La première partie du film, avant que ne survienne le drame, nous plonge dans le quotidien de Michal qui court à pied, prend sa douche, s’habille, s’occupe de Dominika, l’installe dans sa voiture et prend la route du journal. S’ensuivent une série d’actions aussi nombreuses que diverses où on assiste à une concentration du temps ou plutôt au resserrement d’un grand nombre d’actions dans un temps relativement court, qui souligne le caractère préoccupé, voire très occupé, de la journée de Michal. Ceci interviendra a posteriori comme une façon à visée explicative de déterminer le drame. Encore une fois, nous vivons les choses de l’intérieur et en accord avec son regard nous croyons voir ce qu’il perçoit comme la réalité. Une réalité trompeuse en vérité qui est à l’origine du drame. Celui-ci est sans doute le plus affreux que l’on puisse connaître et engage la responsabilité de Michal qui n’en peut mais de se sentir coupable malgré l’explication clinique du phénomène. En effet, ce dernier passe par toutes les phases du deuil, de la culpabilité à la dépression en passant par une tentative d’auto-justification de son geste. Nous suivons avec la caméra en gros plan et scrutons les moindres émotions du personnage, nous rendant solidaires de son destin.

La publicité organisée autour de ce genre d’affaires laisse ici place au sentiment des acteurs du drame eux-mêmes et le film investigue à travers les réactions des personnages ce qu’on peut ressortir de ce type d’évènement

La conception de ces longs plans-séquences a demandé une extrême précision et une préparation intense pour prévoir tous les mouvements de caméra afin de les synchroniser avec le mouvement des acteurs en plein jeu, passant d’une voiture en marche à la steadycam puis à une grue. Au moment du procès, Michal ressent comme une sensation de vertige et la caméra s’égare parmi les hauteurs de la salle tandis que le bruit extérieur à la source duquel va chercher la caméra en visant à travers la fenêtre fait entendre des cris d’enfants qui jouent, soulignant le manque affectif dont souffre Michal tout en rappelant de façon obsessionnelle le drame. La question reste de savoir si le couple – ou comment – va traverser cette crise brutale. Mais à aucun moment le film ne porte de jugement sur les personnages, nous laissant libres de réfléchir à ce que nous aurions fait à leur place et si la même chose pourrait nous arriver.

La publicité organisée autour de ce genre d’affaires laisse ici place au sentiment des acteurs du drame eux-mêmes et le film investigue à travers les réactions des personnages ce qu’on peut ressortir de ce type d’évènement, car il est aussi une histoire d’amour et celle d’un couple qui doit faire face à l’impensable avec le déchirement personnel que cela implique : Michal en appelle même à la sévérité de la justice contre lui-même, portant tout le poids de la culpabilité sur ses épaules et la relation de couple avec Zuzka est entièrement remise en question. La pression extérieure est intense et se fait durement ressentir avec l’étreinte exercée par les journalistes sur Michal et son procès, par le public – à travers Internet ou le vieil homme qui porte une pancarte – ainsi même que par sa collaboratrice du journal qui vitupère contre lui alors qu’elle se croit à l’abri d’être entendue. Mais il faut bien dire que cette attaque en règle se brise contre l’humanité du personnage de Michal et l’amour qu’il porte en lui pour sa fille comme pour sa compagne. Une exploration des pensées et des sentiments les plus intimes que peut vivre un homme en plein drame.

RÉALISATEUR : Tereza Nvotova
NATIONALITÉ :  Slovaquie, République tchèque, Pologne
GENRE : Drame
AVEC : Milan Ondrik, Dominika Moravkova, Peter Bebjak
DURÉE : 1h42
DISTRIBUTEUR : Epicentre Films
SORTIE LE 27 mai 2026

L’article Father : dans l’œil du cyclone est apparu en premier sur MovieRama.

En effet, il ne cessait de lui envoyer des mails par internet pour lui demander de l’aide et surtout de l’argent en évoquant des motifs en lesquels Riko ne croit pas tant elle est habituée aux mensonges de son frère qui, du jour où il a appris le cancer dont était atteint leur mère, a fui le domicile maternel pour aller ailleurs débuter une nouvelle vie. Jusqu’au jour même des funérailles de cette dernière où il ne manque pas cyniquement d’extorquer de l’argent à Riko, soi-disant pour acheter un cadeau à son fils Ryoichi dont il a obtenu la garde suite à son divorce d’avec sa femme Kanako. On apprend que c’était la condition sine qua non qu’il avait émise pour accepter de se séparer d’elle. Kanako, elle, ne pouvait continuer à vivre avec un homme qui s’endettait en permanence et ne pouvait assurer la survie du foyer. Le film nous montre donc des personnages isolés, épars parmi la foule des hommes, séparés les uns des autres pour les rassembler quasiment sous la forme d’une nouvelle famille, élargie cette fois-ci. Ils vont se réunir sous le signe du deuil qui les frappe tous autant qu’ils sont.

Chaque geste, chaque expression sont soigneusement pesés et montrés à l’écran pour faire signe et c’est avec une extrême délicatesse que le cinéaste développe ici le travail de deuil indispensable à chacun pour continuer à vivre débarrassé de tout sentiment d’amertume.

Et Riko va peu à peu s’apercevoir que son frère ne lui mentait pas autant qu’elle le pensait. Sa pompe à chaleur avait effectivement explosé et il devait en acheter une nouvelle. Il avait bien trouvé un professeur de piano pour Ryoichi qui n’aura pu bénéficier que des cinq premiers cours gratuits, mais ce n’est que lorsque le jeune garçon joue quelques notes sur le piano du foyer où il a été placé qu’on découvre cette face cachée de la personnalité du frère qui faisait bien tout pour l’éducation de son fils, l’emmenant sur le port pour voir les grues qui pointent au loin vers le ciel. Riko découvre aussi un CV de son frère où il a listé ses compétences et elle s’étonne de se rendre compte de tout ce qu’il était capable de faire : il cherchait bien un travail et comptait gagner ainsi de l’argent. Souvenir aussi d’une virée à vélo – avec Riko sur le porte-bagages – jusqu’au café du port où travaillaient leurs parents, image de la générosité de sentiment de son frère. Ryoichi, quant à lui, est affligé par le décès de son père et paraît timoré mais gagnant confiance peu à peu en sa mère qu’il connaît finalement assez peu pour rejoindre son foyer. A travers la peine de Ryoichi et les découvertes faites par Riko sur son frère mais aussi le dialogue avec Kanako, une nouvelle image du grand frère – recomposée – nous apparaît ainsi qu’à Riko. Car nous voyons les choses à travers son regard.

En effet, Riko a des visions de son frère qui la poursuivent jusque dans le supermarché où elle fait ses courses, et avec lequel elle dialogue. En fait, il s’agit d’un monologue intérieur de Riko avec elle-même. La réalisation tend à montrer que si l’on fait preuve d’un tant soit peu d’imagination ou même d’intuition, on se rend compte que la personne défunte continue de vivre dans nos cœurs et dans notre tête par-delà la mort. Ce n’est d’ailleurs plus qu’à travers nous que cette dernière continue d’exister. Façon de maintenir le lien familial et d’entretenir le souvenir collectif des hommes. Chaque geste, chaque expression sont soigneusement pesés et montrés à l’écran pour faire signe et c’est avec une extrême délicatesse que le cinéaste développe ici le travail de deuil indispensable à chacun pour continuer à vivre débarrassé de tout sentiment d’amertume. C’est avec légèreté – et humour – qu’il décrit de façon légère un sujet qui pourrait apparaître d’abord comme grave – et il l’est – et austère. Une merveille de petit bijou de fantaisie, pleine d’un sentiment réconfortant d’apaisement et de vie pour qui s’y laisse prendre.

RÉALISATEUR : Ryota Nakano
NATIONALITÉ : Japon 
GENRE : Drame
AVEC : Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima
DURÉE : 2h07
DISTRIBUTEUR : Art House
SORTIE LE 6 mai 2026

L’article Mon grand frère et moi : une recomposition de l’image de l’autre filmée avec beaucoup de tendresse est apparu en premier sur MovieRama.

Un film curieux qui nous montre que la ferveur religieuse – ou la superstition – n’a rien perdu de sa force surtout chez les gens pauvres des contrées de Russie où elle fait office de calmant et d’adoucissant à la vie.

Les faits et propos des protagonistes sont présentés tels quels, sans commentaire du narrateur, seule une voix off – celle de Herzog – traduisant les paroles du russe à l’allemand, se refusant à interpréter ce que l’on voit à l’écran et mettant tout sur le même plan : légendes, foi, visions, cérémonial et tout ce qui va avec. Le cinéaste nous donne à réfléchir sur les restes ancrés d’une foi parfois millénaire dans l’esprit des pauvres gens qui habitent ces régions du monde, au milieu de la technologie la plus moderne : on voit des lignes à haute tension traverser le paysage. L’Église orthodoxe n’en a jamais véritablement disparu d’ailleurs et l’on fait la connaissance d’un sonneur de cloches orphelin qui n’a jamais malgré ses efforts réussi à retrouver ses parents. On se rend compte que son métier est tout un art et demande coordination et sens de la musique. Celle des chœurs sacrés qui envahit la bande-son soulignant la ferveur des croyants – gros plans à l’appui – qui viennent visiter et embrasser les icônes religieuses du monastère de Zagork qui abrite la sépulture de Saint Serge. Quant à la légende de Kitej, elle fait l’objet d’un traitement spécial, les premières images du film y renvoyant directement mais le thème n’étant repris qu’au cours de celui-ci. On voit des pèlerins raconter l’histoire de la ville de Kitej, fondée dans la circonscription administrative de Nijni Novgorod par Iouri II Vladimirski au XIIIème siècle, qui, menacée par les Mongols, fut miraculeusement engloutie par les eaux qui forment aujourd’hui le lac Svetloïard, ce qui en fait une sorte d’Atlantide russe. Les plus pieux comme cette dame interrogée pouvant voir les feux des processions religieuses. Des pèlerins avancent à quatre pattes autour du lac devenu sacré. Et Herzog y met du sien puisqu’il invente une séquence qui est de sa pure invention où l’on voit des hommes à plat ventre sur le lac essayer d’y voir à travers la ville de Kitej, tandis que les pêcheurs ont creusé un trou dans la glace pour y attraper le poisson et que des patineurs glissent sur la surface gelée ne semblant pas faire attention à tout ce manège. Un film curieux qui nous montre que la ferveur religieuse – ou la superstition – n’a rien perdu de sa force surtout chez les gens pauvres des contrées de Russie où elle fait office de calmant et d’adoucissant à la vie.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire
AVEC : Werner Herzog, Vissarion, Anna Hitch
DURÉE : 1h
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Les cloches des profondeurs : la foi par-dessus tout est apparu en premier sur MovieRama.

Grimpant une pente escarpée jusqu’au bois qu’ils traversent, il parviennent jusqu’à une plage où ils sont pris en charge par une espèce de chalutier sur lequel ils s’embarquent tous autant qu’ils sont, transférés d’abord dans la cale d’où ils sortent enfin pour respirer à l’air libre le long du pont. La traversée est longue et pénible, peu à manger, les rohingyas sont serrés les uns contre les autres. Certains prient, comme prie déjà le père au début du film et ils ne manquent jamais de faire référence au secours qu’ils attendent de Dieu dans leur périple et pour leur avenir, soulignant ainsi leur caractère très pieux. A la merci de l’équipage du bateau, ils le seront toujours des passeurs qui les aident à s’enfuir mais ne manquent jamais de les menacer en leur extorquant le plus d’argent possible. Réduits à l’impuissance, enfermés dans des cages en bois aux barreaux pas assez serrés cependant pour que n’y échappent les deux enfants qui se glissent entre eux. Un vieillard ne supportera pas la traversée : la menace du danger et de la mort pèse sur les protagonistes tout au long du film.

Le spectateur est en pleine immersion avec ces naufragés de la misère cherchant à survivre en quête d’avenir.

S’ils ne viennent pas des circonstances mêmes du voyage, ils peuvent surgir des garde-côtes ou des soldats de l’armée préposés aux frontières qui les pourchassent en tirant sur eux à balles réelles. La caméra est à proximité, à l’épaule, suivant la course effrénée des rohingyas au sein de la forêt, la nuit ajoutant encore plus de confusion encore à leur fuite lorsqu’elle n’adopte pas le point de vue subjectif, à moitié immergée dans l’eau et mimant les mouvements des nageurs qui tentent à toute allure de rejoindre la côte depuis le bateau repéré par les garde-côtes. Le spectateur est en pleine immersion avec ces naufragés de la misère cherchant à survivre en quête d’avenir. Et l’émotion se fait ressentir à scruter ces hommes, ces femmes et ces enfants patients jusqu’au bout, résilients et animés par leur foi à travers un périple où le danger est partout et peut surgir à n’importe quel moment. Les acteurs jouent avec un naturel consommé, semblant avoir parfaitement adopté la caméra. Le cinéaste tourne de longues séquences qui permettent à celui-ci de s’installer peu à peu, un dialogue s’instaurant même entre chef opérateur – Yoshio Kitagawa – et les acteurs, ce dernier se déplaçant librement tout en s’accordant au rythme des enfants à travers le regard duquel nous assistons aux évènements.

Une spontanéité que l’on retrouve dans la relation qui unit ces derniers – frère et sœur dans la vie réelle – lorsqu’ils jouent ensemble – ils sont et restent des enfants – où errent dans les ruelles désolées de la ville, mendiant à boire et à manger. Des îlots de sécurité et de paix ménagés au sein de la narration qui permettent au spectateur en même temps que pour les personnages de souffler un peu, tant la misère est dure à supporter, tant le danger est constant au cours du périple. Comme cette séquence où les réfugiés sont accueillis chaleureusement par des thaïlandais au sein de leur habitation leur permettant de se restaurer et de se reposer pour mieux repartir. On s’attache facilement au regard des enfants sur ce monde périlleux dans lequel ils vivent et évoluent ensemble. Le jeune Shofik – qui joue le rôle de Shafi – est muni d’un charme particulièrement envoûtant qui s’exerce sur nous à travers son regard innocent et déjà habitué pourtant à voir des choses que ne devrait pas vivre un enfant. Un film qui a une dimension documentaire indéniable mais qui, à travers la fiction, atteint à un niveau d’émotion qui doit toucher notre sentiment d’humanité le plus profond. Une merveille.

RÉALISATEUR : Akio Fujimoto
NATIONALITÉ :  Japon, France, Malaisie, Allemagne
GENRE : Drame
AVEC : Muhammad Shofik Rias Uddin, Shomira Rias Uddin
DURÉE : 1h39
DISTRIBUTEUR : Arizona Distribution
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Les fleurs du manguier : un périple à très haute intensité est apparu en premier sur MovieRama.

Il vit en compagnie de Molly (jouée par Claudia Cardinale) qui tient une pension de jeunes filles qu’elle place ensuite dans les meilleures familles de la ville. Ils s’aiment et partagent les mêmes goûts, et la même folie. Fitz, quant à lui, a déjà échoué dans une entreprise précédente, celle de créer un chemin de fer qui traverse l’Amazonie, et en attendant mieux, il fabrique des pains de glace qu’il distribue à l’occasion aux enfants. Mais cela ne l’enrichit pas suffisamment pour accomplir l’idée qu’il a en tête, qu’il hurle du clocher d’une église au sein de laquelle il s’est enfermé, fou criant à la foule qui l’observe sans comprendre. Il décide alors d’aller recueillir lui aussi le caoutchouc dans une parcelle laissée libre située sur le cours de l’Ucayali, l’un des affluents de l’Amazone. Pour cela il achète – avec l’aide de la petite fortune de Molly – un bateau à vapeur capable d’effectuer la traversée. Mais il faut d’abord le faire remettre en état. Et de le baptiser du nom de sa compagne. Le recrutement de son équipage est à l’image du caractère de son propriétaire, en apparence fantasque et boiteux : un pilote seul survivant d’une expédition ayant fini en catastrophe et un cuisinier ivrogne.

Entraînante aussi la folie du personnage qui nous gagne avec sa fièvre d’une quête démesurée au sein d’une nature hostile et de forces dangereuses.

Fitzcarraldo parvient à nous faire croire à son projet tant sa détermination est intacte quelles que soient les avanies et malgré quelques moments de doute. C’est aussi la magie du cinéma que de nous entraîner dans son aventure. Car c’est d’une véritable aventure qu’il s’agit au cours de laquelle le personnage devra affronter les forces naturelles – les remous du Pongo – défier cette même nature – en faisant passer son bateau par-dessus une colline, et c’est vraiment ce que l’équipe du film fit avec l’aide des Indiens – ainsi que les Shuars, appelés improprement les Navajos (terme dont la signification est « barbare », « sauvage »), redoutable peuplade qui a pour particularité de pratiquer le rite de la réduction de tête, d’où leur réputation caricaturale de coupeurs de tête à laquelle n’échappe pas le film, relatant le sort des deux missionnaires jésuites retrouvés morts avec la tête tranchée.

Le film offre des panoramas fascinants sur la nature amazonienne et les péripéties de l’équipage du bateau se suivent à un rythme entraînant. Entraînante aussi la folie du personnage qui nous gagne avec sa fièvre d’une quête démesurée au sein d’une nature hostile et de forces dangereuses. Ainsi, le mouvement de sympathie qui s’instaure entre l’équipage de Fitz et les indiens est-il miraculeux mais l’on a envie de croire en cette fraternité soudaine même si elle est animée par un calcul plus intéressé qu’il n’y paraît. Il faut savoir que pendant le tournage, les indigènes en butte aux accès de folie furieuse de Kinski offrirent à Werner Herzog de le tuer tant il devenait insupportable à tous. Cet épisode est relaté dans le film qu’il fit ensuite sur ses relations entre lui et l’acteur dans Ennemis Intimes (1999). Un grand souffle épique traverse ce film autour d’un conquistador de l’inutile à l’âme aussi noble que sauvage. L’occasion de voir ou de revoir une grande œuvre de l’histoire du cinéma, avec Kinski à l’écran, ce qui n’est pas rien.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Film d'aventures
AVEC : Klaus Kinski, Claudia Cardinale, José Lewgoy
DURÉE : 2h38
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Fitzcarraldo : une épopée sauvage à travers l’Amazonie est apparu en premier sur MovieRama.

Le cinéaste tente de reproduire l’expérience sur le spectateur, cherchant ainsi à surprendre ce qui se passe derrière le voile des apparences jusqu’au plus profond de la réalité. Ainsi, comme le faisait Carl Dreyer avant lui, il met ses acteurs sous hypnose selon les besoins de la scène, ce qui leur donne cette apparence un peu étrange à l’écran et cet aspect stylisé – gestes décomposés de façon théâtrale, regards dans le vide et parole heurtée. Il faut alors se laisser porter par le rythme du film au risque sinon de s’y ennuyer et de trouver le temps un peu long. La voix off de Hias décrit un monde en train de s’écrouler – la menace de décomposition du monde est constante tout au long du film –, de pourrir laissant place à un ordre nouveau : c’est un texte proprement apocalyptique, dans le sens révélateur du terme. Parole prophétique aussi. En effet, le village est en émoi et croît voir apparaître des signes attestant de la fin du monde, comme ce géant destructeur et anthropophage que les villageois croient avoir aperçu rôdant aux alentours.

C’est ainsi que les personnages dans Cœur de verre semblent agis de l’extérieur, semblables à des automates obéissant à leurs pulsions internes les menant à la catastrophe inévitable de la fin du monde.

Car rien ne va plus : la verrerie qui est la principale entreprise du coin et qui fabrique un verre particulier appelé le verre-rubis pour sa couleur rouge a perdu son principal maître d’œuvre, le contremaître Mühlbeck, mort sans avoir dévoilé le secret de la fabrication de son fameux verre. Les maîtres verriers se mettent à l’œuvre mais rien n’y fait et ils échouent lamentablement dans leurs tentatives. Tout l’espoir du village repose pourtant sur ce secret. Le maître de la verrerie, un jeune aristocrate guindé hanté par la folie, se met alors à en chercher la formule dans des grimoires, impuissant lui aussi, sa quête tournant bientôt à l’obsession. Les villageois semblent prisonniers de leur routine comme d’un rêve, accomplissant ainsi les prédictions de Hias. Herzog dénonce ici le caractère soumis de l’homme à un destin que des forces qui le dépassent– économiques, politiques ou autres – lui dictent car même s’ils savent ce qui va leur arriver, ils ne font rien pour l’empêcher. On retrouvera ce même sentiment d’impuissance et de chute dans le vide dans le personnage principal de La Ballade de Bruno (1977), même si dans ce dernier film, le héros se bat quant à lui tant qu’il peut pour échapper à son destin.

Il semble chez Herzog que l’humanité soit aveugle à son propre destin et soit vouée à disparaître pour mieux renaître sous une autre forme comme dans Fata Morgana (1971) où une civilisation meurt pour être remplacée par une autre toute aussi atteinte de cécité que l’autre. C’est ainsi que les personnages dans Cœur de verre semblent agis de l’extérieur, semblables à des automates obéissant à leurs pulsions internes les menant à la catastrophe inévitable de la fin du monde. Un éternel recommencement en somme similaire à la vision en partie nihiliste chez Nietzsche de l’éternel retour du même. Herzog nous emmène à travers cette fable dans un monde étrange fait de signes qu’il s’agit d’interpréter pour le spectateur saisi par l’hébétude et parfois l’incompréhension. C’est un cinéma exigeant qui demande une participation entière de nos sens. Mais qui nous relie au sens profond, souvent caché, de notre propre existence.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Drame
AVEC : Josef Bierbichler, Stefan Güttler, Clemens Scheitz
DURÉE : 1h34
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Cœur de verre : une catastrophe prévue d’avance est apparu en premier sur MovieRama.

Woyzeck est en proie à des hallucinations auditives et son regard semble parfois perdu dans les lointains sans qu’on sache jamais ce qu’il y perçoit. Personnage fantasque, un peu fou sur les bords, à l’esprit du moins dérangé. Il est un pur objet de curiosité scientifique pour le médecin militaire qui l’ausculte, le contraignant à un régime drastique à base de pois, lui reprochant son manque de volonté, émettant l’idée – c’est sa grande théorie – que la volonté peut tout et par-dessus toutes choses corriger ou du moins contrôler la nature. Car Woyzeck est un être naïf au sens premier du mot, innocent comme la nature, qui laisse libre cours à ses impulsions, doutant cependant de ce qu’il faut faire ou ne pas faire, en proie à l’hostilité ou au mépris du monde extérieur, obéissant aux ordres. Et ce même monde en profite, comme Marie qui, en douce, trompe son ami avec le tambour-major, espèce de grand escogriffe, ne se privant pas de danser avec sa dulcinée à la barbe et au nez de ce pauvre Woyzeck qui n’en peut mais.

Dépossédé de son corps, maltraité, humilié, trahi, Woyzeck cherche un sens à ce qui lui arrive mais n’y parvient pas. Quête sans fin à l’issue de laquelle on ne peut que se perdre.

Alors ça tourne dans la tête du petit soldat qui se rend compte de la chose, lui qui adopte pourtant l’attitude du parfait mari et père de famille, offrant toute sa solde à Marie dès qu’il la perçoit. Cette dernière se laisse séduire par le prestige de l’uniforme et la prestance de son amant, victime de l’ennui mortel du quotidien qu’elle vit avec Woyzeck, une autre Emma Bovary en somme. A l’instar de Kaspar Hauser – autre héros de la filmographie de Herzog – Woyzeck se sait prisonnier du monde absurde dans lequel il vit. C’est un être doté d’une clairvoyance supérieure aux autres, une clairvoyance telle qu’elle peut mener à la folie, à la destruction et jusqu’à la mort. Dépossédé de son corps, maltraité, humilié, trahi, Woyzeck cherche un sens à ce qui lui arrive mais n’y parvient pas. Quête sans fin à l’issue de laquelle on ne peut que se perdre. Mais il ne peut s’en tenir à l’immobilisme, contraint qu’il est de regarder se dérouler le long fleuve absurde de la vie devant lui, et il se débat pour essayer de vivre.

Mais traité en cobaye par le médecin militaire aux discours creux qui se prévaut vaniteusement de son titre, humilié et en perte de repères – il perd ainsi le dernier abri où il pouvait se réfugier, c’est-à-dire son foyer imprégné de l’odeur et des traces laissées par son rival en amour – Woyzeck cherche à se confier à son camarade Andrès qui lui adresse en réponse un message de non-retour, lui conseillant de ne pas trop s’en faire. Mais il n’est pas homme à laisser les choses en l’état et c’est ainsi qu’il s’affirme aussi comme un héros cherchant à améliorer sa situation et à donner un sens à la vie et au monde. Kinski incarne à merveille son personnage, fatigué et torturé intérieurement – il sort à peine du tournage de Nosferatu – rendant sensible la tristesse profonde du personnage. Et Herzog est en empathie avec son personnage, prenant son parti, restant près de lui, sobre dans sa manière de le filmer et éloigné de tout pathos. Encore une histoire traduisant le pessimisme noir de son auteur ici merveilleusement sublimé par le film.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Drame historique
AVEC : Klaus Kinski, Eva Mattes, Wolfgang Reichmann
DURÉE : 1h20
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Woyzeck : l’histoire d’un homme rendu fou de douleur est apparu en premier sur MovieRama.

Car le danger est là, omniprésent, de chute à l’atterrissage et de subir de graves traumas.

La caméra suit le sauteur dans son ascension vertigineuse, sa figure se découpant sur les nuages blancs du ciel bleu des montagnes. Et le risque est sensible pour le spectateur qui ne peut que s’émerveiller devant un tel exploit. Le skieur doit en faire abstraction avant de s’essayer à chaque fois sur la piste. Mais les limites sont à chaque fois repoussées. C’est que les spectateurs, arrivés par bus de tous les coins du pays et d’ailleurs, amassés au bas des pistes, en veulent toujours plus. Et nous en sommes partie prenante même si l’on tremble pour la vie des sauteurs. Les sauts – et les chutes qui en sont parfois l’aboutissement – donc se succèdent, rythmant à intervalles réguliers le déroulement du film. Le réalisateur utilise un procédé de ralentissement de l’image faisant en sorte que nous avons l’impression en voyant le sauteur à ski accomplir son geste qu’il est comme suspendu dans le ciel, en train littéralement de planer semblable à un oiseau. La sensation est encore soulignée par une bande-son adéquate puisque Werner Herzog utilise la musique du groupe allemand Popol Vuh formé en 1969 et ayant déjà contribué aux films du cinéaste pour Aguirre, la colère de Dieu en 1972. Ils continueront à accompagner celui-ci au cours des années suivantes, venant marquer de leur empreinte sa filmographie. Musique elle-même particulièrement planante et connue pour cela. Ici, comme dans plusieurs de ses autres films – dont Gasherbrum, la montagne lumineuse en 1984 – Werner Herzog s’intéresse à une personnalité hors-norme qui s’évertue à défier les lois naturelles comme à un héros en marge de la société.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire 
AVEC : Walter Steiner, Werner Herzog
DURÉE : 45 '
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article La grande extase du sculpteur sur bois Steiner : l’art de planer est apparu en premier sur MovieRama.

C’est alors qu’elle décide à un moment de sa vie de se dévouer à la cause de ceux qui sont comme elle et se met à la tête d’une association de sourds-aveugles en Bavière. Et le film suit ses pérégrinations à travers le territoire, par train et en voiture, pour visiter hommes et femmes qui souffrent du même handicap. Patience, empathie et faculté de compréhension sont mises à l’œuvre pour tenir compte de la situation particulière de chacun. Fini prend le temps de communiquer tant bien que mal avec eux, de se rendre compte de leurs conditions de vie et sa présence se veut réconfortante tant ces derniers ont l’impression d’être complètement oubliés du reste de la société. D’ailleurs, ils ne se plaignent pas mais souffrent en silence, réduits parfois à l’isolement le plus total, envoyés dans un centre psychiatrique au milieu des malades mentaux quand on ne sait plus où les mettre, faute de structure adaptée à leurs besoins. Comme cette femme qui semble avoir abandonné son sort au hasard, n’ayant aucun moyen de communiquer avec les autres, pas même le braille dont elle a oublié l’enseignement.

Que de misère, de souffrance et de solitude nous ressentons à travers ce documentaire mais aussi tant de grandeur d’âme, d’abnégation et de résilience chez cette femme qui consacre sa vie à la communauté des sourds-aveugles dont elle fait elle-même partie.

Laissés seuls à la garde d’un parent s’ils en ont un qui accepte de s’occuper d’eux comme cet ancien paysan qui suit les pas de sa vieille mère, tous deux vivant dans un dispensaire qui les a accueillis, et qui pendant longtemps a vécu au milieu des bêtes, réduit lui-même à l’animalité. Il a les moyens physiques et articulatoires de parler mais refuse pourtant obstinément d’ouvrir la bouche pour proférer des paroles si ce n’est un mot par-ci par-là à l’occasion, et ayant du mal à accepter une présence étrangère à ses côtés comme s’il avait abandonné le monde qui l’a réciproquement oublié et laissé seul face à son destin. C’est ainsi que le travail de Fini pour parvenir à intégrer ces sourds-aveugles à la société s’avère particulièrement difficile et ardu. Et c’est à cette aune que l’on perçoit l’abnégation et la force de résilience qu’elle porte en elle pour accomplir sa tâche. Rencontre avec un éducateur qui s’occupe de deux enfants handicapés auxquels on tente d’apprendre à parler mais aussi à se diriger tout simplement dans le monde.

Visites au zoo ou au jardin botanique : importance de se raccorder au monde par le truchement des sens, celui du toucher qu’il leur reste et contact revigorant avec les animaux. Puis la caméra délaisse par un travelling le groupe de Fini et de ses interlocuteurs pour se focaliser sur son sujet, celui des handicapés eux-mêmes : plan resserré sur cet enfant qui serre contre lui une radio dont il perçoit sans doute les vibrations. Rapport animal avec le monde : il trébuche, accroche la main de Fini dans laquelle il plante ses ongles comme pour y arracher le peu de douceur dont il peut bénéficier dans sa vie, laissé seul à la garde de son père qui n’en peut mais. Que de misère, de souffrance et de solitude nous ressentons à travers ce documentaire mais aussi tant de grandeur d’âme, d’abnégation et de résilience chez cette femme qui consacre sa vie à la communauté des sourds-aveugles dont elle fait elle-même partie. Peut-être un espoir à travers le discours prononcé par un ministre du gouvernement qui rappelle non seulement la tolérance qu’on doit avoir à leur égard mais aussi la nécessité de les intégrer à la société. Mais comme le chemin est long et difficile : briser le silence, éclairer la route semble pourtant essentiel.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'Ouest
GENRE : Documentaire
AVEC : Fini Straubinger, M. Baaske, Elsa Fehrer
DURÉE : 1h20
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Au pays du silence et de l’obscurité : un combat acharné pour l’intégration des handicapés est apparu en premier sur MovieRama.

Il y emménage avec sa femme grecque épousée depuis peu ainsi que deux soldats, Meinhard et Becker. Très vite, le petit groupe trouve ses marques mais le temps se fait long et à part repeindre les portes et piéger, pour les attraper, les blattes qui envahissent les lieux, il n’y a pas grand-chose à faire. Le lieu pourtant y a laissé quelques traces historiques telle une inscription rédigée en grec ancien et que Becker, qui a une formation de philologue, va tenter de traduire en vain : le château garde ses mystères. Et également ces pierres, vieilles de deux millénaires. Nous sommes transportés dans le temps et dans un no man’s land où l’Histoire semble s’être arrêtée. On apprend par la voix off que c’est une des rares villes de la région à n’avoir point été bombardée. Comme si le monde extérieur avait décidé de l’ignorer. Quelques plans pourtant nous mettent en contact avec la population : assis à la terrasse d’un café, Meinhard et Stroszek bavardent ensemble interpellés par un tzigane étrange qui dit être le roi d’une tribu dont il a perdu la trace. Lui aussi est donc un étranger perdu au milieu de cette guerre. Et puis il y a les enfants du port avec lesquels Stroszek tente dans une langue maladroite d’échanger.

C’est l’histoire d’un homme destiné à une solitude existentielle et voué à combattre les forces cosmiques qu’il aspire à dépasser.

Dans l’ensemble, rien ne semble devoir se passer et les habitants vaquent, indifférents, à leurs affaires. Alors, Stroszek s’adresse au commandement qui lui confie une mission de routine. Assisté de Meinhard, il effectue une patrouille à travers les espaces désolés d’une plaine quasi désertique – rencontre avec un vieux paysan et sa femme qui leur offrent à boire de leur eau, mais ils n’ont rien à manger, disent-ils ; la petite fille chante à peu près une comptine et voilà tout. Soudain ils arrivent au sommet d’une colline où le paysage se découvre : longues enfilades d’éoliennes à perte de vue dont les pales tournent dans le vent comme les pensées de Stroszek tournent en rond dans sa tête. Le voilà pris de folie brandissant son arme contre un ennemi invisible. De là, revenu au fort, il s’en prend à Meinhard qu’il accuse de l’avoir dénoncé au commandement et pourchasse tout le monde en menaçant de leur tirer dessus. Il peut dès lors régner en maître sur le fort, empêchant quiconque de s’en approcher.

Le village est en alerte et les autorités peinent à trouver une solution à la situation. C’est l’histoire d’un homme destiné à une solitude existentielle et voué à combattre les forces cosmiques qu’il aspire à dépasser. Le plus étonnant est que rien extérieurement ne tend à venir annoncer la crise si ce ne sont les stridulations incessantes des insectes qui envahissent la bande-son à rendre fou. Et le point d’interrogation que constitue ce village, la situation d’attente désespérée où se trouvent les personnages. Le trouble s’immisce secrètement dans la tête de Stroszek jusqu’à exploser comme les feux d’artifice qu’il lance depuis les remparts. L’intrigue met cependant du temps à se dévoiler. C’est que le scénario cherche à souligner le caractère étrange voire improbable de la situation pour mieux ménager l’effet de bouleversement qu’amène la crise du personnage principal. Comme cette rencontre avec un pianiste allemand jouant du Chopin derrière une porte entrouverte et avec lequel Stroszek aura une brève conversation, ce roi tzigane perdu au sein de l’immensité du monde, et ces villageois qui font comme si de rien n’était et continuent leur train-train quotidien sans but. Itinéraire d’un rebelle qui se bat contre l’absurdité du monde.

RÉALISATEUR : Werner Herzog
NATIONALITÉ :  Allemagne de l'ouest
GENRE : Drame
AVEC : Peter Brogle, Wolfgang Reichmann, Wolfgang von Ungern-Sternberg
DURÉE : 1h30
DISTRIBUTEUR : Potemkine Films
SORTIE LE 22 avril 2026

L’article Signes de vie : portrait d’un homme fou rebelle à un monde insensé est apparu en premier sur MovieRama.