Petit b, à la fin, Ulysse a cette réplique, un peu plus subtile que la drolatique Ten years on this fucking beach. Je cite, Songs will be all they have to remember those of us who could write. Question à mes éminents contacts spécialistes en langue anglaise, y a-t-il ambiguïté dans la phrase, je veux dire, est-il possible que le pronom they désigne les mêmes personnes que celles qui savent écrire. Quoi qu’il en soit, le récit du film se place dans le contexte de la disparition possible de la civilisation, donc de l’écrit, mais on peut aussi entendre le dialogue comme une jolie façon de souligner la longue tradition orale à l’origine des poèmes d’Homère.

Causons un peu du cheval de bois. Dans l’iconographie habituelle, il est relativement schématique dans son aspect, et posé sur ses quatre pattes. Parfois, un socle à roulettes facilite son déplacement. Dans le film la sculpture, qui fait très néo-classique, est découverte par les Troyens à demi-enterrée sur le rivage. Le spectateur ne se demande pas tellement comment ça se fait, tant l’image obtenue, qui cite le plan iconique de La Planète des singes avec la statue de la Liberté, est classe. L’inconvénient pratico-pratique à ce beau tableau — inconvénient qu’Ulysse tout rusé qu’il est ne semble pas avoir prévu — est que les guerriers cachés à l’intérieur sont menacés de noyade par la proverbiale autant qu’hypothétique marée qui monte.

Glissons sur ce détail, les Troyens bernés parviennent à grand-peine à déplacer le cheval jusqu’à l‘intérieur des remparts de leur ville, en le couchant sur des rondins. Il faut ensuite le redresser. Un plan fugace montre les soldats cachés qui sont un peu — mais pas trop, ce qui peut faire dire au spectateur que tout ça est un peu facile du point de vue de le gravité, AKA Hollywood physics for your pleasure — secoués lors de l’opération. Il me semble que c’est dans l’Énéide de Virgile qu’il y a, entre Laocoon et Cassandre, une histoire de cliquetis d’armes qui se fait entendre lors de la manipulation du cheval. Dans le film non, un plan montre que les Grecs ont préalablement emballé avec soin arcs et flèches, afin d’éviter tout bruit qui trahirait leur présence.

Dernier détail, une fois la statue redressée, on s’aperçoit que le cheval est représenté cabré — position qui n’a pas manqué d’évoquer, à votre humble serviteur qui mélange tout, un tyrannosaure. Il y a pour que ça tienne debout un socle assez imposant, sur lequel la caméra ne s’attarde pas et qu’on distingue mal, mais qui semble fait avec la queue de l’animal, élargie en forme de cône jusqu’au sol. Cependant ce n’est pas par ce socle que sortira le commando fatal, mais comme de coutume au moyen d’une corde, par une trappe découpée dans le ventre surélevé.

Sinon, jeune soldat grec tué par les Troyens au moment de la découverte du cheval, personnage crucial dans le film, n’apparaît pas dans le poème d’Homère, mais est évoqué ailleurs — dans L’Énéide de Virgile, ce faux déserteur n’est du reste pas tué par les Troyens, ils l’emmènent dans la ville avec le cheval, et c’est lui qui la nuit tombée fera sortir les Grecs de leur cachette. Dans le film, Sinon est plus tard le premier mort qu’Ulysse rencontre aux Enfers. Dans le poème d’Homère, le premier mort rencontré chez Hadès est un personnage tout ce qu’il y a de secondaire, Elpénor, jeune compagnon d’Ulysse qui juste auparavant s’est tué par accident chez Circé, en tombant du toit alors qu’il était pris de boisson.

Dans le film, aux Enfers, Sinon réprimande Ulysse de l’avoir utilisé comme un pion pour réaliser son stratagème, mais le remercie de l’avoir enterré avec les honneurs. Dans le texte, Elpénor demande à Ulysse de penser à l’enterrer cérémonieusement à son retour — les héros sont en effet partis de chez Circé sans s’apercevoir de sa mort. Il y a du reste là chez Homère une nette touche humoristique. Le film ne fait lui guère preuve d’humour — quoique la réplique Ten years on this fucking beach soit drôle, et je ne pense pas que ce soit involontaire, mais c’est moins évident que le dialogue amusant entre Ulysse et son lieutenant Euryloque, qui débattent sur la pertinence de raisonner le Cyclope après qu’il l’ont aveuglé. I think we’re past that. Revenons à notre fusion Sinon/Elpénor, le scénario du film vise l’efficacité, mais le fait qu’une certaine trace du récit original demeure est le signe de la finesse et l’intelligence de l’adaptation.

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Les Lestrygons sont en armure médiévale intégrale à la Excalibur. Les Grecs un peu aussi, du reste — amusante position dans laquelle ils se tiennent souvent au repos, les mains agrippées à l’encolure du plastron, comme s’ils cherchaient à le desserrer pour mieux respirer. Le bateau utilisé pour représenter celui d’Ulysse est le Draken Harald Hårfagre, réplique moderne de navire viking. Autre réminiscence nordique — passons sur les histoires de marée favorable —, le corbeau en cage chez Circé. C’était ma sœur, mais on s’entend mieux comme ça.

À un moment, Télémaque jeté dans l’atmosphère viciée façon Danemark de la cour d’Ithaque porte une tenue qui évoque un costume écossais, avec kilt et longues chaussettes — mais mes souvenirs confus des Dupondt dans Tintin me font me demander s’il n’existe pas un costume traditionnel grec du même style. Avec ça, plus les disputes avec Lady Pénélope, et les arbres qui bougent comme à Birnam dans la forêt des Lestrygons, on pense fugitivement à Macbeth ou Hamlet. Le saviez-vous, dans la tradition du péplum hollywoodien, les acteurs sont censés prendre un accent british pour figurer l’Antique. Ici tout le monde parle en américain. Ten years on this fucking beach.

Ces anachronismes nous disent-ils, de nos jours, on ne peut plus avoir un Ulysse inscouciant et joyeux, massacrant ses ennemis avec le grand sourire de Kirk Douglas, sans jamais ressentir la moindre culpabilité. Ulysse est contrit, ou presque. Pas de rodomontades en quittant Polyphème — du reste, aucun échange verbal entre Ulysse et le monstre, pas de mon nom est Personne, juste une flèche en bonus du pieu fatal avant de partir, par pure méchanceté.

Pas de dieux. Pas d’Hermès messager apparaissant à Calypso pour lui ordonner de libérer Ulysse, il suffira à la nymphe d’entendre le grondement du tonnerre pour comprendre qu’il est temps. Seule Athéna veut bien se montrer à Ulysse. Symbole de sa culpabilité, ses traits sont ceux d’une prêtresse troyenne à la pose étrangement christique, sur le point de se faire assassiner par les soldats grecs lors du sac de la ville. Ou ceux de la petite Iphigénie menée au sacrifice par son père à l’invraisemblable costume noir de superméchant hollywoodien.

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Je dis, vacarme, je crois me souvenir que la musique non stop de la BO d’Oppenheimer était tout ce qu’il y a de pénible. Or là c’est tout aussi non stop, mais ça marche bien, pensez percussions et nappes synthétiques, épiques ou inquiétantes, qui rehaussent les images sans être de trop. Adapter c’est l’art des choix, Nolan l’Anglo-Saxon donne à son Odyssée une vibe peut-être un peu nordique — réplique amusante à un moment, Allons-y les gars, la marée nous est favorable —, voire shakespearienne, avec costumes et décors qui évoquent parfois plus Odin ou Macbeth que la Grèce antique. Mais peu importe, on ne s’ennuie pas une seconde, marée ou non on est emporté, ému même, et les épisodes horrifiques sont marquants. Le design de la tronche en biais de Polyphème, façon Saturne de Goya, est original et réussi. La séquence Circé a eu ma préférence — j’ai cru y déceler un écho pasolinien à base d‘humiliation les fesses en l’air —, les sirènes de loin c’est une bonne idée, seule la représentation de Scylla m’a paru limite cheap, mais on ne la voit que quelques secondes.

L’ensemble constitue un tout cohérent via la thématique de la culpabilité d’Ulysse — autre choix moderniste de Nolan —, thématique qui est habilement tissée tout au long du film. Les héros d’Homère sont des criminels, la ruse pour laquelle Ulysse est célébré de par le monde méditerranéen a causé l’effondrement de la civilisation. C’est peut-être un peu univoque mais ça m’a convenu, et quoi qu’il en soit, l’essentiel n’est-il pas que ça donne envie de lire ou relire le poème d’Homère. On pourra alors remarquer l’intelligence et la finesse du travail d’adaptation effectué pour le film.

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Les comédiens qui incarnent lesdits contraires sont bien, le vétéran Ian McKellen en vieux schnoque insupportable a toutes les répliques égotiques, la statuesque Michaela Coel en vraie-fausse assistante toutes les mimiques mi-consternées mi-attendries qui leur répondent. L’intrigue à base de qui mène qui par le bout du nez n’a aucun intérêt, tout est plus ou moins téléphoné, mais on se laisse porter. Le discours sur la peinture est conventionnel — l’art, c’est un type tout seul dans une chambre, punchline bien sentie. J’ai deux questions pour conclure. Petit a, c’est quoi ce peintre, figuratif de surcroît — on pense vaguement à Lucian Freud, les toiles, y compris celle gag faisant référence à la fameuse restauration amateur manquée devenue meme internet, sont en réalité signées par un certain Barnaby Gorton —, ce peintre disais-je, dont l’atelier ressemble a une caverne quasi sans fenêtres (cf. illustration, il a mis un rideau en plus). Petit b, comment les héritiers — amusant duo de sidekicks — s’en sortent à la fin, avec l’histoire du tech bro qui est censé leur avoir acheté les tableaux.

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Hélas ici-bas la morale d’homo sapiens offre des paysages plus contrastés. C’est ce que nous montre le couple de personnages, Chabat qui endosse le côté gentil, Cohen nettement du côté obscur, et qui prend de plus en plus de place, avant de fondre en larmes devant le spectacle de sa propre vilenie. Même topo dans L’Accident de piano, où l’héroïne youtubeuse génialement interprétée par Exarchopoulos finit par ressentir une souffrance — celle qui provient du remords pour les crimes qu’elle a commis. Le dernier plan, à base de réincarnation en corbeau, est peut-être un peu feignant, mais il est consolant. Idem dans Incroyable mais vrai, où la course à l’éternelle jeunesse, symptôme de l’égocentrisme ultramoderne de l’épouse ambitieuse jouée par Drucker, ne conduit qu’à la folie, mais trouve son antidote dans le chagrin, presque placide, du mari vieilli, avec sa canne à pêche et son chien — encore une fois interprété, le mari pas le chien, par Chabat, visage de la bonté.

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Vous l’avez peut-être déjà compris, contrairement à la Pologne dont on entend la voix d’un ressortissant au début du film, je n’ai pas été conquis. J’aurais dû me méfier, car les éminents contacts débinaient par ailleurs mon chouchou Dupieux, en tant que contre-exemple à cette histoire de durée ressentie. Il est cependant vrai qu’on ne s’ennuie pas trop, car le film va aussi vite qu’il peut pour balancer aux spectateurs le plus d’informations possible, de façon la plus claire possible, sur la période concernée. 1939-42, de l’invasion de la Pologne donc, à l’assassinat de l’amiral Darlan, le quidam lambda aux connaissances historiques proches de zéro que je suis a appris des choses, et eu envie d’aller sur Wikipédia après la séance pour étudier les biographies des personnages principaux — ou celles de Félix Eboué et Susan Travers, présents à l’écran sans être nommés.

Le ton du film est bien vu, habile cocktail de déférence et de goguenardise envers son héros, dont la grandeur dans tous les sens du terme produit des effets qui oscillent entre le formidable et le bouffon. Les comédiens sont bien, Simon Abkarian en tête, même si ça fait un peu défilé de stars, avec tous les acteurs cocorico les plus connus déguisés en généraux. Revenons à cette histoire d’ennui mais pas trop, le défaut numéro un qui m’a rendu la séance pénible est coutumier des sorties commerciales, françaises ou non. Les plus attentifs parmi mes lecteurs savent que c’est rédhibitoire, il s’agit de la musique partout tout le temps. Sans déconner, c’est infernal. Il ne peut y avoir une scène, que ce soit une canonnade dantesque, ou de Gaulle qui prend son bain, sans flonflons épuisants et superfétatoires. Le peuple exige le director’s cut version silence, ou alors avec Autechre à la BO.

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• BONUS:
• Entretien avec Mascha Schilinski

Un chef d’oeuvre de virtuosité!

Les Échos du passé révèle avec éclat le talent de Mascha SCHILINSKI, dont la maîtrise formelle et l’audace de mise en scène impressionnent de bout en bout.

Filmé en 35 mm, le film déploie une esthétique visuelle sublime, portée par un grain d’image magnifique, tandis que son travail sonore, singulier et profondément marquant, lui confère une puissance sensorielle rare.

À travers une narration non linéaire suivant le destin de quatre jeunes filles, Mascha SCHILINSKI compose aussi une œuvre profondément politique, qui interroge la condition féminine et la permanence, selon les époques, des mécanismes de domination masculine, dans ce qu’ils ont de plus visible comme de plus insidieux.

Pour gagner 4 Blu-ray de ce très beau film qui marque l’arrivée d’une grande cinéaste, il suffit de participer jusqu’au vendredi 10 juillet inclus. N’hésitez pas!

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Disponible en Blu-ray, DVD et VOD le 19 mai 2026

Quatre jeunes filles à quatre époques différentes. Alma, Erika, Angelika et Lenka passent leur adolescence dans la même ferme, au nord de l’Allemagne. Alors que la maison se transforme au fil du siècle, les échos du passé résonnent entre ses murs. Malgré les années qui les séparent, leurs vies semblent se répondre

Genre : drame, avec Hanna Heckt, Lena Urzendowsky, Laeni Geiseler, Susanne Wuest, Luise Heyer, Lea Drinda, Florian Geibelmann, Gode Benedix. Durée : 2h39

Critique du film

REGLEMENT

1. Participation et participants : L’enregistrement de vos coordonnées complètes (adresse postale, adresse mail et téléphone) constitue l’émission d’un bulletin de participation. Une seule participation par personne. Concours valable uniquement en France métropolitaine et en Corse (sauf précision contraire). 2. Concours : Le concours prendra fin à la date indiquée sur la page. Les bulletins reçus après cette date limite ou contenant des coordonnées erronées ne seront pas valides. Aucune réclamation ne sera autorisée. Jeu gratuit sans obligation d’achat. 3. Attribution et envoi des lots : Les lots seront attribués aux personnes ayant été tirées au sort parmi les bonnes réponses. Les lots sont offerts par la revue MovieRama. Les lots seront sauf exception envoyés par l’éditeur. Le délai d’envoi des lots peut varier d’un concours à l’autre et peut prendre entre 1 semaine et 8 semaines. MovieRama ne peut pas être tenu responsable en cas de non-réception des lots suite à des soucis d’envois postaux. Sauf précision des éditeurs partenaires, les lots perdus ou retournés (mauvaise adresse) ne seront pas réexpédiés. MovieRama se réserve le droit d’affecter les lots gagnés mais non attribués à la dotation d’un autre jeu concours. 4. Codes VOD : Les codes VOD étant envoyés par email, ce dernier est susceptible d’être utilisé par l’éditeur ou l’organisme gérant les codes VOD. L’utilisation de votre adresse email ne pourra en aucun cas faire l’objet d’offres publicitaires ou promotionnelles. 5. Publication règlement : Le règlement est intégralement consultable par les internautes sur le site. Vous disposez d’un droit d’accès, de modification, de rectification et de suppression des données qui vous concernent (art.34 de la loi Informatique et Libertés). Pour l’exercer, contactez le webmaster : movierama.redaction@gmail.com. Bonne chance à tous.

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Quoique aussi dolent et bourré de médocs, ici le créateur égocentré — il est interprété par le comédien qui jouait le vieil amant de Banderas dans D&G, méta forever — cesse de se plaindre, et fait son autocritique, c’est plutôt amusant. Le scénario à tiroirs, mal foutu pour de vrai/faux, emporte, malgré le commentaire — ou bien, est-ce grâce à lui — énoncé par les personnages eux-mêmes, qui en analysent les défauts. Et surtout, les détails de la mise en scène confirment cet autre commentaire plein d’orgueil — à savoir que, même s’il s’agit peut-être d’un film mineur d’Almodóvar, celui-ci reste un maître. Un seul exemple, je parle de scénario, or c’est par l’image que nous est montré le processus d’écriture — dans lequel le créateur égocentré vampirise la vie de ses proches, et en réalité tout ce qui l’entoure. Un avatar du réalisateur note ses idées sur les marges de la page d’un livre. L’œil du spectateur ne peut pas ne pas apercevoir dans le plan le mot ’’animal’’, imprimé dans le texte de l’ouvrage. La phrase qui vient alors à l’esprit du créateur, récitée en voix off, contient précisément le mot.

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Deux mots pour conclure au sujet de ces petits hommes verts mystico-pétés. Le récit nous soumet ce questionnement ridicule, je cite, la foi en Dieu peut-elle s’accommoder de la connaissance de leur existence. Heureusement, petit a, on n’a pas le temps pour ces sottises, vu qu’on a un truc pire que la CIA et le FBI réunis aux fesses. Petit b, ça tombe bien, il y a justement là une aimable bonne sœur qui se fera un plaisir de donner la réponse à la question vite fait bien fait. Bref, la traduction VF de son titre révélerait — astuce — la teneur cul-bénit de la chose, dont les défenseurs rétorqueront sans doute que c’est le merveilleux plus que le religieux qui intéresse Spielberg. Cependant, tout ça rappelle à mon souvenir les critiques formulées à l’endroit de son plus fameux continuateur — je veux parler de Shyamalan, à qui certains reprochèrent parfois que ses thématiques sur la croyance donnassent du grain à moudre aux pires complotistes. Que diront-ils ici.

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