• EMMANUELLE ETIENNE

– Séries illimitées : Le guide ultime pour ne plus chercher des heures un truc à regarder, présenté par L’Arrière-Cuisine. Préface par Alexandre Astier. Editions Marabout.

Un guide utile pour les spectateurs indécis.

– House of The Dragon – Saison 1
L’occasion de voir ou revoir l’une des séries les plus marquantes de 2022.

– Gadgy Machine à popcorn à air chaud – Machine à popcorn rétro – Popcorn sans graisse et sans huile. L’accessoire indispensable pour les soirées «Netflix and chill » !

• ANA HYDE

Pour les gros budgets, le coffret BR Nosferatu, une symphonie de l’horreur, édité chez Potemkine, vous fera passer des nuits blanches, quand les mots de l’ouvrage illustré Bandes originales de Thierry Jousse, édité chez Epa éditions, vous endormiront sous l’effet de ses choix de douces musiques de nuit.

Et pour les petits budgets, le BR Moonage Daydream (de Brett Morgen sur David Bowie) est déjà en précommande quand vous pourrez vous offrir la bande originale en CD du Pinocchio de Guillermo del Toro par Alexandre Desplats !

• MARIE MOY

Une affiche originale de Orange Mécanique pour que le destinataire du cadeau s’endorme tous les soirs sous le regard rassurant d’Alex et fasse des doux rêves paisibles (c’est génial de parler des nouveautés, mais ne pas oublier les classiques).

Une clé d’accès à la série Gilmore Girls, drôle et réconfortante, elle ne fera qu’enrichir votre culture cinématographique avec les références permanentes de Lorelai mère et fille à une multitude de films des plus divers et variés.

Une caméra pour filmer vos instants de vie, parce que ce que le cinéma montre, c’est l’importance des mots des images et des instants que seul une caméra peut réussir à figer et conserver bien chaudement dans un petit boitier.

• BERENICE PAUL

Côté série 

Coffret DVD de l’intégrale de Penny Dreadful (19,99 euros)

Ce coffret DVD est l’occasion de découvrir l’une des séries fantastiques les plus (injustement) sous-estimées de ces dernières décennies. Eva Green y confirme ses talents d’actrice en interprétant une femme trouble, plongée dans les méandres d’un XIXe tourmenté. 

Côté film 

Coffret DVD Pasolini (29,99 euros)

En 2022, Pier Paolo Pasolini aurait eu cent ans. Cinquante ans après sa mort, le cinéaste continue de fasciner le public. Quoi de mieux qu’un coffret DVD pour appréhender ses œuvres aussi exigeantes que provocatrices ?  

Côté livre 

Tout sur le cinéma. Panorama des chefs-d’oeuvre et des techniques (29,90 euros)

Pour moins de trente euros, cet ouvrage constitue une bonne entrée en matière dans l’Histoire du cinéma. Les genres cinématographiques sont abordées avec une écriture simple et efficace, qui donne (encore plus) envie d’aller au cinéma.  

• XAVIER AFFRE

1/ Un livre : Thierry Jousse, Bandes originales, une histoire illustrée de la musique au cinéma, Édition E/P/A, 288 pages, nov. 2022. Une évocation du 7e art par le biais de la musique, un voyage passionnant à travers des documents d’archives et une furieuse envie de revoir (ou plutôt de réécouter) plein de films / 45 euros

2/ Un DVD : Nosferatu, une symphonie de l’horreur (Friedrich Wilhelm Murnau) / Coffret Blu-ray DVD version restaurée, boîtier métal Futurepak limité & livre dans un coffret bois. Potemkine. Sortie le 8 décembre 2022. Pour redécouvrir un chef d’oeuvre du cinéma d’épouvante, par un grand maître du cinéma. Une magnifique utilisation des lumières et des jeux d’ombre. / 69.90 euros.

3/ Une BD sur le cinéma : Les Pionniers, vol. 1 : La machine du diable. Dorison / Maric / Hostache. Éd. Rue de Sèvres. Avril 2022. Une évocation des premiers pas du cinéma, au temps des inventeurs, ingénieurs et industriels. Où l’on rencontre Charles Pathé, Louis Gaumont, Georges Méliès ou encore Alice Guy. / 25 euros

• QUENTIN ELUAU

L’oeuvre de David Fincher : Scruter la noirceur de Stéphane Bouley. Third Editions. Une plongée dans l’univers de David Fincher, d’Alien 3 à Mank, en passant par Mindhunter, tout est analysé dans ce livre de 500 pages.

Des Legos The Office. Quoi demander de mieux cette année ? 

The Leftovers, série créée par Damon Lindelof (Lost, Watchmen).

Que se passerait-il si demain 2% de la population mondiale disparaissait ? C’est ce que Damon Lindelof souhaite raconter dans cette série dramatique.

• SYLVAIN JAUFRY

Romy Schneider/Claude Sautet, un coup de foudre créatif, de Jean-Pierre Lavoignat, Editions de la Martinière. Pour voir la nature de cette relation, qui a débouché sur quelques films de qualité.

Bertrand Tavernier. Le cinéma et rien d’autre. de Laurent Delmas, Editions Gallimard. des précisions sur le travail et la filmographie de l un des plus grands réalisateurs français.

Dvd du film de Werner Herzog, Aguirre la colère de Dieu. Potemkine Editions.

Un chef-d’œuvre où l’on peut admirer la folie de Klaus Kinski . A conseiller avec Fitzcarraldo.

• PIERRE LARVOL

Les Crimes du Futur de David Cronenberg -Blu-ray / 4K : Cronenberg oblige, l’ambiance n’est pas franchement à la fête dans Les Crimes du Futur, film aussi clivant qu’important dans la filmographie du cinéaste canadien. Un film d’ambiance, à la fois étrange et familier, porté par un casting international convaincant et une bande-son envoûtante. Une méditation pertinente et particulièrement organique sur l’avenir de l’humanité.

Tambour Vision de Bertrand Belin – CD / Vinyle : la voix suave, le dandy chic et décalé Bertrand Belin continue son voyage musical avec un septième album hybride, quelque part entre le new wave et l’électro. On y retrouve des accents de Bowie et de Dutronc époque Madame l’existence, des textes empreints de poésie et surtout, un véritable esprit de liberté pour ce chanteur qui vient d’une « longue lignée de zéros, de uns« .

• JOLAN MAFFI

Le DVD de Jerk de Gisèle Vienne, pour ne pas rater la plus grande expérience ciné de l’année. Shellshock Editions.

Le coffret Kinuyo Tanaka, pour découvrir cette grande cinéaste oubliée, aux Editions Carlotta.

Le DVD de Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de Chantal Akerman, parce qu’il était temps de réhabiliter ce film et sa réalisatrice.

• REMY PIGNATIELLO

Coffret Kinuyo Tanaka (Carlotta Editions) : parce qu’il est toujours fabuleux de voir débarquer en Blu-ray à partir de restaurations 4K de pareils films, quasi jamais vus depuis leurs sorties à l’époque, permettant ainsi une disponibilité à toujours plus de films parmi l’immensité du cinéma.

L’homme tranquille de John Ford (Rimini Editions) : parce que pas mal de Français se languissaient de voir le film dans une édition à la légalité indéniable, et que les éditions Rimini l’ont fait d’une splendide manière.

Vague Le chat qui fume de novembre-décembre 2022 : Parce qu’il n’y en a jamais autant eu pour tous les goûts chez l’éditeur, que ce soit du Jesus Franco en UHD, du film contemporain (Luz et Achoura), deux polars français (A coups de crosse et Le bar du téléphone), et même quelques raretés québécoises (La tête de Normande St-Onge, La mort d’un bûcheron et Gina).

• DAVID SPERANSKI

Ingmar Bergman. Carnets de 1955-2001 (Carlotta). Auteur d’une oeuvre pléthorique de plus d’une quarantaine de films qui font l’admiration de ses pairs (Lynch, Lars Von Trier, Paul Verhoeven, Woody Allen, etc.) et de tous les cinéphiles de goût, Ingmar Bergman a également écrit une oeuvre littéraire conséquente. Dans la lignée des carnets d’Ozu, voici donc ses carnets tenus de 1955 à 2001 qui nous plongent dans l’intimité et le laboratoire de création de l’un des plus grands cinéastes du monde. On se demande comment ce diable d’homme a pu trouver le temps de les rédiger. Un génie.

Dictionnaire des films de Jacques Lourcelles. Tome 1 : des Origines à 1950. Tome 2 : de 1951 à nos jours. Collection Bouquins chez Robert Laffont. Ceux qui ont déjà l’édition en un seul volume, Dictionnaire du cinéma, avec Louise Brooks en couverture, se demanderont pourquoi l’acheter à nouveau. Car Lourcelles l’a augmentée de plusieurs centaines de critiques et de quelques essais, ce qui en fait la nouvelle édition refondue et totalement remaniée d’une Bible pour tous les cinéphiles exigeants. Si Lourcelles passe largement à côté du cinéma moderne qu’il ne comprend pas (Antonioni, Resnais, la Nouvelle Vague, etc.), hormis quelques rares exceptions (Bergman, Lynch), son livre demeure l’ouvrage absolu de référence pour tout le cinéma classique.

L’Oeuvre de David Fincher : Scruter la noirceur de Stéphane Bouley. Third Editions. Pour tout savoir sur l’une des oeuvres les plus fascinantes du cinéma contemporain (Seven, The Game, Fight Club, Panic Room, Zodiac, Benjamin Button, The Social Network, Gone Girl). Une passionnante étude remplie d’anecdotes savoureuses et d’analyses détaillées.

L’article Cadeaux de Noël 2022 : les conseils de la rédaction de MovieRama est apparu en premier sur MovieRama.

Ce sont non pas une mais deux pistes de la prochaine bande originale qui nous ont été récemment dévoilées, sur pas moins de quarante-huit pistes qui la composeront. Intitulées Call me Manny, et Voodoo Mama, elles promettent une ambiance Années Folles très électro-swing, qui devraient nous faire difficilement tenir en place sur le fauteuil rouge.

L’article Deux chansons de la B.O. de Babylon, le prochain film de Damien Chazelle, sont disponibles à l’écoute est apparu en premier sur MovieRama.

Quel est votre parcours ?

J’ai toujours voulu faire de la musique. Je n’ai pas souvenir d’avoir souhaité être autre chose, j’ai très vite eu une fascination pour la musique à l’image, l’intuition que c’était mon truc. J’étais passionné par la mécanique de la fabrication de l’objet cinéma. Ça commence comme beaucoup de gamins par les Star Wars et autres films marquants, puis plus tard des chocs comme la rencontre avec le cinéma de Milos Forman. Musicalement, il y a deux chemins parallèles, entre pop et cinéma. Je n’ai pas une formation classique, je suis relativement autodidacte, j’ai appris en jouant. Quand j’étais enfant, j’étais soliste dans une troupe, j’ai pu intérioriser la professionnalisation de la musique, ce qui effrayait d’ailleurs ma famille. De fil en anguille, j’ai rencontré le milieu du cinéma, François Ozon notamment pour qui j’ai composé une courte bande originale à la sortie de la Fémis (ndlr : Regarde la mer).

Votre rencontre avec le cinéaste Patrice Chéreau fut décisive.

La rencontre avec Patrice Chéreau a changé ma vie. Lors du tournage du film Intimité, il me demande de le conseiller musicalement. Le personnage principal était barman, il fallait choisir les musiques qu’il écoutait à Londres dans les années 90. Une fois ce travail terminé, Patrice Chéreau me demande de composer la musique du film. Je n’avais pas encore trente ans, presque rien fait et là, j’étais sur un projet que tout le monde voulait faire. J’ai senti que j’avais la chance de ma courte carrière et ça s’est bien passé. C’était une bande originale assez hybride, électronique. Depuis, je n’ai pas cessé de travailler.

De quelles influences vous êtes-vous nourri ?

Historiquement, le premier compositeur qui reste une référence absolue pour moi, c’est Ennio Moricone. Ses disques traînaient un peu partout à l’époque, avec les best of, les Sergio Leone. Ce qui me fascinait chez lui, c’est sa capacité à se promener dans les styles cinématographiques. Faire Il était une fois dans l’Amérique, de la pop italienne avec des voix, travailler avec une guimbarde. Ça m’a fait intégrer l’idée que ce qui compte, c’est de faire de la bonne musique.

C’est fou de retrouver sa ligne musicale dans des films qui sont pourtant aux antipodes. Sinon, j’adore John Williams, mais je ne connais pas son oeuvre par coeur. Parmi les contemporains, l’un de mes derniers grands chocs, c’est Jóhann Jóhannsson. Pour moi, il s’est passé un tremblement de terre avec ce compositeur, tragiquement disparu en 2018. Il a eu l’immense chance de croiser d’un réalisateur qui marque son temps, Denis Villeneuve. 

Pensez-vous qu’une musique d’un film peut être autonome ?

Est-ce qu’une musique de film peut s’écouter sans l’image ? C’est une question récurrente. Je me souviens d’une interview du compositeur Vladimir Cosma, il disait que la musique d’un film est indissociable de l’image. Moi je suis assez obsédé par l’adéquation à l’image, je compose dans l’image. C’était ma première façon de travailler. J’envisage la musique dans la matière, avec l’image et les sons du film. C’est peut-être une façon de se cacher à l’intérieur. Cela dit, je me suis un peu frotté à la composition hors image, je sentais que j’avais des développements musicaux contraints. Je me suis mis à composer plus en longueur et plus uniquement sur les scènes, il m’a fallu quinze ans pour oser faire ça. C’est une forme de liberté, si la musique est solide, elle s’intègre bien dans le montage. Chaque film te met face à un nouveau défi, à chaque fois tu réapprends, tout en restant fidèle à ton style.

Vous avez composé la bande originale du film De son vivant d’Emmanuelle Bercot, quel était votre rapport avec la réalisatrice ?

Il y a autant de rapports que de réalisatrices et de réalisateurs. Emmanuelle Bercot adore la musique et n’avait jamais fait composer de véritable bande originale avant De son vivant. Ça avait été fait en pointiller sur La fille de Brest, mais c’était un travail hybride. A l’origine, De son vivant aurait dû se faire très vite, il y avait plusieurs monteurs, mais des évènements ont modifié cette temporalité. Pour ce travail, on avait uniquement écouté les morceaux présents dans le film, je devais trouver les musiques pour accompagner les images. Les premiers essais, c’était principalement pour voir si on s’entendait, si mes idées intéressent Emmanuelle et ses monteurs. C’était un rapport entier, très généreux et bosseur. 

A quelle étape du projet êtes-vous arrivé ?

Le film était en effet en tournage. Comme c’était nouveau pour Emmanuelle Bercot de travailler de cette façon et que je connaissais bien Julien Leloup, qui est un formidable monteur, dès que l’on a des extraits, on commence à réfléchir sur la bande originale. L’idée était de ne pas commencer à travailler sur les musiques le dernier mois du montage. Je commence donc à composer quand elle tourne le film. Quand je suis prêt à lui faire entendre les premiers morceaux, le tournage est arrêté suite à un problème de santé de Catherine Deneuve. Un peu effondrée, Emmanuelle Bercot est venue écouter les musiques. Un film qui s’arrête, c’est toujours un truc de dingue, il y a beaucoup d’interrogations sur la suite.

Plusieurs directions musicales lui ont plu, on avait un point de départ. Le COVID est arrivé peu de temps après. Ça devenait vertigineux. J’ai continué à travailler pendant le confinement et puis à un moment, c’est devenu trop difficile de continuer à monter un film avec des trous. Il était bien avancé, mais il manquait de nombreuses scènes importantes. Emmanuelle Bercot avait du mal à regarder les images, ça devenait difficile pour elle, on s’est donc lancé sur un travail hors des images. C’était déstabilisant, on a uniquement travaillé à partir des thématiques, des idées, les inspirations, sans support. A la fin de l’été, le montage a repris. Plusieurs musiques ont pris beaucoup de sens avec l’image. On a finalement enregistré la bande originale en Février dernier, à Londres avec un orchestre.

Parlez-nous du choix des instruments.

On savait depuis le début qu’il y aurait des cordes, un instrument un peu émotionnel, avec un orchestre réduit. Le rendu est assez abstrait, hybride. Il y a aussi du piano un peu grinçant, des flutes très graves, alto ou octobasse et des synthés. Il y avait l’idée du souffle, de sa profondeur.

Comment s’est passé l’enregistrement des musiques ?

On a enregistré à distance. Il y avait des jauges réduites dans les studios, on pouvait uniquement avoir une quinzaine de musiciens. En réalité, ça tombait bien car on voulait une formation réduite. On était réellement ravi du résultat, mais on avait le cafard. Il manquait le réel, la présence physique, la dimension virtuelle ne restitue pas tout. Le mixage s’est également fait à Londres.

Avec toutes ces péripéties, vous avez longuement travaillé sur cette bande-son.

C’est rare de travailler aussi longtemps sur un score. Le danger aurait été de se perdre, de douter, de ne plus supporter les musiques. Heureusement, ça ne s’est pas produit. C’est lié à la grande constance du travail d’Emmanuelle et de son équipe. Il y a des films, tu sens qu’il faut qu’il s’en aille, là, l’énergie du film, son côté intérieur et métaphysique, faisait que l’on pouvait vivre longtemps avec lui. Avec la situation, on vivait avec l’idée de la mort.

Considérez vous que la situation sanitaire a eu un impact sur votre travail artistique ?

J’espère que non. C’est une période que l’on a tous vécue dans notre chair, mais je ne pense pas qu’elle a impacté notre travail. La ligne a été gardée. Après l’ajout des dernières scènes, j’ai compris que le film était plus fort que ce que l’on traverse, l’émotion se fiche du COVID, ce n’est pas le sujet. L’hôpital du film est une bulle de bienveillance et de paix. Il y a une véritable énergie dans ce film.

Où se situait la crête, l’équilibre entre votre présence et celle des sons du film ?

Emmanuelle Bercot m’avait prévenu dès mon arrivée sur le projet, la place du son était pour moi. La parole est économe dans le film, il n’y a pas des bruits d’ambulances, des bruits de machine, elle ne souhaitait pas faire « sur-vivre » cet hôpital. Il y a une dimension presque onirique ou en tout cas, il n’est pas dans un ultra réalisme. Il raconte comment on peut trouver de la paix au milieu de la douleur, du désespoir. On était dans un univers de mélo, le danger c’est de basculer la dégoulinade. Emmanuelle insistait pour que l’on ne soit pas mièvre. Il fallait donc redoubler de vigilance. Le film est fort, on n’avait pas besoin d’insister. Quand ça ne passe pas, ça ne passe pas, mais quand ça fonctionne, c’est sans concessions, il n’y a pas d’égo mal placé, on est là pour travailler ensemble dans le respect. Il faut de l’implication et une honnêteté artistique, intellectuelle.

Et la suite, quels sont vos projets ?

Il y a pas mal de projets, des choses assez différentes. J’ai travaillé sur deux séries, Les Sentinelles pour OCS et Visions pour TF1, d’Akim Isker, avec qui j’ai également travaillé sur un téléfilm, L’enfant de personne. Un très beau film sur un sujet fort. Je fais aussi la bande-son du premier film de Mathieu Bonzon, Songs of Revenge, avec Julie Gayet et d’un documentaire de cinéma réalisé par Yannick Kergoat, La (très) grande évasion.

Entretien réalisé en novembre 2021.

L’article De son vivant : Rencontre avec le compositeur Eric Neveux est apparu en premier sur MovieRama.

Quel est votre parcours ?

Je viens du conservatoire où j’ai travaillé le violoncelle et la musique électro-acoustique. J’étais très intéressé par la plasticité du son. Je suis rentré dans ce métier, de compositeur pour l’audiovisuel, en produisant des habillages pour la télévision. J’ai travaillé pour Paris Première, Ciné Cinéma, pour Canal +. En parallèle, j’ai été l’assistant de Gabriel Yared, un illustre compositeur de musique de film. Je m’occupais des bandes, j’étais son technicien. Dans cet échange avec Gabriel Yared, j’ai pu m’exprimer, participer à des créations, à des scènes où la place était à la recherche. A trente ans, j’avais déjà dix ans d’expérience dans l’audiovisuel et le cinéma. J’ai abordé son quotidien et quelque part, ça m’a permis d’envisager ce qu’était de faire la musique d’un film. 

Quelles sont vos influences ?

Ça remonte beaucoup, ça vient pas mal de la musique classique. A la maison, on écoutait les symphonies de Beethoven et on avait un disque de Stevie Wonder. La rencontre avec la musique impressionniste française du début du siècle m’a marqué, notamment Maurice Ravel. Pour le cinéma, c’est Leonard Bernstein avec West Side Story. C’est vraiment un point-clé dans ma vie, pour les mélodies, la danse, la synthèse d’une époque, la réflexion sur le spectacle vivant.

En comparaison avec cette époque, qu’est qui vous marque dans le langage sonore d’aujourd’hui ?

Ce qui me marque, c’est que l’on a fait tellement de progrès dans la diffusion sonore, qu’il y a plus d’espace pour la recherche. On est plus obligé d’être face à un orchestre pour expérimenter. Celui qui s’en tire le mieux à mon sens, c’est Alexandre Desplats. Il a une pléthore de couleurs et à chaque fois il parvient à trouver une identité, un son pour les films. C’est une référence, surtout pour son travail d’exploration. Avant il y avait Maurice Jarre, Philippe Sarde, lui c’était l’après Nouvelle-Vague, une idée d’un placement de la musique. Alexandre Desplats synthèse beaucoup de ces langages, la mélodie, le timbre, le placement. Où se situe et pourquoi la musique, dans quel intérêt, dans quel but.

Quand arrive ce travail de placement de la musique ?

Ça arrive très loin dans la fabrication de la musique, c’est souvent le dernier moment. Soit la musique est en contrepoint, soit elle souligne, accompagne l’image. Quand tu commences à la fin d’un projet, la réflexion se fait pendant la composition, mais si tu es au début du projet, tu fabriques un vocabulaire, des sonorités, et si c’est validé par les producteurs et l’ensemble de la chaîne artistique, les monteurs peuvent construire et s’amusent avec. Là tu peux intervenir sur la narration, la dramaturgie. J’aime ce schéma-là, je m’exprime, je joue mon rôle de compositeur et adapte par la suite les mélodies sur le rythme des séquences. Ça me permet de segmenter les espaces de travail.

De votre expérience, considérez-vous que les réalisateurs ont une véritable connaissance musicale ?

Je ne sais pas, je pense qu’ils ont une sensibilité. Comme nous les musiciens, ils ont baigné dans de nombreuses influences. Un langage universel s’est construit à travers le cinéma. En revanche, c’est toujours difficile de trouver le point de langage où eux vont pouvoir exprimer leurs souhaits. C’est à nous de déduire, d’aller chercher les mélodies, les sonorités. Je suis au service d’une œuvre, les contraintes délimitent mon espace de création.

Comment choisissez-vous vos projets ?

C’est souvent parce que l’on m’appelle, et lorsque c’est le cas, c’est que l’on souhaite quelque chose en particulier. Je regarde si j’ai le temps et si je peux le faire. Je n’aime pas faire deux choses en même temps, je me consacre sur un projet. Si je multiplie, je ne trouve plus le plaisir. Là je commence un film, je cherche les thèmes et c’est difficile d’aller attaquer un autre projet. Tu es plongé dans un monde, des personnages, une émotion.

De quelle manière réglez-vous les désaccords artistiques ?

On trouve des solutions généralement, toutefois il m’est déjà arrivé de quitter des projets, parce que je n’étais pas en accord avec les intentions ou que je n’avais plus la fraicheur pour reprendre depuis le début. Par exemple, ils veulent que ça sonne américain, mais ça ne se place pas dans l’esthétique du film. Finalement, soit tu te rapproches, soit tu t’éloignes, c’est comme une histoire d’amour. Il faut une foi dans le projet, un propos qui reste malgré les contraintes.

Vous avez composé la bande originale de la série Shadowplay de Måns Mårlind. Comment avez-vous été impliqué dans ce projet ?

J’avais fait Jour Polaire et Swoon avec Måns Mårlind, on est donc devenu proche. Il m’a directement contacté pour travailler sur la série.

A quel moment avez-vous commencé à composer ?

Lorsque l’équipe est entrée en production, j’ai commencé à écrire des chansons et des arrangements. Il y avait une partition de Bach que je devais jouer dans le huitième épisode, il fallait la composer. J’avais une vraie volonté de faire une musique diligente, il fallait que ça soit rêche, violent, expressif.

Les sonorités restent néanmoins délicates.

Elle l’est car on en déduit quelque chose, une douceur, les émotions sous-jacentes. C’est là où on peut apporter son engagement, soit tu es pudique, soit tu es très démonstratif. On peut être en contrepoint ou en accord avec l’image. C’est le fruit de la relation que l’on peut avoir avec les réalisateurs. A tel moment j’entre en scène ou je reste derrière. La musique est un outil expressif.

Par rapport à un long métrage, est-ce différent de composer pour une série ? Une série est un divertissement chronophage, qui tient sur la durée, la musique doit donc s’adapter et se réinventer pour ne pas ennuyer le spectateur.

Dans tous les cas, il faut un bâti de départ riche, capable de s’adapter aux évènements. Je peux amener un thème ailleurs, modifier les couleurs, croiser les sonorités. Je réécris à partir d’un vocabulaire de base. Pour un film, je ferai pareil. Le plus dur c’est la création brute, d’être dans le juste.

Parlez-nous du choix des instruments.

Le violoncelle était le point de départ de l’équipe artistique. C’est drôle car dès le quatrième épisode, on en pouvait plus du violoncelle. J’avais fait les aigus, les graves, les harmoniques, je ne savais plus quoi faire. A un moment donné, on s’est dit qu’il nous faut un orchestre. J’ai donc réinterprété, on a donc plus de symphonique dans les derniers épisodes de la série. C’était sensitif, on ne s’est pas mis de frontière. Il y a quelque chose d’empirique dans la construction d’un divertissement de ce genre. La musique doit être liée à l’exigence de la narration.

La série se déroule à Berlin en 1946, comment avez-vous fait pour inscrire votre musique dans ce contexte ?

Tu ne peux pas partir sur un projet comme Shadowplay sans te nourrir de l’époque. C’est possible d’aller vers du contemporain, du moderne, mais tu dois d’abord respecter le contexte. Il faut d’abord puiser l’époque, puis s’intégrer ou la dépasser. J’ai écouté Kurt Weill, Arnold Schönberg ou Gustav Mahler. Ce n’était pas possible de jouer du Bach sans prendre en considération ce qu’il représente dans la culture allemande. Il y a quelque chose d’universel dans la relation musique – image, il y a une cohésion qui fait que ce n’est jamais gratuit.

Lorsque vous débutez le travail musical en amont du tournage, vous vous faites quelque part une version personnelle de la série dans votre esprit.

Oui et parfois ça ne fonctionne pas du tout. L’image ne s’accorde pas et il faut recommencer. Ce qu’il y a de génial dans la création, c’est que plus-tu fabriques, plus tu as de la matière et un univers. Il y a quelque chose de jouissif, d’autant plus lorsque l’équipe artistique est en phase avec ta proposition. 

Une fois la musique imaginée, elle a été jouée et enregistrée à Prague. Pourquoi ?

Le tournage s’est fait à Prague, il y avait une obligation de travailler là-bas. La chance que j’ai, c’est que j’ai enregistré de nombreuses fois avec l’orchestre philharmonique de Prague. Je savais que je pouvais leur faire confiance. On a enregistré la musique en juin 2020.

Est-ce que la situation sanitaire vous a impactée dans votre processus de création ?

Forcément. Tu ne peux pas regarder le monde péricliter ou chercher ses repères sans être impacté. Tu as moins envie de rigoler, d’être un peu plus sérieux. Cette musique, sans le COVID, peut-être qu’elle aurait été moins profonde, plus sur la réserve. L’empreinte d’un temps ou plutôt d’un entre-temps. Le présent a son importance, mais il faut aussi divertir et donc trouver un bon compromis.

Il vous arrive de regarder en arrière et de critiquer vos œuvres ?

Ça m’arrive souvent. Comme un acteur, un réalisateur, tu ne peux pas être vierge vis-à-vis de ton travail. J’aurais aimé faire ça ou retravaillé ceci. C’est une excellente manière d’apprendre et d’éviter de se répéter. J’avoue que c’est un travail complexe, tu ne peux pas tout maîtriser. Face à un acteur qui joue son image, l’enjeu est très différent, moi je suis en retrait, je suis les oreilles, dans les pistes. Chouette si quelqu’un remarque ou aime, mais j’espère juste que mon travail n’abîme pas celui des autres. Il y a un point d’équilibre à tenir, de respect. C’est une œuvre collective avant tout, avec un réalisateur qui imprime son monde, son sens esthétique.

Et la suite, quels sont vos projets ?

Je travaille sur une nouvelle série de Laure de Butler avec qui j’avais fait La Promesse, Syndrome E pour TF1. Je fais aussi un film d’espionnage, Seule, de Jérôme Dassier et une comédie musicale avec Patrice Leconte pour le théâtre.

Entretien réalisé en septembre 2021.

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• Retrouvez notre critique de Mandibules.

• Retrouvez notre critique de Slalom.

• Retrouvez notre critique de Garçon Chiffon ainsi que notre entretien avec Nicolas Maury.

Egalement sortis ce mois-ci :

• Stephen Warbeck / ADN de Maïwenn
• Junkie XL / Army of the Dead de Zack Snyder
• ROB / Oxygène d’Alexandra Aja

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