sa tâche. Rencontre avec un éducateur qui s’occupe de deux enfants handicapés auxquels on tente d’apprendre à parler mais aussi à se diriger tout simplement dans le monde.

Visites au zoo ou au jardin botanique : importance de se raccorder au monde par le truchement des sens, celui du toucher qu’il leur reste et contact revigorant avec les animaux. Puis la caméra délaisse par un travelling le groupe de Fini et de ses interlocuteurs pour se focaliser sur son sujet, celui des handicapés eux-mêmes : plan resserré sur cet enfant qui serre contre lui une radio dont il perçoit sans doute les vibrations. Rapport animal avec le monde : il trébuche, accroche la main de Fini dans laquelle il plante ses ongles comme pour y arracher le peu de douceur dont il peut bénéficier dans sa vie, laissé seul à la garde de son père qui n’en peut mais. Que de misère, de souffrance et de solitude nous ressentons à travers ce documentaire mais aussi tant de grandeur d’âme, d’abnégation et de résilience chez cette femme qui consacre sa vie à la communauté des sourds-aveugles dont elle fait elle-même partie. Peut-être un espoir à travers le discours prononcé par un ministre du gouvernement qui rappelle non seulement la tolérance qu’on doit avoir à leur égard mais aussi la nécessité de les intégrer à la société. Mais comme le chemin est long et difficile : briser le silence, éclairer la route semble pourtant essentiel.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire
AVEC : Fini Straubinger, M. Baaske, Elsa Fehrer
DURÉE : 1h20
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

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