Dans les coulisses d’une ambitieuse production de l’opéra «Les Noces de Figaro», les tensions montent lorsqu’une accusation d’agression sexuelle éclate, mettant en péril
la production et forçant chacun à prendre position. Les conflits d’opinion et de génération se font jour…

Le tout, satirique et caricatural à souhait, est enrobé par les ornementations musicales de Mozart, transformant l’ensemble en divertissement de bon aloi, dénué de profondeur et de réflexion.

Le film commence de manière très bancale. Une influenceuse, Mirabelle, est catapultée metteuse en scène d’opéra et est chargée d’organiser le spectacle des Noces de Figaro de Mozart, d’après la célèbre pièce de Beaumarchais au titre presque éponyme. Interviewée à la radio, elle ne cesse de débiter des banalités affligeantes sur le patriarcat, d’une voix mal assurée, voire des contresens, en qualifiant Mozart de féministe avant la lettre. Quelques instants plus tard, deux chanteuses, recrutées pour Les Noces de Figaro, Cora (Eye Haidara) et Sophie (Tiphaine Daviot) se disputent sur scène lors de répétitions, à la suite d’une déclaration maladroite de Sophie, se félicitant du recrutement de Cora, au nom de la diversité. Cora prend très mal cette défense implicite des quotas, ce qui fait que Sophie ne cesse de s’excuser platement. Continuons par un autre exemple : Daniel Auteuil jouant le chef d’orchestre, se réjouissant à tue-tête de ne pas se retrouver sur une liste d’agresseurs sexuels présumés. Enfin finissons sur des phallus géants se trouvant sur la scène de l’opéra, en guise d’oripeaux vacillants de la masculinité, dignes de Folies bourgeoises, l’un des pires films de Claude Chabrol ou des nanars de Tinto Brass. On pensait se trouver dans un film d’Agnès Jaoui ; on se retrouve dans un maelstrom de blagues sexistes et de sous-entendus racistes censés être désamorcés par l’humour et le sens de la dérision. Là où on espérait de la complexité et de la nuance, les séquences s’enchaînent avec la subtilité d’une auto-tamponneuse.

Pourtant, loin de nous l’idée d’accuser Agnès Jaoui d’antiféminisme. Féministe, elle l’a été très profondément, convertissant même Jean-Pierre Bacri, misogyne au départ, à sa cause. Mais depuis elle a pris ses distances avec le collectif 50/50 en raison de l’affaire Favreul/Beausson-Diagne, du nom d’une ex-administratrice du collectif, Juliette Favreul, accusée de harcèlement sexuel, puis ensuite relaxée. Dans son film, Agnès Jaoui tente en vain de réconcilier toutes les parties, de considérer les plaintes des victimes mais aussi les excuses des coupables., solidaires d’un ordre antérieur persistant. Ce parti pris humain, voire humaniste, finit par porter tort au parti des victimes, car, considérés avec bienveillance, les agresseurs sont finalement exemptés de toute responsabilité individuelle, étant eux-mêmes victimes d’un système global, le fameux patriarcat. En dépit de toutes ses bonnes intentions, Agnès Jaoui finit donc par s’enliser dans une caricature creuse du débat #MeToo, et donner à penser sous l’égide de Mozart, que les revendications féministes sont amenées à continuer, y compris dans le monde d’aujourd’hui.

Le tout, satirique et caricatural à souhait, est enrobé par les ornementations musicales de Mozart, transformant l’ensemble en divertissement de bon aloi, dénué de profondeur et de réflexion. Passons sur le fait un peu gênant que le play-back des comédiens sur une bande-son de chanteurs d’opéra s’avère un désastre complet, en raison du décalage permanent entre l’ouverture des lèvres et le son censé en sortir. Néanmoins on ne peut s’empêcher de penser que le choix de l’opéra, pour traiter de #MeToo, n’est ni représentatif ni judicieux et sert davantage à ensommeiller et adoucir les consciences, plutôt qu’à les réveiller.

Seul point positif du film, la révélation de jeunes actrices, Eye Haidara (déjà vue dans Le Sens de la fête et En thérapie), Lucie Gallo et Tiphaine Daviot (la série HP) qui tirent leur épingle du jeu d’un film emberlificoté dans ses contradictions et ses caricatures. L’Objet du délit est dédié à Jean-Pierre (Bacri). On pourrait croire que l’absence du co-auteur de prédilection d’Agnès Jaoui serait la principale cause de l’échec de ce film. C’est peut-être le cas mais rappelons à tout bon entendeur que l’ensemble des films postérieurs au Goût des autres (César du meilleur film en 2001), co-scénarisés à l’époque par Jean-Pierre Bacri, n’ont guère laissé de traces mémorables, contrairement à Cuisine et dépendances, Un air de famille et les films scénarisés pour Alain Resnais. Il en sera de même pour L’Objet du délit, dont on aurait aimé pourtant dire du bien.

RÉALISATRICE : Agnès Jaoui
NATIONALITÉ :  française 
GENRE : comédie dramatique, musical, 
AVEC : Agnès Jaoui, Daniel Auteuil, Claire Chust, Lucie Gallo, Eye Haidara, Tiphaine Daviot
DURÉE : 2h13 
DISTRIBUTEUR : StudioCanal 
SORTIE LE 27 mai 2026

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Dans un immeuble au cœur de Séoul, une mystérieuse contamination se répand. Une simple morsure suffit pour devenir un être violent et dénué de conscience. Face à cette situation, les autorités décident de boucler le gratte-ciel : personne ne peut s’échapper. Les survivants se retrouvent piégés, ils doivent rester solidaires pour espérer s’en sortir. Malheureusement pour eux, leurs stratagèmes sont rapidement mis à mal par les infectés, de plus en plus rapides et intelligents. Ils apprennent, mais comment ? Une lutte pour survivre s’engage entre les deux groupes.

Une œuvre politique, dans l’air du temps, qui interroge nos responsabilités individuelles et collectives à l’heure des pandémies

Dans Colony, tout part d’un malentendu : « les tragédies naissent d’une mauvaise communication », peut-on entendre à plusieurs reprises. Le partage d’information est le nerf de la guerre dans le film de Sang-ho Yeon, il fait et défait les alliances. L’originalité du film tient dans la façon dont les zombies interagissent entre eux : ils ne sont pas une simple force de la nature, ils sont une civilisation en devenir, unie par un esprit commun. Ils forment une unité. Si l’un d’eux entend ou voit un survivant, il peut immédiatement partager l’information par un réseau similaire à celui du « blob », cet intrigant organisme unicellulaire. Une interconnexion qui rend difficile, voire impossible, tout malentendu entre les membres d’un même groupe. Au passage, elle supprime aussi toute individualité : seule compte la pensée du chef autoritaire de la colonie. Le film oppose trois sphères à cette nouvelle humanité : politique, scientifique et publique. Chacune dispose de ses propres pouvoirs d’action, ses rôles et ses ordres. Le gratte-ciel se transforme en laboratoire social où le cinéaste questionne les choix et responsabilités de chacune de ces sphères. Les zombies sont le miroir de nos propres failles : l’effet de groupe peut nous rendre monstrueux. Vaut-il mieux être seul que mal accompagné ? Qui doit endosser la responsabilité d’un choix aux conséquences collectives ? Apprend-on réellement de nos erreurs ? Les questions soulevées par le film sont aussi nombreuses que stimulantes.

Plus qu’un parallèle avec la pandémie du Covid, Colony est une œuvre sur la difficulté de communiquer dans un monde saturé d’enjeux sociétaux et individuels. Selon l’information dont nous disposons à un moment donné, une personne à secourir peut devenir une victime collatérale : une perte justifiée par un plus grand dessein. Là où Peninsula péchait par excès, privilégiant le grand spectacle à la profondeur de ses thématiques, Colony parvient à trouver un meilleur équilibre entre le fond et la forme. Dommage toutefois que la réalisation soit aussi balisée, manquant de mordant et d’originalité, malgré quelques séquences bien trouvées. Nous sommes globalement en terrain connu, entre lieux communs et comportements attendus. Là où Sang-ho Yeon tire son épingle du jeu, c’est dans la façon dont il donne vie à son idée de colonie interconnectée, notamment grâce à l’excellent travail sonore du film. Un honnête et pertinent divertissement horrifique.

RÉALISATEUR : Sang-Ho Yeon
NATIONALITÉ : Corée du Sud
GENRE : Horreur
AVEC : Gianna Jun, Kyo-hwan Koo, Ji Chang-Wook
DURÉE : 2h02
DISTRIBUTEUR : ARP Sélection
SORTIE LE 27 mai 2026

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La première partie du film, avant que ne survienne le drame, nous plonge dans le quotidien de Michal qui court à pied, prend sa douche, s’habille, s’occupe de Dominika, l’installe dans sa voiture et prend la route du journal. S’ensuivent une série d’actions aussi nombreuses que diverses où on assiste à une concentration du temps ou plutôt au resserrement d’un grand nombre d’actions dans un temps relativement court, qui souligne le caractère préoccupé, voire très occupé, de la journée de Michal. Ceci interviendra a posteriori comme une façon à visée explicative de déterminer le drame. Encore une fois, nous vivons les choses de l’intérieur et en accord avec son regard nous croyons voir ce qu’il perçoit comme la réalité. Une réalité trompeuse en vérité qui est à l’origine du drame. Celui-ci est sans doute le plus affreux que l’on puisse connaître et engage la responsabilité de Michal qui n’en peut mais de se sentir coupable malgré l’explication clinique du phénomène. En effet, ce dernier passe par toutes les phases du deuil, de la culpabilité à la dépression en passant par une tentative d’auto-justification de son geste. Nous suivons avec la caméra en gros plan et scrutons les moindres émotions du personnage, nous rendant solidaires de son destin.

La publicité organisée autour de ce genre d’affaires laisse ici place au sentiment des acteurs du drame eux-mêmes et le film investigue à travers les réactions des personnages ce qu’on peut ressortir de ce type d’évènement

La conception de ces longs plans-séquences a demandé une extrême précision et une préparation intense pour prévoir tous les mouvements de caméra afin de les synchroniser avec le mouvement des acteurs en plein jeu, passant d’une voiture en marche à la steadycam puis à une grue. Au moment du procès, Michal ressent comme une sensation de vertige et la caméra s’égare parmi les hauteurs de la salle tandis que le bruit extérieur à la source duquel va chercher la caméra en visant à travers la fenêtre fait entendre des cris d’enfants qui jouent, soulignant le manque affectif dont souffre Michal tout en rappelant de façon obsessionnelle le drame. La question reste de savoir si le couple – ou comment – va traverser cette crise brutale. Mais à aucun moment le film ne porte de jugement sur les personnages, nous laissant libres de réfléchir à ce que nous aurions fait à leur place et si la même chose pourrait nous arriver.

La publicité organisée autour de ce genre d’affaires laisse ici place au sentiment des acteurs du drame eux-mêmes et le film investigue à travers les réactions des personnages ce qu’on peut ressortir de ce type d’évènement, car il est aussi une histoire d’amour et celle d’un couple qui doit faire face à l’impensable avec le déchirement personnel que cela implique : Michal en appelle même à la sévérité de la justice contre lui-même, portant tout le poids de la culpabilité sur ses épaules et la relation de couple avec Zuzka est entièrement remise en question. La pression extérieure est intense et se fait durement ressentir avec l’étreinte exercée par les journalistes sur Michal et son procès, par le public – à travers Internet ou le vieil homme qui porte une pancarte – ainsi même que par sa collaboratrice du journal qui vitupère contre lui alors qu’elle se croit à l’abri d’être entendue. Mais il faut bien dire que cette attaque en règle se brise contre l’humanité du personnage de Michal et l’amour qu’il porte en lui pour sa fille comme pour sa compagne. Une exploration des pensées et des sentiments les plus intimes que peut vivre un homme en plein drame.

RÉALISATEUR : Tereza Nvotova
NATIONALITÉ :  Slovaquie, République tchèque, Pologne
GENRE : Drame
AVEC : Milan Ondrik, Dominika Moravkova, Peter Bebjak
DURÉE : 1h42
DISTRIBUTEUR : Epicentre Films
SORTIE LE 27 mai 2026

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En 2004, après le décès de sa mère en décembre, Elsa, réalisatrice de publicités, se réfugie dans le travail pour surmonter son deuil. Lorsqu’une crise d’angoisse l’oblige à faire une pause, elle décide de partir à Lanzarote avec son amie Patricia pendant le long week-end de la fête de la Constitution de 2004, tandis que son petit ami (Bonifacio, strip-teaseur et pompier) reste à Madrid. En 2025, le cinéaste Raúl écrit un scénario qui s’avère être l’histoire d’Elsa, l’alter ego de Raúl. Raúl se plonge dans l’autofiction pour surmonter sa panne d’inspiration, et s’inspire de sa propre vie, de son petit ami Santi et de son assistante Mónica.

Un film mineur d’Almodóvar mais qui s’assume consciemment en tant que tel, ce qui fait que, paradoxalement, on peut y éprouver bien plus de plaisir que dans des opus présumés majeurs 

Dans un univers toujours aussi coloré que d’habitude, Almodóvar (depuis belle lurette, il ne signe plus ses films que de son seul nom) nous présente cette fois-ci un film sur la création en train de se faire. On l’avait laissé sur l’impression mélancolique, voire très funèbre de La Chambre d’à côté. La première impression en voyant son nouveau film, c’est le plaisir de le retrouver avec de la vitalité, de la joie et de l’humour (toujours aussi corrosif). Almodóvar a toujours envie de vivre et d’en découdre, et il le fait bien savoir dans son film, au cas où certains en auraient douté. On aura ainsi droit à un numéro de strip-tease masculin qui donnera des vapeurs à certaines (voire certains) et à des échanges dialogués hors pair, en particulier sur la notion de film culte. Le dialogue d’Almodóvar fuse comme à ses plus belles heures et nous ne boudons pas notre bonheur.

Mais l’Almodóvar d’aujourd’hui est et restera toujours mélancolique. Le personnage de la fiction, Elsa souffre de crises d’angoisse ; dans la réalité, son assistante a confié au cinéaste Raúl l’histoire du suicide de son amie Natalia, histoire qu’il va utiliser sans sa permission dans son scénario. Donc le mélodrame indissociable de la majorité de l’oeuvre d’Almodóvar va finir par rattraper le film et le faire basculer du côté de la gravité.

Autofiction (Noël amer, en version espagnole, d’après le titre du scénario du film de Raúl) est un film mineur d’Almodóvar mais qui s’assume consciemment en tant que tel, ce qui fait que, paradoxalement, on peut y éprouver bien plus de plaisir que dans des opus présumés majeurs comme Douleur et gloire ou La Chambre d’à côté. Almodóvar désamorce d’emblée toute critique en faisant lui-même sa propre autocritique, en décrivant son alter ego comme un auteur en manque d’inspiration, obligé de puiser dans des éléments de sa vie et de celle de ses proches pour faire encore illusion, et en évoquant lui-même cette notion de film mineur qui doit le tarauder. On peut noter tout de même que Almodovar renouvelle ici quasiment toute sa distribution en faisant appel à des comédiens jamais employés dans sa filmographie.

Or, si aucun élément ne surprend vraiment (la vivacité comique évoquant les comédies de sa jeunesse, avec des piques adressées à Netflix ou des comparaisons immodestes avec Bergman et Fellini ; la mélancolie des dernières oeuvres finissant par envahir l’ensemble) ni même le mélange des deux (Almodóvar étant un spécialiste des récits en forme de poupées russes), l’ensemble semble véritablement mineur. Mais c’est au moment où on ne l’attend plus, que Almodóvar sort une incroyable dernière carte, une séquence fabuleuse de conversation furibarde à couteaux tirés entre le cinéaste et son assistante, où elle lui reproche sa malhonnêteté et sa traîtrise créatrice. Or si l’ensemble se révèle objectivement mineur, cette pénultième séquence ne l’est assurément pas. Raúl y trouve la source d’inspiration pour modifier son scénario et tout centrer autour de la figure de son assistante. Le créateur a retrouvé sa loi du désir.

RÉALISATEUR : Pedro Almodóvar 
NATIONALITÉ :  espagnole 
GENRE : comédie dramatique 
AVEC :  Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma
DURÉE : 1h51 
DISTRIBUTEUR : Pathé Films 
SORTIE LE 20 mai 2026 

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Réalisateur mondialement célèbre, Esteban Martínez revient en Espagne pour tourner son nouveau film. Il en offre le rôle principal à une jeune actrice inconnue, sa fille, Emilia, qu’il n’a pas vue depuis treize ans. La jeune femme accepte cette formidable opportunité, mais sait qu’à l’occasion de ce tournage, elle va se confronter à un homme qu’elle n’a jamais pu considérer comme un père. Le poids du passé menace de rouvrir leurs blessures.

L’Etre aimé qui, en dépit de quelques imperfections, parvient à tenir son pari d’un renouvellement de style et d’univers, quelque part entre Valeur sentimentale de Joachim Trier et Le Mépris de Jean-Luc Godard.

Le film de Rodrigo Sorogoyen commence assez fort avec une séquence de retrouvailles au restaurant d’un père, cinéaste célèbre, et de sa fille qu’il a perdue de vue depuis treize ans. Cette séquence, sans crier gare, va s’étendre jusqu’à faire vingt minutes, passant du plaisir des retrouvailles à l’amertume du temps perdu, allant jusqu’à évoquer en moins tendue et agressive, la fameuse séquence introductive d’affrontement dialogué à couteaux tirés de The Social Network de David Fincher, entre Rooney Mara et Jesse Eisenberg, à la différence qu’elle est filmée en plans beaucoup plus serrés, ne perdant rien des nuances des expressions de Javier Bardem et Victoria Luengo. En l’occurrence, Sorogoyen marque les esprits en organisant cette rencontre de virtuoses de l’art dramatique, Bardem excellant en père prodigue et Victoria Luengo se révélant au plus haut niveau en fille délaissée. L’incompréhension se révélera finalement totale lorsque le père évoquera des sorties au cinéma qui demeurent parmi ses meilleurs souvenirs alors qu’ils représentaient un calvaire pour Emilia. Le contrat mis en place entre le père et la fille ressemble beaucoup à celui que voudrait mettre en scène Gustav Borg dans Valeur sentimentale pour sa fille Nora,

Ensuite à partir de la quarantième minute, le tournage commence, mise en abyme de film dans le film, grand classique du cinéma. Bien plus que La Nuit américaine de Truffaut, trop bon enfant, le tournage chaotique et difficile du film d’Esteban Martinez évoque plutôt celui du Mépris (qu’on ne voit quasiment pas pendant le film de Godard) ou celui de Prenez garde à la sainte putain de Rainer Werner Fassbinder. De la même manière que pour la séquence introductive, Sorogoyen marque les esprits par une séquence de tournage de repas qui va virer au drame et obliger à remplacer le directeur de la photographie.

Le film tourné ainsi que le tournage ressemblent plutôt donc à ceux de Godard et d’Antonioni, ce qui montre le chemin parcouru par Sorogoyen qui ne se considère plus comme un simple pourvoyeur de cinéma à grands frissons. Le souci, c’est que, dans sa quête de légitimité artistique, il se livre gratuitement à des coquetteries stylistiques (changement de ratio, passage de la couleur au noir et blanc) qui s’avèrent totalement dépourvus de sens. Heureusement, sa direction d’acteurs et son tandem central Bardem-Luengo se révèlent être suffisamment solides pour maintenir l’intérêt pendant tout le film, envers deux personnages entre lesquels un mur d’incompréhension existera presque toujours.

RÉALISATEUR : Rodrigo Sorogoyen
NATIONALITÉ :  espagnole 
GENRE : drame
AVEC : Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo
DURÉE : 2h15 
DISTRIBUTEUR : Le Pacte 
SORTIE LE 16 mai 2026 

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En quête d’inspiration pour son nouveau roman, Sylvie espionne ses voisins d’en face. Quand
elle engage le jeune Adam pour l’aider dans son quotidien, elle ignore que celui-ci va
bouleverser sa vie et son travail, jusqu’à ce que la fiction qu’elle avait imaginée dépasse leur
réalité à tous.

Il semble que Farhadi, coupé de sa source d’inspiration principale, son pays, ne puisse renouveler réellement son inspiration, ce qui est parfois le lot de cinéastes exilés dans d’autres contrées pour l’exercice de leur art.

Le film commence de manière plutôt passionnante : un jeune homme, Adam (Adam Bessa) débarque à Paris sans le sou. Dans le métro, il vole au secours de Céline (India Hair) qui s’est fait voler son portefeuille, ce qui lui permet d’être embauché pour servir d’homme à tout faire à la mère de Céline, Sylvie (Isabelle Huppert), une écrivaine qui sort à peine de chez elle. Afin de trouver l’inspiration, elle espionne ses voisins d’en-face grâce à un télescope. Dans le nouveau roman qu’elle est en train d’écrire, elle leur invente une vie imaginaire qu’elle transcende par l’écriture.

Une fausse rumeur avait indiqué que Histoires parallèles se déroulait pendant la période des attentats du Bataclan. Que nenni! Se passant à une époque contemporaine, sans repères temporels particuliers, Farhadi orchestre en fait un va-et-vient entre réalité et fiction. On fait d’abord connaissance avec les personnages imaginés par Sylvie dans son roman, à partir de silhouettes observées de sa fenêtre, Anna, Nicolas et Théo, avant que Adam, poussé par un désir de curiosité plus ou moins légitime, ne traverse la rue et décide de faire connaissance avec les modèles réels de ces personnages imaginaires, Nita, Pierre et Christophe (respectivement Virginie Efira, Vincent Cassel et Pierre Niney). Car Adam a lu des extraits du roman rédigé par Sylvie et voudrait bien savoir si le réel correspond à la fiction, voire influer sur la vie de ces personnes devenues des personnages. Véritablement manipulateur et vampirisant sous des airs faussement doucereux, Adam (Adam Bessa, très juste, déjà remarqué dans Harka et Les Fantômes) va semer le désordre dans les vies des modèles des personnages fictionnels.

C’est bien là où le bât blesse, Le jeu va s’avérer dangereux et extrêmement pervers pour les protagonistes, et surtout tourner progressivement à vide pour les spectateurs. Car si, pendant une heure, l’intrigue sera menée tambour battant, jouant à satiété des effets de montage, pour raccorder écriture et réalité, ou montrer leurs divergences, elle finit par s’étioler au fur et à mesure du film. La mise en parallèle fiction/réalité perd de sa pertinence et de son originalité, par abus de répétition du procédé. Comme les personnages observés travaillent dans un studio de post-synchronisation de films, Farhadi opère un parallélisme entre la vue à longue distance effectuée par Sylvie et les sons produits par le trio de personnages.

Malheureusement l’opposition image voyeuriste et son élaboré par un studio de post-synchronisation demeure fondamentalement scolaire et ne révèle aucunement l’intériorité des personnages. Ce qui n’était nullement le cas du modèle qui a directement influencé Farhadi, Brève histoire d’amour aka Le Décalogue numéro 6, de Krysztof Kieslowski, qui dévoilait progressivement la nudité des âmes de ses protagonistes. Devant la formidable simplicité du Kieslowski, une des plus belles histoires de voyeurisme jamais filmées, puisque débouchant sur une expression naturelle des sentiments, sans jamais dériver vers la mièvrerie d’une fin heureuse, on se dit que Farhadi a peut-être davantage accumulé divers couches narratives, pour aboutir à un résultat finalement assez vain. Car Histoires parallèles aboutit à une sorte de pladoyer pro #MeToo sans qu’on ne partage jamais les sentiments ou les émotions des personnages, réduits à de vaines gesticulations de pantins sans âme et à des déclamations de dialogues assez plats. Souvent « less is more », ce qui était le cas chez Kieslowski, et en l’occurrence, c’est plutôt l’inverse, en dépit de l’octroi d’une durée généreuse de 2h20. Sans être pour autant déshonorant, Histoires parallèles semble souffrir de la même crise d’inspiration que sa protagoniste Sylvie, obligé de regarder chez ses voisins, tout comme Farhadi a été obligé de chercher l’inspiration chez Kieslowski.

Asghar Farhadi avait déjà rencontré des expériences peu concluantes dans ses films internationaux, en témoigne son Everybody knows espagnol qui a laissé peu de souvenirs en film d’ouverture, ou même son premier tournage français, Le Passé, en 2013, treize ans auparavant, qui avait permis à Bérénice Béjo d’obtenir un Prix d’interprétation féminine, ce qui avait caché la faiblesse du propos général. Il semble que Farhadi, coupé de sa source d’inspiration principale, son pays, ne puisse renouveler réellement son inspiration, ce qui est parfois le lot de cinéastes exilés dans d’autres contrées pour l’exercice de leur art.

RÉALISATEUR : Asghar Farhadi 
NATIONALITÉ :  française, iranienne 
GENRE : drame 
AVEC : Isabelle Huppert, Virginie Efira, Vincent Cassel, Pierre Niney, Adam Bessa, India Hair
DURÉE : 2h20 
DISTRIBUTEUR : Memento Distribution 
SORTIE LE 14 mai 2026 

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Salvadori transforme ainsi son récit en véritable réflexion sur le spectacle en général, et le cinéma lui-même : un théâtre de faux-semblants où chacun joue un rôle pour survivre à la réalité.

Paris, 1928. Antoine Balestro, jeune peintre en vogue, n’arrive plus à travailler depuis la mort de son épouse et désespère Armand, son galeriste. Un soir d’ivresse, Antoine tente d’entrer en contact avec sa femme par l’intermédiaire d’une voyante. Sans le savoir, il parle en réalité avec Suzanne, une modeste foraine qui s’est glissée dans la roulotte pour y voler de la nourriture. Suzanne se révèle douée pour l’imposture et, rapidement secondée par Armand, elle enchaîne les fausses séances. Peu à peu, Antoine retrouve l’inspiration, mais pour Suzanne les choses se compliquent alors qu’elle tombe doucement amoureuse de l’homme qu’elle manipule…

Le scénario, écrit par Pierre Salvadori, sur une idée de Rebecca Zlotowski et de Robin Campillo, parvient dans un étonnant numéro d’équilibriste à faire cohabiter tragédie, légèreté, romantisme et macabre. Le film joue constamment sur les quiproquos et les faux-semblants, tout en restant extrêmement fluide et accessible. Mieux, le long métrage ne prétend jamais se moquer ni de ses personnages ni de ses spectateurs. Si certaines scènes font rire et assument un aspect théâtral indéniable, l’ensemble est intelligent et assez subtil. En résumé, on se situe davantage dans un univers à la Bruno Podalydès que dans celui d’un Jean-Pierre Jeunet.

La grande réussite du film réside également dans sa mise en scène. Salvadori filme les décors parisiens comme des espaces de représentation, presque des plateaux de théâtre, où chaque personnage invente sa propre fiction. Certaines idées visuelles rappellent autant le cinéma muet que les grandes comédies sophistiquées hollywoodiennes, avec plusieurs références cinématographiques disséminées dans le récit. Le film est très bien dialogué, souvent drôle, mais sans jamais sacrifier l’émotion. Cette manière de faire coexister humour et tristesse (que l’on retrouve dans la jolie musique signée Camille Bazbaz) donne au film une vraie singularité.

Certaines idées visuelles rappellent autant le cinéma muet que les grandes comédies sophistiquées hollywoodiennes

Côté interprétation, le casting fonctionne. Anaïs Demoustier, Vimala Pons, Pio Marmaï et Gilles Lellouche sont tous excellents, et l’on sent chez eux un réel plaisir de jeu. Leur énergie collective participe énormément au charme du film, notamment dans les scènes de manipulation et de quiproquos, qui reposent sur un sens du rythme très précis.

Avec cette comédie romantique burlesque, mélancolique et profondément cinéphile, et qui lorgne du côté de la fable douce-amère, La Vénus électrique réussit à être bien plus qu’un simple divertissement. Pierre Salvadori signe un film vivant, intelligent et émouvant, qui interroge notre besoin d’illusion tout en célébrant le pouvoir du cinéma. Une très belle surprise, portée par une écriture subtile et des acteurs inspirés.

RÉALISATEUR : Pierre Salvadori
NATIONALITÉ : France, Belgique
GENRE : Comédie, romance
AVEC : Pio Marmaï, Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Vimala Pons
DURÉE : 2h02
DISTRIBUTEUR : Diaphana Distribution
SORTIE LE 12 mai 2026

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Tout le monde connaît le nom de Samuel Paty, mais peu de gens connaissent réellement son histoire. Le 16 octobre 2020, Samuel Paty, professeur d’histoire-géographie, est assassiné à la sortie de son collège. À la lumière des enquêtes et des procès, ce film revient sur ses onze derniers jours, et l’engrenage qui a conduit à sa mort tragique.

L’Abandon permet de se faire une idée très précise et fidèle de ce qui s’est passé à cette époque, en suscitant le débat mais sans prendre parti, ce qui constitue la grande force du film mais aussi sa limite principale.

Vincent Garenq, ancien diplômé de la FEMIS section réalisation en 1992, a surtout tourné des documentaires et des fictions pour la télévision, avant de devenir metteur en scène de cinéma en 2008 avec une comédie dramatique sur l’homoparentalité, Comme les autres. Depuis, il s’est spécialisé dans la restitution d’affaires politico-judiciaires (Clearstream, Outreau, Dieter Krombach, etc.) Il paraissait donc le bon client pour mettre en scène l’affaire Samuel Paty. L’Abandon bénéficie ainsi d’une reconstitution très précise, jour après jour, – à la ligne de dialogue près-, quasiment documentaire de l’agenda des onze derniers jours de ce professeur d’histoire géo. On pouvait certainement faire confiance à Vincent Garenq pour effectuer un très bon travail, en étant le plus proche possible des faits qui se sont déroulés.

Pour la première fois, en rôle principal, Antoine Reinartz, remarqué en second rôle dans 120 battements par minute et surtout Anatomie d’une chute en procureur intraitable, prouve à nouveau l’excellence incontestable de son jeu d’acteur. Respectueux de chacun, parfois indécis, profondément tolérant, Samuel Paty prend une dimension humaine d’incarnation, sensible et à fleur de peau, qui peut le rendre proche de tout spectateur. Le reste du casting (Emmanuelle Bercot en principale du collège, les collègues de Samuel, les référents académiques, les élèves, leurs parents) se révèle parfaitement à l’unisson et criant de vérité.

Pourtant, si L’Abandon reconstitue très bien les circonstances de l’engrenage qui a mené à cette mort tragique, il manque de distance par rapport aux faits et de point de vue sur son histoire, se contentant d’un bout-à-bout de tous les jours ayant contribué à la progression de ce drame. Par exemple, le film commence par un court prologue qui fait entendre sur des images de Samuel Paty marchant de dos le 16 octobre vers son destin, la voix d’outre-tombe du professeur avouant qu’il aurait préféré rester anonyme : « je n’ai jamais rêvé d’être un héros…mais que ma vie ait un sens…qu’elle serve à quelque chose. Je n’imaginais pas être exaucé à ce point« . Le film aurait pu se passer cet incipit maladroit faisant intervenir Samuel Paty à la manière de William Holden dans Sunset Boulevard. Paty est souvent filmé de dos, de manière très dardennienne, la caméra se concentrant plus ou moins volontairement sur sa nuque, ce qui va susciter à chaque fois un certain malaise, au souvenir de ce qui est arrivé au pauvre professeur.

Si le film ne verse pas dans le politiquement correct et met directement en cause la jeune élève Bachira Saidi qui a dénoncé sans avoir même assisté au cours « litigieux », son professeur, il eût été possible pour Samuel Paty de concevoir son cours sur la liberté d’expression, en ne montrant pas toutes les caricatures de Mahomet dans Charlie Hebdo, mais seulement quelques-unes, en évitant de montrer celles qui le montrait nu. Il aurait dû comprendre que cela pouvait avoir un caractère offensant envers les membres d’une certaine communauté. Il l’avait d’ailleurs d’une certaine manière compris en proposant aux élèves qui ne souhaitaient pas regardé ces caricatures de sortir de la classe. Mais ce faisant, il s’exposait à une accusation de discrimination envers certains élèves alors qu’il aurait peut-être dû aménager son cours en fonction des diverses sensibilités religieuses. Cette erreur fatale lui a coûté la vie. Car malheureusement Samuel Paty aurait aussi pu éviter ce drame, en contrôlant mieux son cours au départ, même si ses intentions étaient irréprochables.

Certes le film ne permet pas d’exclure, loin de là, la responsabilité du père Saidi dans l’aggravation du drame, en accusant Samuel Paty nommément dans une vidéo postée sur les réseaux sociaux. Mais Vincent Garenq a tenu à respecter une certaine neutralité à l’égard des acteurs de ce drame, en évitant de les mettre trop ouvertement en cause. Il en est ainsi de la police et des responsables administratifs qui n’ont pas fait grand’chose pour protéger l’infortuné professeur. Tel quel, L’Abandon permet de se faire une idée très précise et fidèle de ce qui s’est passé à cette époque, en suscitant le débat mais sans prendre parti, ce qui constitue la grande force du film mais aussi sa limite principale.

RÉALISATEUR : Vincent Garenq 
NATIONALITÉ :  française 
GENRE : drame
AVEC :  Antoine Reinartz, Emmanuelle Bercot, Emma Boumali
DURÉE : 1h40 
DISTRIBUTEUR : UGC Distribution
SORTIE LE 13 mai 2026 

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Du 12 au 23 mai 2026, retrouvez notre couverture complète de cette 79ème édition du Festival de Cannes : nos critiques des films projetés, nos photos de l’évènement et plus encore. Vivez le festival avec MovieRama !

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En compétition

• Quelques jours à Nagi de Koji Fukada
• La Vie d’une femme de Charline Bourgeois-Tacquet
• Fatherland de Pawel Pawlikowski
• Histoires parallèles d’Asghar Farhadi
• Soudain de Ryusuke Hamaguchi
• Gentle Monster de Marie Kreutzer
• Sheep in the box de Hirokazu Kore-eda
• L’Etre aimé de Rodrigo Sorogoyen
• Paper Tiger de James Gray
• Moulin de Laszlo Nemes
• Garance de Jeanne Herry
• Hope de Na Hong-jin
• L’Inconnue d’Arthur Harari
• Fjord de Cristian Mungiu
• Autofiction de Pedro Almodóvar 
• Minotaure de Andrei Zviaguintsev
• Notre Salut d’Emmanuel Marre
• The Man I love d’Ira Sachs
• La Bola Negra de Javier Calvo et Javier Ambrossi
• Coward de Lukas Dhont
• L’Aventure rêvée de Valeska Grisebach
• Histoires de la nuit de Léa Mysius

Hors compétition

• La Vénus électrique de Pierre Salvadori (ouverture de la Sélection Officielle)
• L’Abandon de Vincent Garenq

Un Certain Regard

• Teenage Sex and Death at Camp Miasma de Jane Schoenbrun
• Quelques mots d’amour de Rudi Rosenberg
• Congo Boy de Rafiki Fariala
• Club Kid de Jordan Firstman
• Les Fraises de Leila Marrakchi
• Dégel de Manuela Martelli
• De toutes les nuits, les amants de Yukiko Sode
• Les Eléphants dans la brume d’Abinash Bikram Shah

Cannes Première :

• Vol de nuit pour Los Angeles de John Travolta
• Mariage au goût d’orange de Christophe Honoré

Séances Spéciales ou de Minuit

• Vesna de Rostislav Kirpichenko
• Roma Elastica de Bertrand Mandiico
• Colony de Sang-ho Yeon

Cannes Classics

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QUINZAINE DES CINEASTES :

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• Merci d’être venu d’Alain Cavalier
• Le Journal d’une femme de chambre de Radu Jude
• La libertad doble de Lisandro Alonso

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Réalisé en 3D par James Cameron et Billie Eilish elle-même, ce film-concert a été capté tout au long de sa tournée mondiale qui a fait salle comble.

Un projet innovateur qui permet d’immortaliser de façon inédite et inoubliable un concert qui a marqué à juste titre son temps.

Des captations de concert, il en existe déjà beaucoup, de l’antédiluvien The Last Waltz de Martin Scorsese au plus récent Taylor Swift : The Eras Tour. C’est même presque devenu une habitude ces dernières années, allant de l’essentiel au plus dispensable, avec le traditionnel film issu de la tournée de Mylène Farmer ou celui de la tournée de Beyoncé. Ce qui distingue immédiatement ce film, ce sont les caractéristiques du style de Cameron, une fluidité de mouvement de caméra et de montage sans pareille, et surtout un filmage en 3D, qui paraît si naturel, dépourvu de toute ostentation chez lui qu’on oublie qu’il ne l’est nullement chez les autres. La tournée de Billie Eilish s’étant jouée à guichets fermés, cette captation est ainsi l’occasion, pour ceux qui y ont assisté, de retrouver leurs souvenirs magnifiés par l’utilisation de la 3D, ainsi que pour tous les autres, fort nombreux qui sont restés sur le bas-côté, de la voir pour la première fois, dans des conditions idéales.

Car, pour voir ce concert de Billie Eilish, il existe déjà des captations plus ou moins réussies sur YouTube, quasiment autant que de villes visitées. Ce qui justifie le visionnage de cette oeuvre sur grand écran, c’est la qualité d’image inégalable atteinte par Cameron, la puissance sonore des chansons dégagée par une projection sur grand écran, et surtout la pluralité et le mouvement des images, là où les videos YouTube se signalent par l’unicité et la fixité de leur point de vue. Le film de Cameron est un vrai film, dans le sens où le spectateur est plongé en immersion dans le spectacle de Billie Eilish, face à une multiplicité d’images et de points de vue.

Car tout le film est construit autour du spectacle de Billie Eilish, en alternance avec de rapides interviews de la chanteuse. Contrairement aux idées reçues, le concert de Billie Eilish est très épuré, assez peu spectaculaire, à la limite de l’austérité, concentré sur l’essentiel, conformément à sa musique : pas de changement de costumes, pas de danseurs, un groupe de musiciens discrets, quelques flammes artificielles pour les morceaux les plus explosifs, des confettis pour la célébration finale de Birds of a feather. D’une certaine manière, de ce point de vue, c’est l’anti-Lady Gaga, Mylène Farmer ou Taylor Swift. Tout repose sur Billie et ses chansons, qui représentent le coeur du programme. Or Billie Eilish est un véritable phénomène en la matière : que ce soient ses trois albums, son E-P (Don’t smile at me) ou ses collaborations sporadiques à des B.O. (No time to die pour le 25ème James Bond, What was I made for, extrait de Barbie) ou un duo (Guess avec Charli XCX), elle n’a jamais écrit ou publié la moindre mauvaise chanson. Seule une Lana Del Rey, grande influence de Billie, paraît pouvoir soutenir la comparaison dans ces vingt-cinq dernières années.

Le concert de Billie Eilish est ainsi donc constitué principalement de ballades douces et mélancoliques (Skinny, Lovely, When the party’s over) parsemées de quelques rares bangers rythmés (Lunch, Guess, Bad Guy), en précisant que ses titres les plus pop sont souvent les plus calmes, méditatifs et paisibles (Ocean eyes, Bury a friend, Everything I wanted, Chihiro, Birds of a feather). La mise en scène de Cameron épouse avec sobriété ce rythme bipolaire du spectacle, se mettant au service et au diapason de l’univers de Billie Eilish, sans jamais essayer de tirer la couverture à lui, ce qui fait que certains pourront trouver le résultat sage et peu révolutionnaire, alors qu’ils ne mesurent pas l’immense différence entre ce film et les autres captations de concert. Si l’on souhaite véritablement chercher un défaut dans l’enrobage cameronien, ce serait plutôt à chercher dans l’utilisation trop fréquente de plans de fans au visage déformé par l’émotion, répétition qui peut lasser le spectateur, mais cela semble appartenir au cahier des charges du film, dont le sujet tourne autour de la demande d’amour et de son retour plus ou moins effrayant, immense et disproportionné. Quand Billie se confie entre deux chansons sur les scarifications que les fans lui ont causées sans le savoir ou avoue à la fin dans sa limousine qu’elle aime cet amour absolu des fans, on peut s’interroger sur cette étrange vie des stars qui leur fait demander l’amour de centaines de millions de personnes, sans jamais en être rassasiées. Eilish paraît pourtant plutôt équilibrée mais elle confie parfois à ses chansons des états d’âme dépressifs, vulnérables, voire suicidaires qui peuvent inquiéter. Ce film dresse contradictoirement le constat d’une jeune femme de 24 ans, joyeuse et heureuse de plonger de temps à autre dans le gouffre de ses émotions, sans pour autant céder au vertige de ses démons, ou alors en les contrôlant par l’écriture comme l’a fait Robert Smith de The Cure. Aujourd’hui, Billie Eilish, petite princesse de la pop, domine son sujet ( et ses sujets) comme un autre roi de la pop a pu le faire il y a des dizaines d’années, mais en affichant un comportement volontaire et exemplaire, loin des errements problématiques.

Le film est signé James Cameron et Billie Eilish, Cameron en plaisante, prétendant dans une séquence qu’il devrait être en fait signé principalement Billie Eilish, avec son nom (James Cameron) en tout petit. Ce n’est pas entièrement faux car l’oeuvre est entièrement conçue par Billie Eilish, Cameron la mettant en forme et l’enjolivant par quelques effets 3D. Billie Eilish ayant déjà atteint tous ses objectifs en matière musicale (des Grammys à la pelle, deux Oscars de chanson originale, un succès planétaire), ce n’est pas un secret de révéler qu’elle se tournera bientôt vers le cinéma, d’abord comme actrice puis probablement comme réalisatrice. Elle est pressentie comme actrice dans l’adaptation de La Cloche de détresse, unique roman de la poétesse Sylvia Plath, qui serait réalisée par Sarah Polley (Oscar du meilleur scénario en 2023 pour Women talking). Mais, déjà réalisatrice de ses clips, Billie Eilish deviendra ensuite probablement réalisatrice de cinéma, pour compléter le panorama d’une carrière artistique incroyablement diversifiée, placée sous les signes conjoints de la musique et du cinéma. Ce film cosigné avec James Cameron représente peut-être ainsi un passage du témoin, du passé vers l’avenir, avec en trait d’union la technologie.

RÉALISATEURS : James Cameron et Billie Eilish 
NATIONALITÉ :  américaine, canadienne
GENRE : concert 
AVEC : Billie Eilish, James Cameron, Finneas O'Connell, 
DURÉE : 1h54
DISTRIBUTEUR : Paramount Pictures 
SORTIE LE 7 mai 2026 

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