Audrey (Ana Girardot), fille d’agriculteurs et cheffe de rayon dans un hypermarché en province, se voit propulsée à la centrale d’achat de son enseigne de grande distribution afin d’y défendre la filière bio et locale. Elle doit faire équipe avec Bruno Fournier (Olivier Gourmet), propriétaire de deux des plus gros magasins de la marque et négociateur aux méthodes redoutables. Alors que l’exploitation laitière de son frère Ronan (Julien Frison) est en danger et qu’elle commence à nouer une relation avec Axel (Jonas Bloquet), commercial chez un grand industriel, Audrey est tiraillée entre ses convictions et les impératifs de rentabilité imposés par sa direction, au sein d’un système impitoyable.

Si La Guerre des prix est un thriller implacable, c’est aussi un drame social qui se veut quasi-documentaire, et s’inscrit dans un contexte de tensions exacerbées entre l’exécutif et un monde agricole de plus en plus exsangue.

La Guerre des prix est construit comme un thriller, avec son lot de rebondissements qui nous tiennent en haleine jusque dans les derniers instants, soutenus par la très bonne bande originale de Benjamin Grossmann. Faire d’une histoire de négociation sur le prix des pots de yaourts un film à suspens est un petit tour de force. Mais si cela fonctionne si bien, c’est qu’Anthony Dechaux vient du monde de l’entreprise et maîtrise parfaitement son sujet. Si le film met un coup de projecteur sur le monde agricole, sa grande force réside dans l’hyper-réalisme de ses scènes de bureaux, avec des dialogues ciselés et des couleurs froides qui ne sont pas sans nous faire penser à la série Mr. Robot et sa représentation très pertinente du monde de la grande entreprise. Le réalisateur ne soigne pas seulement l’exécution, il pose aussi les bonnes questions, ne se satisfaisant pas du simple débat manichéen grandes entreprises contre petits exploitants, mais cherchant à gratter plus en profondeur les motivations de chaque partie : jusqu’où les distributeurs peuvent aller pour défendre le pouvoir d’achat des consommateurs, quand la compression des marges met des filières entières d’exploitants dans la difficulté ?

Le casting représente une autre force du film, des seconds rôles (Aurélia Petit, Yannick Choirat, Camille Moutawakil) aux têtes d’affiche. On peut notamment applaudir la performance très réussie d’Ana Girardot (peut-être sa meilleure à date), qui porte le film sur ses épaules frêles mais déterminées. Dans sa férocité, son ambition et sa détermination, on retrouve un peu de son personnage de Marie Kinsky dans La Fièvre ; dans sa solitude et ses doutes, on repense à Deux moi de Cédric Klapisch. Le rôle de Fournier va comme un gant au belge Olivier Gourmet (qu’on avait justement déjà vu dans un autre film du genre,  La Terre des hommes, mentionné plus haut) : monolithique, impassible, imperturbable, il se tient debout durant tous ses échanges, écrasant ainsi tant intellectuellement que physiquement ses interlocuteurs. Son jeune compatriote Jonas Bloquet, qu’on avait découvert dans le très bon La Nuit se traîne de Michiel Blanchart, joue parfaitement le rôle du contrepoids moral Axel, trop tendre négociateur, artiste dans l’âme, rongé par la culpabilité de travailler dans un milieu qui mine les relations humaines qu’il cherche à nouer. Mais c’est un autre Belge qui crève l’écran, en la personne de Julien Frison de la Comédie-Française, révélé dans Le Théorème de Marguerite d’Anna Novion (pour lequel il avait été nommé en tant que meilleur espoir aux César). Avec son regard mélancolique, son air presque résigné mais nourri d’un mince espoir qui semble le tenir à flot, il vient incarner à lui seul l’état d’esprit d’un monde paysan qui se sent abandonné mais ne cesse jamais de se battre.

Car si La Guerre des prix est comme on l’a dit un thriller implacable, c’est aussi un drame social qui se veut quasi-documentaire, et s’inscrit dans un contexte de tensions exacerbées entre l’exécutif et les syndicats d’un monde agricole de plus en plus exsangue, après déjà trois hivers de manifestations dans tout le pays. Comme le fait justement remarquer Axel à Audrey : les négociations, en apparence féroces, ne sont qu’un cirque. Après les joutes verbales d’usage lors desquelles les pouvoirs publics jouent le rôle d’arbitre, patrons des grandes enseignes de distribution et industriels se retrouvent pour sabler le champagne dans les mêmes salons. Et ce sont les petits exploitants qui trinquent. Car on a beau avoir des convictions, comme le dit Fournier à Audrey, à la fin, c’est toujours une question d’argent.

RÉALISATEUR : Anthony Dechaux
NATIONALITÉ :  Française
GENRE : Thriller, drame social
AVEC : Ana Girardot, Olivier Gourmet, Julien Frison
DURÉE : 1h36
DISTRIBUTEUR : Diaphana Distribution
SORTIE LE 18 mars 2026

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C’est dans ce contexte que sort La Maison des femmes, premier long-métrage de la réalisatrice Mélisa Godet, qui revient sur l’action de ce lieu unique rattaché au Centre hospitalier de Saint-Denis créé en 2016 par la gynécologue Ghada Hatem, ayant pour vocation d’accueillir et soigner les femmes victimes de maltraitances. Hasard du calendrier (ou vrai choix de programmation ?), le film est sorti quatre jours avant la Journée internationale des droits des femmes, et en même temps que Christy de David Michôd, biopic de la première boxeuse professionnelle Christy Martin, intraitable sur le ring mais victime dans sa vie privée de violences conjugales.

Mélisa Godet réussit avec brio à faire exister chacune de ses protagonistes au travers d’histoires et motivations singulières, sans jamais perdre de vue la force du collectif.

La Maison des femmes nous embarque à la veille de la pandémie de Covid dans le quotidien de chirurgiennes, psychologues, sage-femmes, assistantes sociales, qui aident des femmes victimes d’abus à se reconstruire autant physiquement que moralement, et ce avec très peu d’aide financière et de reconnaissance des autorités publiques. Pour interpréter ces héroïnes du quotidien, un beau casting d’actrices françaises confirmées (Karin Viard, Laetitia Dosch) ou en plein ascension (Oulaya Amamra, Eye Haidara, Juliette Armanet). Ces dames sont accompagnées d’un beau casting masculin en soutien (Pierre Deladonchamps, Laurent Stocker, Jean-Charles Clichet). 

Le pari du film choral est toujours risqué. Avec autant de noms sur l’affiche, on pouvait craindre un film trop diffus, trop émietté (reproche que l’on pouvait faire à Coutures d’Alice Winocour récemment) ; mais Mélisa Godet réussit avec brio à faire exister chacune de ses protagonistes au travers d’histoires et motivations singulières, sans jamais perdre de vue la force du collectif. Mieux encore, elle réussit l’exploit de faire un film entièrement centré sur les victimes et celles qui les réparent, sans accorder aucun temps d’écran aux agresseurs. 

Si le film est de facture assez classique, et laisse peu de place à la mise en scène, La Maison des femmes se veut avant tout très didactique, avec une précision quasi documentaire que l’on reconnaît notamment à Jeanne Herry (Pupille, Je verrai toujours vos visages). Tout est dans le “quasi’, car le film n’est pas dénué dans la narration d’émotion (sans pathos) et d’humour bien senti. Avec cette énergie et cette bonne humeur de tous les instants face à l’adversité, La Maison des femmes n’est pas sans nous faire penser à Hors Normes (Olivier Nakache et Eric Toledano), qui revenait sur le quotidien d’une association accueillant des enfants atteints d’autisme. Avec comme point commun à ces deux films, la volonté d’hommes et de femmes de faire le bien, envers et contre tout et tous, et dans le dénuement le plus total. Mais cette résilience paie, car aujourd’hui l’association s’est mue en réseau et dispose de nombreuses antennes au-delà de Saint-Denis.

Ainsi, si La Maison des femmes n’est pas le film le plus original de l’année sur la forme, il reste non moins nécessaire et efficace, en ce qu’il remplit sa mission première de faire parler de son sujet et de l’ancrer dans les consciences du public et des pouvoirs publics. Car, comme le disait Xavier Dolan il y a peu, « faire de l’art, c’est déjà politique !« 

RÉALISATEUR : Mélisa Godet
NATIONALITÉ :  française
GENRE : Drame
AVEC : Karin Viard, Laetitia Dosch, Oulaya Amamra, Eye Haïdara
DURÉE : 1h50
DISTRIBUTEUR : Pathé Films
SORTIE LE 4 mars 2026

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Is this thing on ? raconte l’histoire d’un couple en crise, celui d’Alex (Will Arnett) et Tess (Laura Dern), qui viennent fraîchement de se séparer. Alex doit affronter les doutes de la cinquantaine et la menace d’un divorce imminent. Lors d’une soirée solitaire, il découvre par hasard le milieu du stand-up new-yorkais, dans lequel il va s’illustrer en racontant des anecdotes sur sa vie de couple en crise. Ces confessions nocturnes à des inconnus vont lui permettre de remettre sa vie et ses choix en perspective, et d’ouvrir la voie à des retrouvailles avec sa femme, pour vivre un amour nouveau et différent. 

Bradley Cooper, avec une approche plus humble et intimiste que dans ses précédents films, a peut-être trouvé la recette de son cinéma

Si la forme varie dans chacun de ses films, Bradley Cooper semble s’être choisi comme thématique de prédilection l’étude du couple et des épreuves qui le traversent. Dans A Star is Born, il explorait la notion de jalousie sous les traits d’un chanteur de country sur le déclin voyant sa compagne qu’il avait lui-même lancée lui voler progressivement la vedette. Dans Maestro, il racontait la vie de Leonard Berstein à travers le prisme de la relation tumultueuse avec sa femme, marquée au fer rouge par l’ambition dévorante du chef d’orchestre et ses amours homosexuelles. Is thing on ? ne déroge pas à la règle, mais semble marquer un point d’inflexion dans la carrière du cinéaste. Certes, on y retrouve sa passion pour les arts de la scène, mais on quitte les salles de concert prestigieuses de son dernier film pour le monde plus modeste du stand-up. Cette modestie se perçoit dans les choix de mise en scène, Cooper ayant recours à des plans serrés, se concentrant sur les visages pour saisir les émotions des protagonistes. Caméra à l’épaule, il suit Will dans ses longues descentes de marches vers les sous-sols des bars, où le financier aisé devenu comédien improvisé se produit. Pour se retrouver, il semble d’abord devoir se perdre au milieu d’inconnus dans un monde souterrain alternatif, une sorte de cour des Miracles où dans un élan cathartique il peut libérer sa parole. Contrairement aux personnages des deux premiers films de Cooper, Will n’est pas dévoré par son ambition artistique ou son ego. ll le dit d’ailleurs à son entourage surpris de découvrir son nouveau hobby : il n’a pas l’intention de faire carrière. L’art est ici plus un remède qu’un poison : il ne précipitera pas la chute, il permettra au contraire de se relever. On retrouve dans le personnage un certain optimisme dans les épreuves qu’on connaissait au Bradley Cooper acteur (Happiness Therapy, Les Gardiens de la galaxie) mais qui manquait cruellement au Bradley Cooper réalisateur jusqu’ici. Ce changement de cadre vers un monde plus accessible et moins feutré renforce aussi l’universalisme du message. Cooper s’intéresse ici à des personnages ordinaires qui mènent une vie ordinaire et vivent des histoires d’amour ordinaires. Exit les caprices de stars des musiciens, place à des situations issues de la vraie vie, telle cette scène de réapprivoisement mutuel où Will et Tess se cherchent – littéralement – les poux après avoir passé au crible les têtes de leurs petits, avec Under pressure de Queen et David Bowie en musique de fond.

On l’a mentionné, un autre choix intéressant du cinéaste est celui de déléguer le rôle-titre (Cooper joue uniquement un second rôle, celui du meilleur ami et faire-valoir de Will). Malheureux dans la course à l’Oscar du meilleur acteur où il avait été nommé pour Happiness Therapy et American Sniper, il avait choisi de s’auto-diriger dans ses deux premières réalisations, se mettant en scène dans tous les plans, gesticulant et vociférant, avec l’ambition à peine voilée de décrocher le précieux sésame. Ses espoirs n’ont malheureusement pas été récompensés, et on l’a su très déçu. Pire, ses performances un peu trop appuyées ont peut-être constitué le seul bémol de films à l’esthétique soignée qui témoignaient de l’émergence d’un cinéaste à suivre. Leçon retenue cette fois-ci, et place nette faite à Will Arnett, quasi-sosie de Cooper récupérant un rôle que le réalisateur avait sans nul doute initialement imaginé pour lui-même. Cet acte d’abnégation est salvateur, Arnett étant pour beaucoup dans la réussite du film. Jouant sur les silences là où Bradley Cooper avait besoin de combler les blancs, il a la mélancolie et l’humour pince-sans-rire que l’on retrouve d’ordinaire chez un Jason Bateman (son acolyte du podcast SmartLess) ou un Jason Sudeikis façon Ted Lasso. En face, Laura Dern est impériale comme à son habitude, dans son rôle de Mère Courage ayant sacrifié ses propres rêves pour sa famille.

On pourra simplement reprocher au film son dernier acte un peu maladroit, intervenant suite à un climax qui arrive trop rapidement, faisant retomber cette “pression” qui pesait sur le couple. Mais on retiendra que Bradley Cooper, avec une approche plus humble et intimiste que dans ses précédents films, a peut-être trouvé la recette de son cinéma. En s’effaçant derrière la caméra, il signe peut-être sa meilleure réalisation. La crise de la cinquantaine ? Non, plutôt, l’âge de la maturité, pour le cinéaste qu’il est.

RÉALISATEUR : Bradley Cooper
NATIONALITÉ :  Américaine
GENRE : drame
AVEC : Will Arnett, Laura Dern, Bradley Cooper 
DURÉE : 2h01
DISTRIBUTEUR : The Walt Disney Company France
SORTIE LE 25 février 2026

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On retrouve dans La Grazia les ingrédients qui font la singularité du cinéma du réalisateur napolitain. Sur la forme déjà, le style baroque, les échappées oniriques qui font penser au réalisme magique de l’écrivain colombien Gabriel García Marquez, les gros plans face caméra sur le visage expressif de son acteur fétiche Toni Servillo (neuvième collaboration entre les deux hommes et Coupe Volpi de l’interprétation masculine à Venise), la bande-son éclectique allant du groupe électro parisien Il est vilaine au rappeur Guè. Sur le fond, les thématiques qui lui sont chères : la peur de vieillir, la nostalgie, la solitude, la beauté, l’Eglise catholique, la foi et le doute, l’amour et le manque d’amour. 

Doté d’une empathie et d’une bienveillance qui se font rare dans un monde où le cynisme commence même à gagner le cinéma, Sorrentino nous voit et nous accepte tels que nous sommes, avec notre fébrilité et nos doutes.

Les films de Sorrentino partagent globalement la même trame narrative. Un personnage principal puissant (de par son statut politique ou ecclésiastique, sa beauté ou son charisme) est tourmenté par le doute ou le remords. Un personnage secondaire (un prêtre, un professeur, ou Diego Maradona !) vient l’aider à trouver la paix intérieure et accomplir son destin. Ici, le Président Mariano de Sentis est miné par le deuil de sa femme et obsédé à l’idée de découvrir l’identité de l’homme qu’elle avait pris pour amant quarante ans plus tôt. Désintéressé de ce fait par les affaires courantes, qu’il délègue à sa fille (Anna Ferzetti), juriste comme lui, il erre dans les salles du Palais où il croise ses conseillers manifestement désœuvrés. Le film s’ouvre d’ailleurs sur une longue liste déroulant les prérogatives de la Présidence italienne, qui nous font réaliser assez vite que la fonction semble beaucoup plus symbolique que de notre côté des Alpes. Jusqu’à la dernière ligne qui apparaît à l’écran : le Président a la possibilité d’accorder des grâces. En d’autres termes, il peut suspendre une décision de justice et libérer des prisonniers incarcérés pour meurtre. Après un mandat terne, de Santis a l’occasion de jouer son rôle dans la grande Histoire. 

Il peut compter pour ce faire sur les conseils avisés des personnages secondaires. Sa fille d’abord, qui va le convaincre que la vérité n’est pas dans le droit mais dans l’humain. Elle l’incite à rencontrer les prisonniers en demande de grâce, qui disent avoir tué leur conjoint pour les libérer de leurs souffrances, ce qui lui offre une nouvelle perspective sur le projet de loi sur l’euthanasie. Le chef de son service de sécurité ensuite, qui le prie de mettre fin aux souffrances du cheval du Palais, agonisant. Le Pape enfin (en dreadlocks et roulant en vespa !). Lui et le Président, bons amis, se rencontrent souvent. On l’a dit, sept kilomètres seulement séparent les deux centres du pouvoir (politique et religieux) italien. Intéressant quand on sait qu’en numérologie le chiffre 7 représente l’esprit, l’introspection et la sagesse spirituelle. Quand le Pape écoute de Santis, il se situe derrière lui, et semble presque l’ausculter au stéthoscope. Il est à la fois docteur et confesseur. Ainsi, dans le cinéma de Sorrentino, si le protagoniste semble personnifier une humanité qui doute, les personnages secondaires sont des émanations du réalisateur lui-même : professeur, docteur, confesseur. Doté d’une empathie et d’une bienveillance qui se font rare dans un monde où le cynisme commence même à gagner le cinéma, il nous voit et nous accepte tels que nous sommes, avec notre fébrilité et nos doutes.

Alors oui, d’aucuns pourraient reprocher au réalisateur de tourner en rond. On concède que le temps peut sembler long pour qui n’adhère pas à ses figures de style. Mais même ses détracteurs ne resteront pas insensibles face à sa volonté d’aborder la chose politique un peu plus frontalement que dans ses précédents films, alors qu’il prend manifestement parti sur un sujet de société brûlant (de Sentis le dit lui-même, en fonction de sa décision il peut faire figure soit de tortionnaire, soit d’assassin). Quoi qu’il en soit, nous voyons un cinéaste en train de construire une œuvre monumentale, cohérente, et…gracieuse. Car si Parthénope nous avait appris que l’anthropologie c’est voir, La Grazia nous enseigne que la grâce, c’est la beauté du doute.

RÉALISATEUR : Paolo Sorrentino
NATIONALITÉ :  Italienne
GENRE : Drame
AVEC : Toni Servillo, Anna Ferzetti
DURÉE : 2h13
DISTRIBUTEUR : Pathé Films
SORTIE LE 28 janvier 2026

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Durant la Seconde Guerre Mondiale, Jan Bojarski (interprété par Reda Kateb), ingénieur polonais de talent, se réfugie en France où il fabrique des faux papiers durant l’Occupation. A la fin du conflit, il tente de déposer un brevet pour ses inventions, mais son absence d’état civil ne lui permet pas d’obtenir le précieux sésame. C’est alors qu’un gangster local lui propose de mettre à profit ses talents pour lui fabriquer des faux billets de banque. Naturellement, le prodige ne tarde pas à réaliser qu’il peut faire le même travail à son compte. A l’insu de sa famille, il va au fil des décennies s’imposer comme le plus grand faussaire de France, traqué par le redoutable inspecteur Mattei (Bastien Bouillon, César du meilleur espoir masculin en 2023 pour La Nuit du 12).  

La tension dramatique réside dans ce jeu dangereux du chat et de la souris, où les deux adversaires semblent vouloir se retrouver autant que s’éviter.

Le film, qui débute par une scène de flash-back un peu superflue, est poussif dans sa première partie. On y voit Bojarski échouer inlassablement à faire homologuer ses brevets, dans une succession de scènes répétitives qui nous amènent fatalement à son basculement vers l’illégalité, véritable enjeu narratif qui émerge donc après une exposition un peu trop longue. Pas aidé dans sa peine, notre anti-héros est entouré de personnages secondaires sans relief. Pierre Lottin (omniprésent sur nos écrans en ce moment, pour notre plus grand plaisir cependant) incarne l’ami et ancien collègue de régiment de Bojarski. Faisant face aux mêmes difficultés pour s’intégrer, il sombre assez vite dans les trafics. Son personnage semble donc exister pour faire figure de faire-valoir au respectable et persévérant Bojarski, qui pourtant ne va pas tarder lui-même à plonger, comme on l’avait deviné d’emblée. Notre caution morale s’envole. Quant à la femme de Bojarski (interprétée par Sara Giraudeau), seul personnage féminin du film, son rôle semble se limiter à élever les enfants et taper les brevets à la machine. Tellement convaincue du génie de son mari (il aurait inventé le stylo et le déodorant à bille !), elle ne voit pas ou ne veut pas voir le manège qui se déroule sous ses yeux, au sein de sa propre maison, dans l’atelier secret de son mari.

Pourtant, le film finit par prendre son envol et susciter un intérêt croissant à travers le face-à-face auquel se livrent Bojarski et Mattei. Tel le Heisenberg de la série Breaking Bad (Vince Gilligan, 2008-2013), Bojarski se persuade dans un premier temps qu’il commet ses méfaits pour le bien de sa famille, avant de tout simplement se prendre au jeu. Ses copies du Richelieu, du Terre et Mer, du Bonaparte, ne sont-elles pas plus réussies que les billets originaux qui sortent des presses de la Banque de France ? Artiste solitaire convaincu de la qualité de ses œuvres, il est frustré de la situation d’anonymat à laquelle son illégalité le contraint. Il commence petit à petit à prendre des risques et laisser des indices pour se rapprocher de sa némésis, Mattei, paradoxalement le seul en mesure de reconnaître son talent. La tension dramatique réside dans ce jeu dangereux du chat et de la souris, où les deux adversaires semblent vouloir se retrouver autant que s’éviter. Plusieurs séquences rendent ainsi un hommage appuyé au film culte de Steven Spielberg, Arrête-moi si tu peux (2002). Pour accompagner cette accélération dramaturgique, la mise en scène devient même inventive, comme lorsque le fils de Bojarski joue avec ses petits trains pour figurer les déplacements de son père le long du réseau ferré français pour écouler ses faux billets. Quant à Mattei, dont la réputation au sein de la police et du tout-Paris s’effondre à mesure que la notoriété du faussaire se consolide, sa déchéance est subtilement suggérée par le rétrécissement de son bureau au fil des années.

L’Affaire Bojarski se révèle en somme être un divertissement efficace, porté par un excellent Reda Kateb qui, après ses performances remarquées dans Hors-normes (Eric Toledano et Olivier Nakache, 2019) et Omar la fraise (Elias Belkeddar, 2023), ne cesse de se réinventer et de nous surprendre. A l’image des billets de banque, on croirait voir l’original. Quant à son modèle, Bojarski l’incompris, il sera finalement passé à la postérité : voir sa vraie vie de faussaire portée à l’écran est sans doute le plus bel hommage qu’il aurait pu espérer.

RÉALISATEUR : Jean-Paul Salomé
NATIONALITÉ :  française
GENRE : Drame, biopic
AVEC : Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin
DURÉE : 2h08
DISTRIBUTEUR : Le Pacte
SORTIE LE 14 janvier 2026

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Au milieu de ce tumulte, Michael (interprété par Lawrence Valin lui-même), jeune serveur d’origine sri-lankaise dans un restaurant de Little Jaffna, se retrouve pris dans une rixe entre bandes rivales. Il se distingue auprès du charismatique Puvi, bras droit d’Aya, parrain du quartier. Michael intègre alors le gang des Killi’z (les perruches), un groupe de jeunes aux cheveux colorés qui semblent à première vue fort sympathiques. Ce qui va lui permettre de progressivement se rapprocher d’Aya, à première vue pas du tout sympathique.

La thématique de l’infiltré sert surtout de prétexte pour explorer la condition de l’immigré dans son pays d’accueil, sans cesse tiraillé entre sa volonté d’intégration et l’attachement à ses racines culturelles.

Seulement voilà, Michael est en réalité en mission d’infiltration pour la DGSI, chargé d’enquêter sur les activités d’Aya qui financent les factions armées Tamoules au Sri Lanka, pays ravagé par la guerre. Le jeu du chat et de la souris commence et le protagoniste est tiraillé par un dilemme moral. Animé par le désir de s’intégrer à son pays, la France, en menant à bien sa mission, sa position d’infiltré lui procure pourtant un regard neuf et bienveillant sur “sa” communauté, celle avec qui il n’a pourtant pas grandi. D’autant plus qu’il se lie d’amitié avec Puvi, qui se révèle être un dur à cuire au grand cœur, avec des yeux immenses et chaleureux qui envahissent l’écran. Fun fact : l’équipe du film a croisé le regard de l’acteur non professionnel Puviraj Raveendran à travers la vitre d’une boulangerie lors d’un casting sauvage et a immédiatement été séduite.

Le casting est justement le point fort de Little Jaffna, dont l’approche est presque naturaliste quand il s’intéresse à ces Killi’z joués par des acteurs novices, et dont la fragilité contraste avec la rugosité d’Aya, lui interprété par un taulier du cinéma indien. On pardonnera à Little Jaffna quelques errements scénaristiques et un montage inégal. Une histoire d’amour secondaire à la Roméo et Juliette entre Puvi et une jeune fille d’une bande rivale vient ralentir le rythme de  l’intrigue principale, là où la conclusion est par contre un peu précipitée. Toutefois, la mécanique du film d’infiltration est plutôt bien huilée et on perçoit l’admiration de Lawrence Valin pour les sommets du genre : Les Infiltrés de Martin Scorsese naturellement, mais plus encore son modèle hongkongais moins aseptisé Infernal Affairs (Andrew Law et Alan Mark) pour son côté brut de décoffrage.

Mais la thématique de l’infiltré sert surtout de prétexte pour explorer la condition de l’immigré dans son pays d’accueil, sans cesse tiraillé entre sa volonté d’intégration et l’attachement à ses racines culturelles. Avec en prime, un petit cours de géopolitique internationale sur une zone géographique qui retient assez peu l’attention des médias de par chez nous.

Little Jaffna est donc un premier essai à la réalisation réussi pour Lawrence Valin, tant sur la forme que sur le fond. Avec une approche très stylisée, une mise en scène soignée et une direction d’acteurs intéressante, il attire notre regard sur une communauté et une problématique assez délaissées jusqu’ici par le cinéma français.

RÉALISATEUR : Lawrence Valin
NATIONALITÉ :  Française
GENRE : Drame, policier
AVEC : Lawrence Valin, Puviraj Raveendran, Vela Ramamoorthy
DURÉE : 1h39
DISTRIBUTEUR : Zinc Film
SORTIE LE 30 avril 2025

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Le pitch sur un post-it : Anis, jeune homme à l’humour décapant, est la risée de ses amis et de sa famille pour n’avoir jamais eu de compagne officielle. Jusqu’au jour où il fait la connaissance de Madeleine, qui va lui ouvrir les yeux sur la possibilité d’une relation amoureuse. Bien-sûr, il y a nécessairement dans la construction de leur relation une période de doute, notamment lors de la rencontre obligée entre Anis et le beau-père cool mais un peu gênant, qui fait se demander au premier s’il est bien à la bonne place avec la fille de ce dernier.

Un film qui nous dit que les mots peuvent guérir les maux.

On vous avait prévenu : à première vue, pas de quoi casser trois pattes à un canard, juste de quoi donner quelques crampes aux abdos. Et pour remplir cette mission, le casting idéal. Anis est interprété par le truculent Hakim Jemili, qui s’est fait connaître sur les réseaux sociaux avec son débit de mitraillette et ses néologismes avant de devenir une star du stand-up. Madeleine est campée par la non moins truculente Laura Felpin, elle-même papesse du seul-en-scène dont la carrière s’était envolée avec un clip viral issu de la série Le Flambeau, où elle haranguait la foule dans un espagnol approximatif tout en jonglant en sarouel. Dans le rôle du beau-père, le toujours plus truculent François Damiens, acteur belge qu’on ne présente plus. Enfin, on pourrait même ajouter le pote “border” d’Anis, Paulo, joué par un Benjamin Tranié en roue libre qui excelle dans l’art de la punchline bien sentie, et qui récupère à son compte les défauts du personnage principal du livre (c’est plus vendeur ainsi).

En somme, des acteurs qui savent manier le langage comme personne, pour nous faire travailler les zygomatiques. L’Amour c’est surcoté pourrait donc être avant tout une histoire de mots, les mots qui font rire. Et ce serait déjà très bien : 15€ la place sans abonnement, 8€ le pop-corn taille familiale, une bonne poilade bien rentabilisée, rideau. Mais est-ce que ce ne serait pas passer à côté du propos du film ? Et si L’Amour c’est surcoté n’était pas avant tout une histoire de maux plus que de mots ? D’accord, on va avoir besoin d’étayer un peu notre propos.

On rembobine. Le film s’ouvre sur une très belle scène de flashback où Anis et sa bande de potes, alors enfants, arpentent les rues de leur cité à bicyclette. Alors qu’ils se retrouvent piégés sous une pluie diluvienne, Isma, le meilleur ami d’Anis, s’élance vaillamment en tête de la bande. Anis a alors un préssentiment : Isma sera le premier du groupe à partir. Flashforward, une trentaine d’années plus tard : enterrement d’Isma, qui s’est donné la mort. Ambiance. Les spectateurs se regardent interloqués. Ne nous avait-on pas promis une comédie ?

Dès lors, et c’est le vrai point de départ du film, Anis adopte le masque de l’ironie perpétuelle pour cacher sa peine. Un homme, et qui plus est un homme de banlieue, ça ne pleure pas. Anis est brisé, vulnérable. Il est rongé par la culpabilité, celle de ne pas avoir su trouver les bons mots, pas ceux qui font rire, mais ceux qui rassurent, quand son ami a montré les premiers signes de dépression. Et comme il n’arrive pas à faire son deuil et à s’ouvrir à une relation sentimentale, il est alors catalogué comme le looser qui a peur de parler aux filles. C’est pourtant une fille, Madeleine, qui va entrevoir la douleur d’Anis derrière son masque et l’aider à travers une thérapie à réapprendre à vivre avec lui-même, étape primordiale pour apprendre ensuite à vivre avec quelqu’un d’autre.

Il y a donc dans L’Amour c’est surcoté un peu plus que de la simple comédie romantique avec en tête d’affiche des stand-uppers pour ados. Entre quelques éclats de rire, on se surprend à verser une petite larme : l’émotion est là car le texte est vrai, et le jeu aussi. On y trouve des acteurs dans un vrai rôle de composition, dans un film qui nous dit que les mots peuvent guérir les maux.

RÉALISATEUR : Mourad Winter
NATIONALITÉ :  Française
GENRE : Comédie romantique, drame
AVEC : Hakim Jemili, Laura Felpin, François Damiens
DURÉE : 1h38
DISTRIBUTEUR : StudioCanal
SORTIE LE 23 avril 2025

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