Après avoir établi les origines du super-héros, son affrontement contre Ra’s al Ghul et porté un message d’espoir aux habitants de Gotham dans Begins, Batman affronte son némésis et sa vision du chaos dans la suite. C’est donc le Joker (campé par Heath Ledger ) l’antagoniste principal de ce volet, épaulé par une apparition de l’Epouvantail (interprété par Cillian Murphy) ainsi que par Harvey Dent/Double-Face (Aaron Eckhart) qui mettront à mal le Chevalier Noir dans ce film.

Un film qui reste, encore aujourd’hui pour de nombreuses personnes, comme la meilleure adaptation des aventures du Chevalier Noir sur grand écran.

Alors que le premier volet se concentrait sur l’entraînement de Bruce Wayne et les notions de peur et de symbole que pouvait inspirer la venue du justicier dans la ville de Gotham à ses habitants, Nolan préfère se libérer de ces acquis et se concentre plutôt sur la descente aux enfers que provoque le Joker. Ici pas de bienséance, c’est la terreur, la folie et le désespoir qui s’abat sur la ville à mesure que l’histoire se déroule. Cette aura malfaisante est portée par l’arrivée du Joker en ville, qui mettra en mauvaise posture le justicier et les forces de l’ordre, tout en tenant en laisse les familles des mafias de la ville en peu de temps. Tout ce qui intéresse le Joker est de faire ce qu’il lui plait, sans pour autant avoir de plan à l’avance.

Tout ceci est fait dans l’optique de remettre le Batman en question. Si son arrivé a pu calmer certains des malfrats de la ville de peur de le croiser, d’autre n’en ont rien à faire et voient justement son arrivée comme une opportunité. C’est dans ce contexte que les forces de l’ordre tentent de faire régner la justice dans Gotham.

Ce rapport à la justice est représenté par le trio Batman-Gordon-Dent dans le film, qui tentera de faire équipe pour éradiquer la mafia de Gotham.

Malheureusement avec le Joker rien n’est simple, et il montrera à Batman qu’il ne suffit de pas grand-chose pour détourner le plus droit des hommes du bon chemin. C’est ce qui arrivera avec Dent lors du dernier tiers du film. Tiraillé entre amener les malfrats devant le tribunal et rendre justice lui-même, Dent perdra la raison après un évènement déclenché par le Joker et qui le fera devenir Double-Face, passant alors le reste de son temps à décider du sort de ses ennemis en tirant à pile ou face avec une pièce.

Ainsi Nolan met plus en avant les antagonistes que Batman lui-même dans ce film, même s’il a le droit aussi à son arc narratif. Est-il bon pour la ville de continuer son rôle de justicier, doit-il raccrocher le costume, ou même transmettre ses idéaux à quelqu’un ? Toutes ces questions hanteront Bruce Wayne à travers le film.

Mais si on ne devait retenir qu’une chose de ce film serait surement la prestation de Heath Ledger en Joker. Véritable tsunami à l’époque, Ledger a proposé sa version du personnage, complètement différente de celles proposées par Jack Nicholson et César Romero, ici nous avons le droit à un Joker anarchiste, ne voulant qu’une chose : le chaos. Tellement terrifiant dans son rôle que pour l’anecdote, dans la scène du gala pour Harvey Dent où le Joker fait irruption, Michael Caine, tellement abasourdi par la prestance de Ledger lors de son arrivée, en oublie ses dialogues et reste muet. Ce n’est que récemment que le personnage du Joker a pu renaître sur grand écran, dans une version lui faisant honneur, avec Joaquin Phoenix dans le film Joker (la version de Leto ne compte pas).

The Dark Knight a donc posé les bases de ce que sera une des variantes du genre super- héroïque pour la décennie à venir. Un film sombre, réaliste et incroyablement réalisé et ayant un casting parfait, le tout porté par une musique de Hans Zimmer et James Newton Howard. Le scénario et les nombreux dialogues font honneur aux personnages et leur proposent un développement comme rarement vu auparavant dans ce registre de film. Un film qui reste, encore aujourd’hui pour de nombreuses personnes, comme la meilleure adaptation des aventures du Chevalier Noir sur grand écran.

RÉALISATEUR : Christopher Nolan
NATIONALITÉ :  américaine, britannique 
GENRE : action, thriller, film de super-héros 
AVEC : Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman, Cillian Murphy
DURÉE : 2h32 
DISTRIBUTEUR : Warner Bros. France
SORTIE LE 13 août 2008

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Cinq ans après les événements de la saison 1, Ellie (Bella Ramsey), désormais âgée de 19 ans, vit à Jackson, une communauté relativement stable. Sa relation avec Joel (Pedro Pascal) demeure tendre, mais troublée par la dernière discussion entre eux dans le final de la saison 1. Ce fragile équilibre vole en éclats lors de l’arrivée d’Abby (Kaitlyn Dever) et son groupe près de Jackson. Cette scène, reprise du jeu, bouleverse totalement la série : à partir de là, The Last of Us ne raconte plus seulement la survie dans un monde post-apocalyptique, mais devient une plongée dans la spirale de la vengeance et ses ravages.

Ellie, dévastée, s’engage dans une quête destructrice. La série complexifie rapidement le récit en donnant aussi la parole à Abby. On découvre que son père, chirurgien des Lucioles, un groupe révolutionnaire apparaissant dans la première saison, a été tué par Joel à la fin de celle-ci. Sa violence trouve ainsi racine dans son propre deuil. Cette alternance de points de vue brouille les repères moraux : doit-on considérer Joel comme un héros ou un bourreau ? L’action d’Abby est-elle monstrueuse ou légitime ? Dans ce monde brisé, la justice a-t-elle encore un sens ?

Au milieu de cette noirceur, la relation entre Ellie et Dina (Isabela Merced) apporte un ancrage émotionnel fort et bienvenu. Leur histoire d’amour est imparfaite, mais profondément humaine. Elle donne à Ellie une parenthèse de tendresse et de répit, même si sa quête vengeresse menace rapidement cet équilibre fragile. Le personnage de Jesse (Young Mazino), ami d’Ellie et ex-compagnon de Dina, enrichit aussi ce tissu relationnel. Plus développé que dans le jeu, il contribue à donner à son personnage et à la ville de Jackson une dimension communautaire et émotionnelle crédible, rendant ses pertes d’autant plus douloureuses.

C’est une histoire brutale sur la vengeance, le deuil et l’ambiguïté morale, mais aussi un récit traversé de lueurs d’amour et d’espoir. Dans un monde en ruines, la série rappelle que ce sont nos choix, et les liens que nous en préservons, qui continuent de nous définir.

La saison développe donc un triangle tragique entre Joel, Abby et Ellie. Tous trois sont mus par l’amour et le deuil, mais leurs choix entraînent des violences irréparables. Joel sauve Ellie par amour, mais détruit la vie d’Abby. Celle-ci se venge pour honorer son père, mais engendre une nouvelle chaîne de souffrances. Ellie, à son tour, s’enfonce dans la haine au point de perdre une partie d’elle-même. La série insiste sur ce point : les pires actes naissent souvent de sentiments profondément humains. Elle ne demande pas d’excuser, mais de comprendre, obligeant le spectateur à se confronter à des dilemmes moraux sans solution nette.

Au-delà des drames intimes, la saison explore en parallèle différentes tentatives de reconstruction d’une société. Jackson symbolise un idéal fragile et protégé, mais fermé. Le WLF, incarne l’ordre implacable d’une organisation militarisée, et se veut être un miroir de l’esprit d’Abby. La secte des Séraphites, offre un faux refuge basé sur la violence et le dogme. Aucune de ces structures n’est totalement bonne ou mauvaise : elles reflètent la quête universelle de sécurité et de sens dans un monde en ruines.

Narrativement, la saison adopte une construction éclatée : changements de perspectives, ellipses temporelles, arcs multiples. Cette audace divise, mais elle confère à l’histoire une richesse rare. Visuellement, Seattle et ses ruines détrempées deviennent presque un personnage à part entière, renforçant le poids des souvenirs et des blessures. Les scènes d’action sont intenses, mais jamais gratuites, toujours au service des émotions et de l’histoire.

Les acteurs portent l’ensemble. Bella Ramsey livre une performance saisissante, oscillant entre rage, fragilité et humanité blessée. Elle arrive à rendre tangible l’usure psychologique d’Ellie. Pedro Pascal, malgré une présence réduite, imprime durablement son empreinte : chaque silence, chaque regard prolonge le lien indestructible entre Ellie et Joel. Kaitlyn Dever humanise Abby, rendant impossible de ne la réduire qu’à son acte violent. Isabela Merced apporte chaleur et authenticité à Dina, tandis que Young Mazino, Gabriel Luna ou encore Jeffrey Wright enrichissent l’univers par des personnages secondaires solidement incarnés.

Cependant, tout n’est pas parfait, loin de là. L’exécution paraît parfois moins fluide que celle de la première saison, la narration souffre de quelques déséquilibres et certains arcs émotionnels perdent de leur intensité. Malgré ses maladresses, l’évolution de cette saison reste une étape essentielle : imparfaite certes, mais loin d’être un échec. La première saison suivait fidèlement la trame du jeu original. La deuxième, en revanche, prend plus de libertés, ce qui explique une partie des critiques. Il avait cependant été annoncé très rapidement que l’histoire de ce second volet serait scindée en deux saisons : tout ne pouvait donc pas se résoudre ici. Par ailleurs, il est important de repréciser que transposer un jeu à l’écran ne consiste pas à reproduire mécaniquement chaque séquence ; il faut traduire une expérience interactive en langage télévisuel. Certaines pertes ou ajustements étaient inévitables.

Cette seconde saison n’offre ni réconfort ni certitudes. Elle explore les conséquences plutôt que les solutions, les cicatrices plutôt que les victoires. C’est une histoire brutale sur la vengeance, le deuil et l’ambiguïté morale, mais aussi un récit traversé de lueurs d’amour et d’espoir. Dans un monde en ruines, la série rappelle que ce sont nos choix, et les liens que nous en préservons, qui continuent de nous définir.

SHOWRUNNER :   Neil Druckmann et Craig Mazin 
NATIONALITÉ : États-Unis
GENRE :  Aventure, Drame, Horreur, Action
AVEC : Pedro Pascal, Bella Ramsey, Kaitlyn Dever, Isabela Merced, Young Mazino, Gabriel Luna, Jeffrey Wright
DURÉE : 7 x 50 min
DISTRIBUTEUR : HBO Max
SORTIE 14 avril 2025

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Alors que la première saison d’Andor s’achevait sur la révolte de Ferrix et le recrutement de Cassian par Luthen, cette seconde saison est conçue comme une montée tragique vers les événements de Rogue One et s’impose comme l’une des œuvres les plus ambitieuses et les plus sombres de l’univers Star Wars. Cette ultime saison n’a rien d’un baroud d’honneur : elle est une dissection méthodique du prix de la révolte, une tragédie politique où la lutte contre l’Empire n’est ni héroïque, ni glorieuse, mais sale, brutale et profondément humaine.

La construction même de la saison épouse une tension croissante. Découpée en quatre blocs narratifs couvrant les années précédant Rogue One, elle épouse la logique du délitement : celle d’un monde en train de basculer dans une guerre ouverte. Chaque segment explore un territoire, géographique, moral ou idéologique, de la résistance. Cette structure resserrée donne à la saison une densité dramatique rarement atteinte dans la saga. Dès les premiers épisodes, l’ambiance est plus oppressante encore que dans la première saison. Nous n’assistons pas à la naissance d’une rébellion idéale, mais à la fragmentation de groupes, de volontés, de convictions. La série ne cède jamais à la facilité manichéenne : les dissensions internes, les trahisons, les compromis douloureux rythment le récit.

Cassian (interprété par Diego Luna) est au centre, bien sûr, mais jamais en surplomb. Il reste un homme traversé par le doute, l’instinct de survie, et le besoin de croire malgré tout en quelque chose. Son parcours n’est pas une ascension héroïque, mais une descente, lucide et amère, vers la nécessité de l’action. On assiste à la lente érosion de ses illusions, à sa rupture définitive avec l’indifférence. Son évolution n’est jamais appuyée par des discours, mais par des gestes, des silences, des regards. Chaque mission, chaque perte, chaque confrontation l’enfonce un peu plus dans une réalité où il ne pourra plus reculer.

Autour de lui gravitent des figures marquantes, toutes plus ou moins broyées par les circonstances. Pour n’en citer que deux, Mon Mothma (Genevieve O’Reilly), que l’on découvre plus exposée et isolée que jamais, tente de concilier son idéal démocratique avec des alliances de plus en plus troubles. C’est surtout le discours qu’elle porte dans l’épisode 9 qui fait de son personnage un des meilleurs de la saison. Luthen Rael (Stellan Skarsgård), quant à lui, cristallise la face sombre de la révolte : la manipulation et le sacrifice de vies pour l’effet stratégique d’une défaite. Son monologue dans un des derniers épisodes de la première saison, où il assume avoir “brûlé son âme pour un avenir qu’il ne verra jamais”, est d’une intensité rare et est encore mis en valeur dans cette seconde saison. Il incarne la solitude absolue du combattant radicalisé, conscient du coût humain de ses méthodes, mais incapable d’arrêter.

La saison 2 d’Andor confirme la série comme une œuvre à part dans l’univers Star Wars, et plus largement dans le paysage télévisuel contemporain.

Cette saison brille aussi par la subtilité avec laquelle elle représente l’Empire. Ce n’est pas un régime du Mal absolu, mais une machine froide, administrative, parfaitement rodée, où la cruauté est systémique, jamais personnelle. Le massacre de Ghorman est l’exemple le plus glaçant de cette logique : présenté comme une réponse “proportionnée” à une grève pacifique, il est organisé avec la froideur d’un audit. Cette scène, centrale, marque un tournant et fait aussi tomber les derniers doutes chez les hésitants. C’est une scène où le silence hurle, où l’absence d’héroïsme souligne la réalité : l’Empire ne sera pas arrêté par des symboles, mais par des sacrifices.

Ce qui distingue Andor des autres productions StarWars, c’est sa capacité à s’éloigner des codes de la mythologie pour adopter ceux du drame politique. Pas de sabres laser, peu de musique triomphante, aucun sauvetage de dernière minute. Le suspense naît d’écoutes téléphoniques, de rendez-vous manqués, de regards dans la foule. La mise en scène, sobre et tendue, épouse cette logique : les décors sont bruts, les dialogues ciselés, les scènes longues et pesantes. L’univers galactique devient palpable, crédible, presque contemporain dans sa brutalité. La série ose des silences, des lenteurs, des scènes où l’action est moins importante que la tension psychologique.

La conclusion de la saison est sans concession. Cassian rejoint finalement la résistance et devient l’agent que l’on retrouvera dans Rogue One. Mais il le fait sans euphorie, sans feu d’artifice, dans une fatigue profonde. Il sait ce qu’il va perdre, il l’a déjà perdu. Sa révolte n’est pas portée par l’espoir, mais par la certitude qu’il n’a plus le choix. La série se referme ainsi sur une note d’une lucidité bouleversante. La rébellion n’est pas un élan idéaliste, mais un processus d’abandon progressif de soi-même pour une idée que l’on ne verra pas aboutir. Elle exige des sacrifices silencieux, invisibles, parfois même moralement insoutenables.

La saison 2 d’Andor confirme la série comme une œuvre à part dans l’univers Star Wars, et plus largement dans le paysage télévisuel contemporain. Cette dernière saison est à la fois un chant funèbre et un appel à la conscience : elle montre que la liberté ne se gagne pas par des gestes héroïques, mais par des renoncements douloureux.

CRÉATEURS : Tony Gilroy
NATIONALITÉ :  Américaine
GENRE : Science-fiction, Action, Espionnage
AVEC : Diego Luna, Stellan Skarsgård, Kyle Soller, Adria Arjona, Genevieve O'Reilly, Denise Gough
DURÉE : 12 x 50min
DISTRIBUTEUR : Disney +
SORTIE LE 22 avril 2025

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Alors que la première saison se terminait sur la visite du monde extérieur par les outies et son lot de révélations, cette seconde saison montre les résultats de cette rébellion. Fidèle à elle-même, l’entreprise Lumon met en place une contre-attaque envers Mark et son équipe, mais cela ne suffira pas. La direction n’aura d’autre choix que de s’incliner face aux exigences de Mark. Mais est-ce fait purement dans le but de le satisfaire, ou bien Lumon a-t-il secrètement besoin de lui pour leurs plans et ce mystérieux projet « Cold Harbor » ?

Ce n’est pas un hasard si Richard C. Schwartz et son modèle des « Système Familial Intérieur » (SFI) viennent rapidement en tête quand on cherche les inspirations de la série. L’idée qu’en nous coexistent plusieurs « parties », chacune née d’un besoin de protection, d’un traumatisme, etc. résonne parfaitement avec ce que Severance met en images. Dans ce monde cloisonné, chaque personnage est littéralement divisé, non pas entre bien et mal, mais entre douleur et contournement, entre blessure et tentative de vivre malgré tout.

Mark en est le meilleur exemple : son « innie », privé du souvenir de la mort de sa femme, est une version de lui-même qui n’a jamais souffert. Un « lui » plus léger, plus disponible, mais aussi sans passé. Il devient presque une autre personne. Et c’est là que la série appuie fort : si l’on efface la douleur, efface-t-on aussi ce qui nous constitue ? Peut-on aimer de la même manière si l’on est amputé de ses souvenirs ? C’est à cela que tente de répondre cette deuxième saison. Si l’ »innie » Mark aime Helly, et que son « outie » cherche encore Gemma, qu’est-ce qu’il adviendra de l’un ou de l’autre quand ces deux idées se confronteront ?

Belle, intrigante et grandiose, si cette seconde saison, elle met du temps à se lancer, ce n’est que pour mieux terminer et nous donner envie de voir la suite.

Derrière ces dilemmes intimes se joue une critique mordante du monde du travail. Severance ridiculise les entreprises modernes et leurs soi-disant « valeurs humaines », avec leurs plats aux œufs durs déposés symétriquement, ou encore leurs « moments de danse exceptionnels » et autres fanfares. Mais elle va plus loin : elle dénonce une société dans laquelle l’individu n’est plus qu’un fragment, assigné à une fonction, amputé de ses contradictions, anesthésié. Ce que Lumon fabrique, ce ne sont pas seulement des employés ; ce sont des consciences édulcorées, façonnées pour obéir, au nom d’un idéal absurde de productivité.

Et pourtant, la série ne se contente pas de démonter un système. Elle cherche, à travers ses personnages, une issue. Une voie vers la réconciliation. Peut-être pas une synthèse parfaite entre l’innie et l’outie, mais un dialogue. Une façon de reconnaître toutes nos parts, même celles qui gênent, qui dérangent ou qui pleurent. Car si l’on ne peut pas être « entier », alors au moins peut-on être à l’écoute.

C’est dans tout cela que le jeu des acteurs crève l’écran. Parce que si l’on parle de Mark (interprété par Adam Scott) depuis tout à l’heure, le reste du casting est, par certains moments, pas loin de lui voler la vedette. Que ce soit Helly (Britt Lower), Irving (John Turturro), Dylan (Zach Cherry), Burt (Christopher Walken) ou Harmony (Patricia Arquette) pour ne citer qu’eux, tous jouent leurs rôles à la perfection. Peu importe la scène, qu’ils soient seuls, perdus dans leurs pensées ou en pleine discussion, la manière qu’ils ont de jouer leurs rôles est saisissante. S’il ne fallait en retenir qu’un (en-dehors d’Adam Scott), ce serait très probablement Tramell Tillman (interprétant Seth Milchick), tant il arrive à jouer son rôle à multiples facettes avec autant de facilité.

Mais comme rien n’est parfait, l’un des rares points négatifs de cette saison, ce serait sans doute sa fâcheuse tendance à allonger les scènes plus que nécessaire. Cela amène donc à avoir un rythme relativement lent, voir trop lent par moments. Cette saison compte 10 épisodes (un de plus que dans la saison 1), et il aurait été tout à fait possible de raconter la même chose avec un épisode de moins. Mais bien que le rythme soit un peu difficile à apprécier, l’histoire racontée et la mise en scène font que nous restons attirés par cet univers si particulier.

Cette seconde saison de Severance réussit donc à faire aussi bien que la première et la dépasse même régulièrement sur tous les aspects. Belle, intrigante et grandiose, si elle met du temps à se lancer, ce n’est que pour mieux terminer et nous donner envie de voir la suite. Espérons seulement que l’attente ne sera pas aussi longue.

CRÉATEURS : Ben Stiller, Dan Erickson
NATIONALITÉ :  Américaine
GENRE : Thriller
AVEC : Adam Scott, Britt Lower, John Turturro, Zach Cherry, Patricia Arquette
DURÉE : 10 x 50min
DISTRIBUTEUR : Apple +
SORTIE LE 17 janvier 2025

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Treize ans après, Bref fait son grand retour, et malgré les évolutions, notamment au niveau du format, la série conserve son style tout en réussissant à s’adapter aux attentes d’aujourd’hui. Cette saison 2 n’est pas un simple hommage nostalgique ou un remake paresseux : elle apporte une nouvelle dimension à son protagoniste et à sa narration, tout en restant fidèle à l’essence de la première saison.

En 2024, le contexte médiatique a bien changé. Canal+ n’ayant pas suivi, c’est sur Disney+ que Bref 2 voit le jour. Ce passage sur une plateforme témoigne d’un changement de forme. Cela implique donc une volonté d’adapter la série à un format plus long : six épisodes de 30 minutes, contre des pastilles de deux minutes auparavant. Malgré ce pari risqué, la série parvient à maintenir un bon rythme, alternant séquences rapides et moments plus posés pour mieux explorer son propos. Dès le premier épisode, elle amorce cette transition en utilisant des techniques familières de la première saison tout en imposant une narration plus étirée et immersive.

Avec cette saison 2, Bref ne se contente pas de revenir : elle se transforme pour mieux s’adapter à son époque. En acceptant de remettre en question son propre concept, elle parvient à rester pertinente sans renier son identité.

Si la saison originale s’amusait avec les situations absurdes et les galères du quotidien, Bref 2 adopte un ton plus introspectif. Le personnage principal, désormais quadragénaire, est confronté aux conséquences de ses choix passés. Là où la première saison s’intéressait à la jeunesse et à l’entrée chaotique dans la vie adulte, cette suite aborde des sujets plus profonds : le deuil, la solitude, la peur du changement, ou encore la remise en question de la masculinité.

La série prend du recul sur elle-même. Elle ne se contente pas de revisiter les codes qui ont fait son succès, mais les questionne. Ce regard critique permet de faire évoluer Bref au-delà de son propre héritage. Par exemple, le personnage principal, autrefois enfermé dans un quotidien répétitif et égocentré, apprend ici à comprendre les autres, à écouter plutôt qu’à simplement réagir.

Les scénaristes, Kyan Khojandi et Navo, tissent ainsi une réflexion sur l’évolution personnelle et sur le besoin de réévaluer ses certitudes. Ce travail d’introspection est mis en scène à travers une écriture toujours aussi habile, jonglant entre humour et émotion, notamment grâce à des métaphores marquantes.

Au-delà de l’histoire personnelle du protagoniste, Bref 2 s’inscrit dans une époque où les rapports humains, notamment amoureux, sont en pleine redéfinition. La série ne se prive pas d’évoquer les déséquilibres des relations, la crise du couple ou encore la difficulté de sortir d’un modèle de masculinité hérité du passé. Là où la première saison se contentait d’observer ces dynamiques avec un regard léger, cette suite les explore de manière plus approfondie.

Avec cette saison 2, Bref ne se contente pas de revenir : elle se transforme pour mieux s’adapter à son époque. En acceptant de remettre en question son propre concept, elle parvient à rester pertinente sans renier son identité. L’équilibre entre nostalgie et modernité est habilement dosé, offrant une suite qui, loin d’être une redite, s’impose comme une œuvre à part entière. Bref 2 ne cherche pas à donner des leçons. Son ton reste accessible, parfois naïf, mais jamais moralisateur.

Si cette saison fonctionne à ce point, c’est aussi grâce à son casting. On retrouve donc en toute logique une grande majorité des personnages de la première saison. Alice David, Bérengère Krief ou encore Baptiste Lecaplain, reprennent leurs rôles, et qui, au contraire du personnage de Kyan, ont bien avancé dans leurs vies. Mais c’est aussi l’occasion de voir de nouvelles têtes avec Laura Felpin, Jean-Paul Rouve et Alexandre Astier, pour ne citer qu’eux. Si chacun de ces personnages, ancien comme nouveau, apporte sa pierre à l’édifice, c’est réellement Laura Felpin et son personnage de Billie qui sort du lot, en rendant au fur et à mesure des épisodes, son personnage attachant et sincère.

En fin de compte, Bref 2 prouve qu’une évolution bien menée peut non seulement préserver l’essence d’une série, mais aussi l’enrichir. Ce retour était inattendu, mais il s’impose comme une réussite, démontrant qu’avec une bonne écriture et une vraie réflexion sur son propos, même une suite arrrivant treize ans après peut encore avoir quelque chose à raconter.

CRÉATEURS:  Kyan Khojandi et Bruno Muschio
NATIONALITÉ : Française
AVEC : Kyan Khojandi, Laura Felpin, Bérengère Krief, Alice David, Mikaël Alhawi, Baptiste Lecaplain
GENRE : Comédie, Drame
DURÉE :  6 x 30 min
DISTRIBUTEUR : Disney +
SORTIE LE 14 février 2025

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« Et si rien n’était nouveau ? Et si la vie ressemblait à un ensemble Lego ? Tu peux assembler les pièces comme tu veux, mais tu empruntes des couleurs qui existaient déjà. Ça a du sens, non ? ». Évidemment, dans le domaine musical où emprunter, s’approprier et réinventer sont des éléments fondamentaux de l’art, cette phrase, portée par Pharrell au début du documentaire, a ici tout son sens. Voir donc sa vie se dérouler avec des figurines Lego en mouvement correspond parfaitement à l’univers d’un personnage doux et réfléchi.

Le récit explore donc le parcours de Pharrell, depuis son enfance dans un foyer aimant à Virginia Beach, où il a fréquenté le lycée avec des talents comme Missy Elliot, Timbaland et Chad Hugo. L’histoire continue jusqu’à son ascension comme membre du duo de production légendaire, The Neptunes, et enfin comme artiste solo, atteignant l’apogée avec le méga-succès Happy (extrait de la bande originale de Moi, Moche et Méchant 2). Documentaire oblige, de nombreuses interviews de ses proches et de célébrités avec qui il a collaboré, telles que Snoop Dogg, Gwen Stefani, Justin Timberlake et Kendrick Lamar, agrémentent la narration. Cela donne lieu à des anecdotes et à des représentations de morceaux emblématiques d’une manière inédite, en matérialisant les processus créatifs de Pharrell : ses rythmes et mélodies apparaissent sous forme de constructions lumineuses et colorées.

Piece By Piece est une ode visuelle et sonore à une époque dorée de la musique pop et hip-hop, tout en étant une exploration imaginative de la créativité et de l’innovation. Bien qu’il ne soit pas parfait, le film est une expérience joyeuse et inspirante, à l’image de son sujet.

Le documentaire arrive à jongler entre des moments légers, comme des reconstitutions humoristiques de clips musicaux célèbres ou des scènes comme Pharrell, ayant un petit boulot à McDo, rapportant des nuggets à ses amis, et des passages plus personnels et introspectifs, comme la relation qu’il a avec sa grand-mère. Il aborde donc des aspects essentiels de sa vie, notamment sa relation avec sa femme Helen, son ego qui a temporairement mis à mal son partenariat avec Hugo, et même l’échec d’un album conçu pour plaire à un public large plutôt qu’à son instinct artistique.

Cependant, Piece By Piece n’est pas sans failles. Le documentaire tend à lisser et survoler certains aspects moins flatteurs de l’histoire du compositeur, comme la rupture des Neptunes ou ses difficultés créatives à la fin des années 2000. De plus, les fans regretteront l’absence de détails sur N.E.R.D. ou la minimisation du rôle de Timbaland dans l’industrie. Malgré ces limites, le documentaire réussit à capturer l’essence de Pharrell et à célébrer son héritage musical, tout en offrant une immersion sensorielle grâce à une bande-son riche de tubes produits par The Neptunes et Pharrell lui-même.

La majorité de son récit étant porteur d’un message positif, un fait rare de nos jours, les couleurs éclatantes du monde Lego se marient bien avec son histoire. Cependant, lorsque le ton s’assombrit vers la fin pour aborder des sujets comme la justice sociale et le mouvement « Black Lives Matter », cette transition est perceptible. En résumé, Piece By Piece est une ode visuelle et sonore à une époque dorée de la musique pop et hip-hop, tout en étant une exploration imaginative de la créativité et de l’innovation. Bien qu’il ne soit pas parfait, le film est une expérience joyeuse et inspirante, à l’image de son sujet.

RÉALISATEUR : Morgan Neville
NATIONALITÉ :  Américaine, Danois
GENRE : Documentaire, musical, animation
AVEC : Pharrell Williams, Chad Hugo, Jay-Z, Busta Rhymes, Gwen Stefani, Justin Timberlake
DURÉE : 1h33
DISTRIBUTEUR : Universal Pictures 
SORTIE LE 20 novembre 2024

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Godzilla Minus One est sorti en novembre dernier au Japon et diffusé en France pendant une très courte période (le 7 et 8 décembre uniquement). Cela s’explique par le fait que la Toho, distributeur historique des films Godzilla, demande d’énormes coûts liés aux droits d’exploitation de la franchise en dehors du Japon. C’est cette raison qui explique aussi l’absence d’exploitation en salles de Shin Godzilla (2016) en dehors de certains festivals avant sa sortie physique. Mais au vu de l’engouement généré lors de ces deux jours et des échos durant les jours suivants, Godzilla Minus One bénéficie d’une nouvelle sortie dans les salles de cinéma à partir du mercredi 17 janvier et pendant deux semaines. Revenons plus en détail sur l’un des meilleurs films de l’année 2023.

Takashi Yamazaki, (Always : Crépuscule sur le troisième rue, Lupin III : The First), commence l’écriture de ce film à partir de 2019. Il passera alors les trois années suivantes à l’écriture du script avec comme modèle le Godzilla de 1954. Il affirmera par ailleurs que l’anxiété générale de notre époque et le manque de fiabilité du gouvernement l’ont aussi inspiré. C’est avec un budget approximatif de 15 millions de $ (soit 10 à 20 fois moins que certains blockbusters américains) que Yamazaki met en images sa vision du kaijū. Et autant le dire tout de suite, c’est un pari réussi tant certaines séquences sont impressionnantes de crédibilité.

Le film raconte l’histoire de Roichi Shikishima, ancien pilote d’élite et kamikaze, qui, à quelques jours de la défaite officielle du Japon lors de la Seconde Guerre mondiale, décide de déserter. Il se réfugie alors sur une petite île sous prétexte de réparation de son véhicule. Godzilla débarque alors et décime l’intégralité des soldats de l’île à l’exception de Shikishima et Tachibana, un des mécaniciens. Rongé par la culpabilité d’avoir survécu sans rien pouvoir faire, mais aussi en sachant qu’il n’a pas servi son pays en tant que kamikaze, Shikishima décide de rentrer chez lui. Il tentera alors de reconstruire sa vie dans un quartier décimé par les bombes, tout en assurant la sécurité d’une femme et d’un bébé qui vivaient dans la rue. Pendant ce temps-là, Godzilla subissant les radiations d’un test nucléaire, grossit en taille et décide de s’en prendre aux terres les plus proches : le Japon.

Les scènes de monstre, bien que peu présentes, sont très réussies (si on ne prend pas en compte la carrure assez grotesque de Godzilla, qui se veut être un hommage aux films sortis dans les années 90), mais la véritable force du film réside dans l’histoire dramatique de Shikishima. Le film est en réalité un drame social et personnel sur fond de peur et de destruction massive. Godzilla a toujours représenté les peurs de la nation japonaise, comme le nucléaire en 1954 par exemple. Mais dans Minus One, Yamazaki va profiter de ce monstre pour parler plutôt du patriotisme envers un gouvernement affaibli et absent. En suivant l’évolution de Shikishima dans ce monde en ruines sans leader, le réalisateur en profite pour montrer un peuple n’ayant pas d’autre choix que de se reconstruire seul. Famine, maladie ou encore pauvreté, tout ce mélange a pour but de refléter l’incapacité du gouvernement japonais à défendre son peuple. On le voit aussi dans le dernier tiers, avec le groupe d’hommes bien décidé à stopper Godzilla. Ils ne sont pas réquisitionnés par leur pays, ils sont simplement volontaires pour protéger ce qu’il leur reste. Shikishima profitera alors de ce moment pour en finir avec ce mal qui le ronge depuis plusieurs années ; pour lui, la guerre n’était pas finie.

Film monumental qui nous rappelle la véritable nature de Godzilla : un destructeur. Quelques petites longueurs sont présentes, mais rien de dommageable. Tout le reste en fait l’un des meilleurs films de 2023.

L’autre différence est la représentation de Godzilla elle-même. Si les derniers films américains avaient pour habitude de nous le présenter comme sauveur de l’humanité, ici, il s’agit d’une véritable force de la nature, bien décidée à détruire et terroriser tout ce qu’elle peut.

Sur le plan technique, l’équipe responsable des décors a voulu rendre un véritable hommage aux films d’origine des années 50, nous entraînant alors avec réussite dans le Japon d’après-guerre. Les sublimes décors sont captés avec réussite par le réalisateur et permettent d’insister sur cette période de reconstruction que Godzilla tente d’empêcher. Les effets visuels sont impressionnants au vu du budget global, notamment l’ombre de Godzilla sous l’eau et même de manière globale, toutes les séquences l’impliquant. Le tout est accompagné par une bande-son signée Naoki Satō et se permet même de reprendre le thème original du film de 1954.

Comme rien n’est parfait, on peut souligner que le style de jeu japonais risque de déplaire à certains (surjeu et emphase sont au rendez-vous) et que le scénario verse parfois dans des choix scénaristiques trop faciles (notamment l’épilogue).

Film monumental qui nous rappelle la véritable nature de Godzilla : un destructeur. Quelques petites longueurs sont présentes, mais rien de dommageable. Tout le reste en fait l’un des meilleurs films de 2023. Peu de choses à redire, son visuel soigné et impressionnant, le scénario dramatique et accrocheur, en font une véritable porte d’entrée dans l’univers du célèbre kaijū.

RÉALISATEUR : Takashi Yamazaki
NATIONALITÉ :  Japonais
GENRE : Drame, Guerre, Science-Fiction
AVEC : Ryūnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Kuranosuke Sasaki
DURÉE : 2h05
DISTRIBUTEUR : Piece of Magic Entertainment France
SORTIE LE 17 janvier 2024

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Nous retrouvons de nouveau les différents peuples de la Terre du Milieu, plongeant encore plus profondément dans la tourmente après la révélation que Halbrand (interprété par un Charlie Vickers brillamment machiavélique) était en réalité Sauron déguisé, trompant ainsi Galadriel (Morfydd Clark). Parmi toutes les intrigues de ces huit épisodes, celle qui servira de fil rouge sera celle mettant en scène Sauron, exploitant la vanité et l’ego de Lord Celebrimbor (Charles Edwards) pour qu’il forge davantage d’anneaux.

Contrairement à la première saison, où Sauron représentait une menace dans l’ombre, dans cette deuxième partie, il commence à prendre une forme plus tangible. Son influence s’étend sur tout le continent, provoquant le chaos et préparant le terrain pour la création des anneaux, un événement crucial qui définira le destin de chacun des personnages.

Bien que les multiples fils narratifs prennent un certain temps à converger, l’histoire mène finalement le spectateur à des séquences de bataille palpitantes. La musique de Bear McCreary, s’harmonisant avec les compositions originales d’Howard Shore, résonne avec intensité dans les derniers épisodes

Chaque épisode de cette saison est conçu pour générer du suspense, révélant petit à petit l’ampleur véritable de la menace de Sauron. L’action augmente également de manière significative, avec de grandes batailles et des affrontements épiques entre elfes, orcs humains et autres races de la Terre du Milieu notamment dans les deux derniers épisodes. La série ne se contente pas de proposer une intrigue plus captivante, bien que toujours lente, que dans la première saison, elle élève aussi la qualité visuelle pour offrir des panoramas toujours plus impressionnants.

La série explore les histoires et les motivations de ces personnages, nous offrant une vision plus large du conflit à venir. Outre Galadriel qui poursuit sa quête à travers les tentations et l’intégrité, d’autres personnages émergent avec force dans cette suite, notamment Tom Bombadil (joué de façon attachante par Rory Kinnear), qui aide l’Étranger (Daniel Weyman) dans sa quête pour découvrir sa véritable destinée en tant que magicien. Dans le monde des Nains, les ego masculins s’entrechoquent encore : le roi Durin (Peter Mullan) et le prince (Owain Arthur) tentent de comprendre le pouvoir des anneaux, tandis que son épouse, Disa (Sophia Nomvete), se débat avec ses propres capacités. Pendant ce temps, Isuldur (Maxim Baldry) se heurte à des créatures redoutables et à des périls alors qu’il traverse la nature sauvage. Les elfes, les nains et les hommes joueront donc un rôle fondamental dans l’affrontement contre les ténèbres qui s’annoncent.

Là où dans la première saison, les dialogues pouvaient sonner faux par moments, ici le tout est plus digeste et naturel. Peu de nouveaux personnages sont introduits (tout du moins pour ceux ayant une importance dans l’histoire), cela permet le développement de figures déjà présentes depuis le début. Mais avec une vingtaine de personnages principaux et une multitude d’intrigues à suivre en parallèle, certains restent tout de même en retrait, comme Arondir (interprété par Ismael Cruz Córdova), qui dispose de moments forts, mais qui n’a quasiment aucune évolution.

Bien que les multiples fils narratifs prennent un certain temps à converger, l’histoire mène finalement le spectateur à des séquences de bataille palpitantes. La musique de Bear McCreary, s’harmonisant avec les compositions originales d’Howard Shore, résonne avec intensité dans les derniers épisodes. Les showrunners JD Payne et Patrick McKay continuent d’élargir l’univers de J. R. R. Tolkien, créant ainsi une série fantastique magnifiquement travaillée, capable de séduire tous ceux qui se laisseront tenter.

SHOWRUNNERS :  Patrick McKay et J.D. Payne
NATIONALITÉ : Américaine
AVEC : Morfydd Clark, Markella Kavenagh, Robert Aramayo, Daniel Weyman
GENRE : Drame, Fantasy, Action, Aventure
DURÉE :  8 x 60 min
DISTRIBUTEUR : Amazon Prime
SORTIE LE 29 aout 2024

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Le premier épisode s’ouvre en 1600 sur un navire anglais usé, émergeant de la brume et arrivant près des côtes japonaises avec à son bord une poignée d’hommes encore vivants. Le pilote, John Blackthorne (Cosmo Jarvis), est aussitôt capturé. Malgré des débuts difficiles, il prouve rapidement sa résilience et ses capacités, gagnant le respect de l’estimé, mais accablé, seigneur Yoshii Toranaga (Hirokiyuki Sanada) et se fera nommer « Anjin », qui se traduit par « pilote ».

Suite à la mort du bien-aimé Taikō, le Conseil des Régents fait face à de nombreux changements. L’ambitieux Ishido Kazunari, consumé par sa soif de pouvoir, conspire avec d’autres membres pour destituer et éliminer Toranaga. Blackthorne, initialement préoccupé à quitter ce pays avec ses hommes, se retrouvera bientôt embourbé dans des conflits plus vastes. Pour accompagner l’Anjin, Toranaga recrute Toda Mariko (Anna Sawai), une noble convertie au christianisme ayant un passé sombre et tragique, qui servira à Blackthorne de traductrice.

Avec une distribution talentueuse et une équipe de réalisateurs compétents, les co-créateurs Rachel Kondo et Justin Marks ont conçu une expérience cinématographique immersive. À voir si possible sur grand écran pour offrir à cette série la grandeur qu’elle mérite.

La série raconte un sujet vaste et utilise donc une narration complexe impliquant un casting croissant et des relations interconnectées. Les personnages révèlent parfois leurs lignées, et leurs histoires façonnent leurs identités actuelles. Au fur et à mesure que la série progresse, Toranaga et Mariko partagent une importance égale avec l’Anjin en tant que protagonistes. Les tenants de l’histoire et les relations entre les personnages changent constamment à cause des trahisons, de l’incompétence et de la fierté de tous. Le véritable suspense réside donc dans le thème de la loyauté et la différence de sa signification entre le Japon et l’Europe. Au Japon, elle est au-dessus de tout. À tel point qu’ils peuvent aller jusqu’à se suicider par « seppuku » pour maintenir leur honneur et leur fidélité. Des femmes, dont la vie a été épargnée malgré la condamnation à mort de leurs familles, se voient refuser la mort dans l’unique but de satisfaire la demande de leur maître. Blackthorne, tout en admirant leur courage, considère leur sacrifice par cet acte comme inutile.

Beaucoup de situations seront là pour apprendre à cet étranger que ce n’est pas toujours le cas. De nombreux personnages meurent au service de ce message. La signification derrière chacune est d’autant plus renforcée par les excellentes performances du casting. C’est notamment le cas avec les personnages de Kashigi Yabushige et Toda Mariko. Les deux rôles vivent dans une dualité entre le devoir et le désir. Yabushige veut la gloire et la fortune, mais il est prêt à tomber aux côtés de Toranaga pour ne pas ternir son nom dans cette quête (à moins qu’il puisse le faire sans risque). Mariko veut échapper à une vie pénible qu’elle croit dépouillée de sens, mais elle acceptera d’aider à chaque fois son maitre Toranaga.

L’ambiance et la réalisation sont imprégnées de la signification historique et culturelle de la nation. En utilisant Blackthorne comme spectateur étranger, le scénario peut nous éduquer à travers lui sur la beauté de cette terre et de ses coutumes. Finalement, il n’est pas question pour lui de sauver le Japon ou de se débarrasser des Espagnols. Shōgun raconte l’histoire du Japon se sauvant lui-même de la corruption que ces forces externes ont amenée sur ses côtes.

Au milieu des troubles politiques et de la violence brutale, la connexion entre l’Anjin et Mariko se renforce. La série ne se contente pas de représenter une violence atroce, mais inclut également des rencontres passionnées entre ses personnages attrayants, créant un équilibre captivant entre effusion de sang et intimité.

La réalisation est impeccable, l’image est visuellement superbe, et les costumes se révèlent à chaque fois un spectacle à admirer. « Shōgun » capture parfaitement la beauté du Japon tout en représentant le terrain impitoyable et accidenté du pays, y compris avec la menace omniprésente des tremblements de terre, des tsunamis et des hivers rigoureux. Les performances sont sans cesse solides, avec Anna Sawai et Hiroyuki Sanada offrant un travail particulièrement intense et percutant.

« Shōgun » se distingue comme une réinvention notable du livre de James Clavell. Elle est déjà récompensée comme l’une des mini-séries les plus remarquables de 2024 avec pas moins de 18 Emmys (dont meilleure série dramatique, meilleurs acteur et actrice pour Hirokiyuki Sanada et Anna Sawai) et une suite est déjà à l’œuvre. Avec une distribution talentueuse et une équipe de réalisateurs compétents, les co-créateurs Rachel Kondo et Justin Marks ont conçu une expérience cinématographique immersive. À voir si possible sur grand écran pour offrir à cette série la grandeur qu’elle mérite.

CRÉATEUR : Rachel Kondo et Justin Marks
NATIONALITÉ :  américaine
GENRE : drame historique
AVEC :  Cosmo Jarvis, Hiroyuki Sanada, Anna Sawai, Tadanobu Asano, Fumi Nikaidō, Takehiro Hira
DURÉE : 10x 53-70mn
DIFFUSEUR : Disney +
SORTIE : 27 février 2024

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Au travers des 10 épisodes, le showrunner, Christopher Storer, accorde ici beaucoup d’attention aux personnages principaux au travers de nombreux flashbacks. On le constate avec le premier épisode, intitulé « Le jour d’après », qui est un montage très prenant et centré sur Carmy et sur ses expériences passées dans différentes cuisines. Cependant, le dernier épisode laisse un goût doux-amer d’inachevé en bouche, comme si nous n’avions pas encore vu l’œuvre complète.

Même si le niveau général de cette saison est élevé, celui-ci baisse par la présence de plusieurs épisodes dans lesquels les insultes fusent, ce qui devient plus irritant qu’intéressant à force, tout en étant souvent ponctué d’apartés sur la quête de Carmy pour décrocher une étoile Michelin, ou encore la gestion du restaurant. Cela fait considérablement diminuer le rythme de l’histoire, si bien qu’au bout des dix épisodes, on a le sentiment d’une faible évolution des personnages et de leurs relations. On prend le temps de mettre en avant leur passé, mais sans pour autant les faire avancer.

Cette troisième saison ne poursuit pas nécessairement la progression établie par les deux précédentes, mais elle explore le sommet atteint avec des touches créatives, tout en cherchant un nouveau plafond à dépasser, ce que nous verrons peut-être dans la saison 4.

En sachant que les saisons 3 et 4 furent tournées coup sur coup, on comprend que celle-ci a plus servi de préparation et de lancement à différentes intrigues qui devraient trouver des réponses dans la suivante. C’est particulièrement visible avec un choix proposé à Syd qui sera laissé pour l’instant sans réponse ou encore la fermeture d’un établissement emblématique de Chicago dans l’épisode final, marquant le début d’une nouvelle ère pour la scène culinaire de la ville.

Les deux premières saisons de The Bear contenaient chacune un épisode qui a fait parler d’elle. « La critique » pour la première et « Les poissons » dans la seconde. Ici, c’est très certainement « Glace pilée » qui se distingue du reste. L’intrigue se concentre sur Natalie qui entre en travail et nous offre surtout le retour de Jamie Lee Curtis dans le rôle de la matriarche des Berzatto. Les performances exceptionnelles des actrices et le scénario émouvant de Joanna Calo permettent à cet épisode de trouver l’équilibre entre humour, tension et émotion. La recette qui a fait le succès initial de The Bear.

Christopher Storer a la tâche difficile de maintenir le niveau d’excellence avec chaque nouvelle saison. La première a introduit quelque chose de novateur et d’excitant à la télévision, ce qui a été renouvelé avec brio dans la seconde. Succès mérité par ailleurs, car récompensé avec 3 Golden Globes en janvier dernier (meilleure série musicale ou comique, meilleur acteur pour Jeremy Allen White et meilleure actrice pour Ayo Edebiri). Cette troisième saison ne poursuit pas nécessairement cette progression, mais elle explore le sommet atteint avec des touches créatives, tout en cherchant un nouveau plafond à dépasser, ce que nous verrons peut-être dans la saison 4.

CRÉATEUR : Christopher Storer
NATIONALITÉ :  Américaine
GENRE : Comédie dramatique
AVEC :  Jeremy Allen White, Ebon Moss-Bachrach, Ayo Edebiri, Lionel Boyce, Liza Colón-Zayas, Abby Elliott et Molly Gordon
DURÉE : 10x 28-44mn
DIFFUSEUR : Disney +
SORTIE LE 17 juillet 2024

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